Bjarte Eike: die Synergie zwischen Barock und Folk

Barokkviolist Bjarte Eike verschiebt Grenzen in der klassischen Musik, sucht ständig nach neuen Projekten im Grenzgebiet der Genres und erreicht ein neues Publikum mit seinem ansteckenden Spiel und Stil. Als künstlerischer Direktor von Barokksolistene hat er neue und innovative Konzepte geschaffen, wie The Alehouse Sessions; die Erkundung von Musik des 17. Jahrhunderts aus englischen Pubs und Wirtshäusern. Diese Sessions wurden nun zu dem Album The Playhouse Sessions bearbeitet. Und später in diesem Monat kommen Eike und Barokksolistene nach Hasselt, wo sie eine Bearbeitung des Programms unter dem Titel The Nordic Sessions aufführen.

Die Kombination von historisch informierter Aufführungspraxis mit Geschichten und Theaterelementen ist ein einzigartiges Konzept. Wie sind Sie auf dieses Konzept gekommen?

Zunächst vielen Dank. The Playhouse Sessions ist ein Projekt, das in dem früheren Projekt The Alehouse Sessions verwurzelt ist. Dieses Projekt schuf ich erstmals 2007 für ein Festival in Norwegen, wo wir ein englisches Thema hatten. Wir führten allerlei Konzerte mit dem Thema London um das Jahr 1700 auf und ich wollte etwas mit dem Ankerpunkt der britischen Gesellschaft machen, nämlich der Kneipe. Kneipen haben eine lange Geschichte und spielten sogar eine wichtige Rolle für die Musikentwicklung im 17. Jahrhundert. Während ich meine Forschung betrieb, fand ich dieses Buch The Complete Country Dance Tunes from Playford's Dancing Master (1651). Es ist ein Katalog mit nur Melodien, abgeleitet von Tänzen. Keine Arrangements oder Harmonie aufgeschrieben, einfach ein Buch voller populärer Melodien. Und weil ich einen Hintergrund in Volksmusik habe - ich spielte zum Beispiel in einer irischen Sessionband während meiner Studienzeit - schien es mir interessant, diese Tradition neues Leben einzuflößen.

Um ein Programm um dieses Konzept herum zu konstruieren, fing ich an, mehr zu lesen. Nicht nur musikalische Forschung, sondern auch historische und sozioökonomische. So las ich unter anderem The English Alehouse: A Social History, 1200-1830 von Peter Clark und zeitgenössische Zeugnisse darüber, wie die öffentlichen Theater unter der Herrschaft von Oliver Cromwell (1599-1658) schlossen. Es entstanden unglaubliche Geschichten, denn als diese Theater schlossen, wurden Musiker gezwungen, in diesen Kneipen aufzutreten, um Geld zu verdienen, um zu überleben. Kneipen wurden ein Treffpunkt für die hohe und niedere Klasse, um Musik zu hören. In dieser Umgebung waren alle gleich.

Ich wollte diese komplexe, aber interessante Geschichte der Kneipe als Hintergrundgeschichte. Es ist eine Umgebung, die dem Musikgenre, das man aufführen kann, keine Grenzen setzt. Wenn man in einer Kirche ist, muss man Musik aufführen, die mit Religion oder der Kirche selbst zu tun hat. Oder wenn man in einem Schloss auftritt, muss man vielleicht etwas machen, das in diesem Zusammenhang angemessen ist. Aber hier, in den Kneipen, stehen alle auf gleicher Footing und es gibt einen freien Raum zum Diskutieren, Reden, Trinken, Klatschen und gemeinsamen Musizieren. Alles läuft durcheinander, was eine wunderbare Kulisse für unsere informellen Experimente bildet.

Weil ich jahrelang als freischaffender Musiker in Europa tätig war, traf ich allerlei interessante Menschen in verschiedenen musikalischen Umgebungen. Was alle Musiker, mit denen ich in den Alehouse-, Playhouse- und Nordic Sessions arbeite, gemeinsam haben, ist, dass sie Interessen und Expertisen haben, die über „einfach" Instrumentalist oder Sänger sein hinausgehen. Steven Player zum Beispiel spielt Gitarre und tanzt mit uns - aber er ist auch ein großartiger Schauspieler und Geschichtenerzähler mit einem Hintergrund in Straßentheater. Tom Guthrie, einer unserer Leadsänger, ist auch Theaterregisseur. Per Buhre spielt Bratsche, singt Leadsang, macht Apfelmost und ist ein fantastischer Fotograf. Helge A. Norbakken, Percussion, ist ein erfahrener Dampflokomotivführer... es gibt unterhaltsame Fakten und wunderbare Geschichten, die mit jedem in der Band verbunden sind. Meine größte Herausforderung ist, wie ich ihnen allen die Zeit geben kann, auf der Bühne so zu glänzen, wie sie es verdienen.

Zusammen schaffen wir Workshops, bei denen wir zum Beispiel in die Berge oder den Wald gehen. Wir verbringen unsere Zeit damit, persönliche Verbindungen aufzubauen und musikalisch aufeinander zu spielen. Wir kochen zusammen, trinken zusammen, tanzen zusammen, haben Gesangsunterricht und viele kreative Workshops über Improvisation.

Es ist ein sicherer Raum mit viel kreativem Input von jedem. Wir versuchen einfach neue Dinge aus. Man lernt sich wirklich gut kennen, lernt sie privat kennen, unsere Familien lernen sich kennen und wir sind eine Familie geworden. Meine Rolle in der Band ist die des Initiators und allgemeinen künstlerischen Schöpfers, der bei jedem Konzert sagen darf, was darin ist und was heraus. Wenn wir auf Tournee sind, bringen wir unseren familienähnlichen, sicheren Raum auf die Bühnen und halten unsere musikalische Band lebendig - etwas, das bei den meisten Zuschauern auf gute Resonanz stößt.

Wann begann die Idee, dieses Programm aufzunehmen?

Ich war zunächst sehr zögerlich, The Alehouse Session aufzunehmen. Es ist wirklich eine Live-Erfahrung. Wir dachten an zwei verschiedene Konzepte. Entweder machen wir eine Live-Aufnahme, aber dann ist es die Version von The Alehouse Session. Diese Idee wurde verworfen, weil ich es lebendig halten wollte und jedes Konzert einzigartig sein sollte. Denn vor jedem Konzert treffen wir uns eine halbe Stunde vor dem Auftritt, und ich gebe den Spielern die Setlist (welche Stücke spielen und in welcher Reihenfolge), dann lasse ich alle verschiedenen Setlists, die wir auf der ganzen Welt gemacht haben, in kleine schwarze Notizbücher eintragen, damit ich, wenn wir erneut zu einer Halle eingeladen werden, verschiedene Setlists erstellen kann. So halten wir den Auftritt lebendig und frisch. Aber wir mussten eine Art Aufnahme machen, und ich beschloss, die Nummern und Arrangements auszuwählen, von denen ich dachte, dass sie am besten funktionieren würden, und ging ins Studio. Die The Alehouse Sessions Aufnahme war sehr erfolgreich mit Preisen (Opuspreis in Deutschland 2018) und verschiedenen Nominierungen sowie begeisterten Rezensionen.

Die große Frage des Publikums, unseres Plattenlabels, von Agenten und Promotern war in den letzten Jahren: Wann kommt dein nächstes Album? So habe ich angefangen, über das nachzudenken, was The Playhouse Sessions hat. Ich sehe The Alehouse als einen Raum, den ich immer wieder erneuern kann – oder einen Baum mit Ästen, die immer wieder wachsen. The Playhouse ist einer dieser Äste. Dieser Baum hatte natürlich schon ein paar Äste. Zum Beispiel haben wir eine Theaterproduktion von The Alehouse gemacht, die wir „the opera pub" nannten (für eine Gesellschaft in Dänemark); und zusammen mit einem Theaterensemble in Norwegen haben wir A midsummer night's dream gemacht, wobei wir Shakespeares Drehbuch bearbeiteten und Musik von The Alehouse, Purcell und eigene Kompositionen integrierten. So haben wir auch andere Äste mit verschiedenen Produktionen von Purcells Dido and Aeneas geschaffen. Wir haben Dido mit Puppen aufgeführt, als Ballettproduktion (Norwegisches Nationalballett), usw. All diese verschiedenen Projekte haben gemeinsam, dass wir Musiker auf der Bühne stehen und in Rollen aktiv zur Handlung jeder Geschichte beitragen, und nicht im traditionellen Orchestergraben sitzen.

Mit dieser Aufnahme haben wir also einen anderen Ast geschaffen. Anstatt das offensichtliche The Alehouse Session 2 daraus zu machen, wollten wir auch Elemente aller anderen Projekte integrieren, die wir in den letzten Jahren gemacht haben. Darüber hinaus wollten wir unsere Liebe zu Purcell betonen. Er ist wie der Shakespeare der Musik, wo er Musik aus den höheren und niederen Klassen der Gesellschaft kombiniert. Nach meiner Meinung wird Purcell oft zu ernst genommen, manche Menschen versuchen, ihn wie Händel oder Bach klingen zu lassen, deshalb wollten wir uns in seine verspielte und folkige Seite vertiefen. Diese drei Elemente – zusätzliches Alehouse Material, eigene Kompositionen aus unseren Theaterdrama und die Musik von Purcell – kamen alle auf diesem Album zusammen.

Mit all diesen verschiedenen Elementen, wie hast du die Reihenfolge dieses Programms aufgebaut?

Das war meine nächste Herausforderung: eine Reihenfolge zum Abspielen zu finden. Anstatt die verschiedenen musikalischen Quellen abzuwechseln, beschloss ich, eine musikalische Reise zu machen. Es ist eine Art abstraktere Version von A midsummer night's dream / Fairy Queen, in der du die Königin der Feen, Titania, triffst, du begegnest ihr Feendienerinnen, wenn sie sie in den Schlaf singen, ihren Traum, und das Album endet mit dem Schlussmonolog von Puck. Ohne zu sehr in-your-face zu sein, habe ich versucht, diese Geschichte zu schaffen. Wie eine Art innere Erzählung.

Du hast auch einige eigene Kompositionen integriert. Waren dies Stücke, die du speziell schriebst, um eine Linie in der Geschichte fortzusetzen, oder waren dies Stücke, die du früher komponiert hast und die du für passend zur Geschichte hieltest?

Sie wurden speziell für dieses Album geschrieben. Ich habe Ideen aus früheren Produktionen verwendet. Wie aus der Theaterproduktion von A midsummer night's dream. Zum Beispiel, You Spotted Snakes; Hush No More [track 08] ist eine Kombination von „You spotted snakes", wo die Feen für Titania singen, dass wenn sie einschläft, übergeht in „Hush no more", wo wir alle singen.

Das ist etwas anderes, was wir für dieses Album gemacht haben. Ich wollte keinen professionellen Chor anheuern, um diese Stücke zu singen. Ich wollte, dass wir es singen, denn das ist, was wir live machen. Und da werden wir immer besser drin. (lacht)

Du hast über Live versus Studio gesprochen. Wie hat die Veränderung der Umgebung dein Musizieren beeinflusst? Oder hast du etwas Musik angepasst?

Die Live-Version und die aufgenommene Version repräsentieren beide dasselbe: wer wir sind, was wir sagen und wie wir gehört werden möchten. Aber man kann die Musik nicht auf die gleiche Weise angehen. Wenn wir live spielen, kann alles Mögliche passieren. Je nach Setting und Stimmung können wir lange Improvisationen machen. Oder wenn jemand einen Fehler macht, lachen wir darüber auf der Bühne. Plus wir haben eine Choreographie, wie wir uns bewegen und so weiter. Das sind Elemente, die für ein Publikum sehr sinnvoll sind zum Anschauen, aber die auf einer Aufnahme keinen Platz haben.

Gleichzeitig versuchen wir für diese Aufnahmen die Essenz und den authentischsten Aspekt der Melodie zu finden. Das Ziel ist, aufgenommene Tracks zu präsentieren, die so interessant sind, dass Menschen sie wiederholt anhören werden. Dafür müssen wir vielleicht auf ein oder zwei wichtige Merkmale hinzoomen. Wie ist das Schlagzeug in diesem?; was wenn wir uns auf die Rhythmen konzentrieren, die eigentümlich sind?; lassen wir diese Wiederholung aus und machen es mehr verdichtet.... Diese Art von Anpassungen wurden während des Aufnahmeprozesses überlegt.

Das Album ist jetzt auf CD und bald auch auf Vinyl erhältlich. Aber ich schaue, ob ich daraus eine Dolby Atmos-Version machen kann, um das Gefühl des auditiven Raums, den ein Live-Auftritt bietet, zu recreieren. Die Arrangements unserer Musik können ziemlich dicht sein, mit vielen verschiedenen Instrumenten, die relativ einfache Melodien spielen. Mit dieser Technologie kann man mehr Raum in die Musik schaffen, indem man zum Beispiel die Instrumente digital im Raum verteilt, wodurch eine immersive Klangerfahrung zu Hause oder in den Kopfhörern der Menschen entsteht.

Bei Klassiek Centraal haben wir eine Playlist namens Selectie van de redactie, in der wir für unsere Leser Tracks aus besprochenen CDs zusammenstellen. Jedes Mal wählen wir nur einen Track. Also meine letzte Frage an Sie: wenn Sie einen Track auswählen müssten, um ihn zu dieser Playlist hinzuzufügen, welchen Track würden Sie dann wählen und warum?

Oh, das ist sehr schwierig. Besonders wenn man schon so lange mit einem Programm arbeitet. Ich fange schon an, es leid zu sein. Nein, Spaß. (lacht) Nein, das ist schwierig, weil ich finde, dass es repräsentativ für das Projekt sein sollte. Es könnte The Three Ravens [track 06] sein, weil es eine alte, traditionelle englische Melodie ist mit einer unserer charakteristischen Arrangements. Plus es hat Per Buhre als Leadsänger, der auch der Leadsänger für The Nordic Sessions in Hasselt sein wird. Oder sonst You Spotted Snakes; Hush No More [track 08], weil es die theatrale Flair hat. Plus es schlägt die Verbindung zu Shakespeare und Purcell. Es hat diesen schönen Flow von einer abstrakteren Einleitung in „You Spotted Snakes" und geht dann über in den verlockenden Refrain von „Hush No More".

Am 26. Oktober spielst du The Nordic Sessions im Kulturforum Hasselt. Ich konnte keine Informationen über dieses Programm finden. Stimmt es, dass es eine Version von Alehouse ist, aber mit norwegischen Melodien? Was können wir während des Auftritts erwarten?

The Nordic Sessions ist ein anderer Zweig des Alehouse-Booms. Ein ziemlich neuer, eigentlich. Deshalb ist noch nicht viel Information aufgeschrieben. Offiziell haben wir es nur ein oder zwei Mal gespielt.

Es hat die Alehouse-Elemente in sich. Das heißt, es sind einige der gleichen Spieler, aber der Fokus liegt auf der skandinavischen Szene und Melodien aus dem 17. und 18. Jahrhundert. Wenn man ein skandinavisches Volksprogramm in einem historischen Kontext macht, muss der Konflikt zwischen Land- und Stadtmusik zur Sprache kommen. In den Städten hast du die Bourgeoisie, die gute, deutsche Musik hört. Es ist sehr schick und verfeinert. Andererseits hast du Musik vom Land, wo sie Instrumente wie die Hardangervedel spielen. Also, neben meiner normalen Violine, werde ich dieses achtsaitige Instrument in The Nordic Sessions spielen. Die Melodien werden eine Mischung sein zwischen alten, ländlichen Melodien und diesen Stadtmelodien. Einige der Texte und Geschichten, die wir verwenden, sind vom schwedischen Dichter Carl Michael Bellman (1740-1795), der unglaublich lustige Texte über Betrunkensein schrieb. Seine Texte werden mit Geschichten aus Norwegen, Dänemark und Schweden kombiniert. Es wird also viel gesungen und getanzt werden - wahrscheinlich auch ein bisschen getrunken - und das alles mit einem Fokus auf die skandinavische Szene.

Video von The Nordic sessions, mit Bellmann

• WER: Barokksolistene unter Leitung von Bjarte Eike
• WAS: The Playhouse Sessions
• AUSGABE: RUBICON RCD1096
• BESTELLEN: JPC

The Nordic Sessions in Hasselt

• WANN: 26. Oktober 2022
• WO: Kulturforum Hasselt

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