Wenn Stangen Porree zum Einsatz kommen, um einen Tanz aufzuführen, wissen wir, dass es um nichts anderes als zeitgenössische klassische Musik gehen kann. Fügt man dazu Videotechnologie, künstliche Intelligenz, alternative Instrumentierung, Minimalismus und eine Prise Geschlechtsproblematik hinzu, zeichnen sich die Konturen neuer klassischer Musik deutlich ab. Ein Überblick über ein Transit-Wochenende in Leuven, wo Zuhörer auch Zuschauer wurden.
Der deutsche Komponist Michael Beil überraschte mit seiner malerischen Komposition Hide to Show, in der ein Märchen über die paradoxalen Wurzeln der Einsamkeit erzählt wird – Kommunikationstechnologie und soziale Medien. Beils Kompositionstechnik hält sich fern von musikalischer Entwicklung. Seine Struktur besteht aus dem Durchscrollen durch eine nervöse Abfolge von Szenen und aus Memes, die sich ständig wiederholen, reformulieren, variieren, zirkulieren und mutieren. Ein Glücksfund ist die Inszenierung. Acht Musiker (vom Nadar Ensemble) sind auf eine Reihe von sechs verblindeten (Umkleide)boxen verteilt. Wenn die Jalousien offen sind, sehen die Zuschauer, wie sie spielen – jeder für sich, aber dennoch gibt es Zusammenklang. Und sie tanzen, verkleiden sich, drehen durch, erstarren. Wenn die Jalousien geschlossen sind, dienen diese als Projektionsflächen für Aufnahmen, die von zwei (Live)Videokameras gemacht wurden. Und manchmal sind die Jalousien nur halb geschlossen, sodass Realität und Virtualität sich miteinander vermischen. Das Ergebnis heißt Hyperrealität. Die Kernfrage ist, was verborgen ist und was nicht. Diese ständige Verwirrung ist in perfekter Übereinstimmung mit der Kommunikation in sozialen Medien, bei der es auch oft unklar ist, mit wem oder was man es zu tun hat.
Der Reichtum von Beils Komposition liegt in einer farbenfrohen märchenhaften Kreuzbestäubung von Video und Musik. Das bedeutet, dass Zuhörer auch Zuschauer sind. Die Musik ist sowohl akustisch als auch elektronisch und auf Tonband, alles mit einer luftigen Textur, unter japanischen, russischen, amerikanischen und europäischen Einflüssen. Auch macht er funktionale Witze wie das Tanzen mit Stangen frischen Porrees. Die Kostüme sind mit kindlichen Mustern in grellen Farben versehen. Die Perücken sind blond oder türkis. Manchmal tragen alle Musiker eine Brille, manchmal nicht. Es ist ein Verkleidungsspiel, bei dem Erwachsene mit Begeisterung in ihre Kindheit zurückhüpfen. Die Atmosphäre ist meist verspielt, manchmal clubig oder hip, dann wieder herausfordernd und sehnsüchtig wie in einem midsummer nights dream. Nadar Ensemble, für das Beil dieses Stück geschrieben hat, und Hide to Show scheinen zwei Hände auf einem Bauch zu sein. Sie fühlen sich gegenseitig perfekt an. Dass eine Kombination aus Musik, Bewegung, Mimik und Gestik fast natürlich zu funktionieren scheint, kommt nicht oft vor. Das kann nur nach einem intensiven Probentraject entstehen, der dazu führt, dass auswendig gespielt wird, wie Nadar zeigte. Es war ein überzeugender Concert, das Perspektiven für die weitere Entwicklung eines neuen Musikstils bietet, in dem Video und Technologie konkrete und ausgewogene Mehrwerte bieten. Dass diese Kombination einen Bedarf erfüllen kann, zeigte sich auch durch die Anwesenheit von Familien mit Kindern. Es gab sogar Kindergruppen, die nach dem Concert auf einem windigen Innenhof ein paar der Tänze ausprobierten. Es gibt also Hoffnung.
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© Evy Ottermans[/caption]
Aber der Erfolg von Hide to Show bedeutet nicht, dass die Verwendung von festen strukturierenden Elementen ihre beste Zeit hinter sich hat. Uralt und immer wieder jung sind die Versuche, Musik in mathematischen Modellen zu erfassen. Seit Aristoteles die Grundlagen der Harmonielehre mit seiner Theorie der Planetensphären gelegt hat, hat das Verlangen nach Systematik uns nie mehr losgelassen. Der amerikanische Komponist Tom Johnson (°1939) beschäftigt sich seit Jahren mit mathematischen Blockdesigns, in denen das Zählen zentral ist. Pianist Daan Vandewalle spielte seine Komposition Solutions (9, 3, 2), eine Weltpremiere. Johnson trennt hier 36 Systeme von neun Noten auseinander und setzt sie wieder zusammen, allerdings mit Variationen wie fallende Sequenzen, offene und geschlossene Akkorde, nackte Melodielinien, Reduktion von Noten, sehr langsame bis etwas schnellere Tempi, lange und kurze Pausen, lauter und leiser, fugenhaft, spitz, gebunden oder knochentrocken. Vandewalle ist ein Meister der Nuance. Je mehr das Tempo sinkt und je weniger Noten gespielt werden, desto mehr wird eine Unebenheit im Anschlag oder eine Mikrosekunde zu lange Pause auditiv erbarmungslos bestraft. Trotz dieser Risiken ließ sich Vandewalle nicht erwischen, es klang zumindest nicht mathematisch – zum Glück.
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© Evy Ottermans[/caption]
Auf instrumentalem Gebiet brachte der niederländische Blechbläser Marco Blaauw eine erfrischende Erneuerung. In der Komposition O.M. Rising der britischen Komponistin/Cellistin/Aktivistin Ayanna Witter Johnson verwendete er eine leuchtend rote pocket trumpet mit einem passenden Taschenmegafon, um sowohl zu dämpfen als auch zu verstärken. Ein prägnantes Stück, in dem eine einzelne Stimme gegen rassische und Geschlechtsungleichheit spricht – nüchtern, provokativ und dadurch wirksam. Geschlechterfragen kamen auch in der Uraufführung von Counterforces des flämischen Komponisten Frederik Croene zur Sprache. Zu einem Text von Dominique De Groen sangen Amina Osmanu, Lore Binon und IKRAAAN über die irdische und soziale Kraft von Frauen, gespiegelt an der fragwürdigen Rolle, die der Mann bei Veränderungen in der Welt gespielt hat. Der Hintergrund wurde durch repetitive Interventionen des Komponisten Frederik Croene am Klavier und mit Band (monotone Motorräder und Schleifscheiben) geschaffen. Auf instrumentaler Ebene geschah in Counterforces nicht viel. Das ist auch nicht nötig, zumal das Stück vom Text getragen wird. Aber das Verhältnis zwischen den gesungenen und instrumentalen Teilen war größtenteils aus dem Gleichgewicht geraten, wodurch viel vom Text verloren ging. Außerdem gab es keine Übertitel.
Eine andere Linie ist die Fortsetzung der Rehabilitierung der tonalen Schreibweise. Auf Transit gab es zwei Beispiele junger Komponisten, die in (erweiterter) Tonalität schreiben. Seit mehreren Jahren ist Tonalität kein Tabu mehr. Die Zeit, in der sich ein Kompositionsstudent nicht auf die Straße traute, weil er an einem tonalen Stück arbeitete, liegt mindestens ein Jahrzehnt hinter uns. Ensemble Klang, ein Sextett von Musikern, das ohne Dirigent spielt, wagte sich an zwei neue Stücke von Maya Verlaak und Jesse Broekman. Von Verlaak wurde Conditions aufgeführt, eine Komposition schwebender Harmonien, wobei die Musiker über die Enden des Saals verteilt waren. Dies verschob die Perspektive vom traditionellen statischen Einbahnverkehr von der Bühne zu einem räumlichen Erlebnis, vergleichbar mit einer Reise durch den Kosmos. Mit diesem Stück scheint Verlaak einen neuen Weg eingeschlagen zu haben. Sie ist für verspielte Kompositionen bekannt, in denen Technologie und auditive Humor eine Hauptrolle spielen. Mit Conditions fügt sie nun ein kontemplatives Element zu ihrem Werk hinzu.
Klang spielte auch will it be like this for a long time, you asked, eine bemerkenswerte Schöpfung von Jesse Broekman. In diesem meditativen Stück spielte Schlagzeuger Joey Marijs die Hauptrolle. Mit seiner zarten Behandlung speziell gesägter Aluminiumplatten brachte er eine stille Kraft asiatischer Düfte und Texturen in den Saal. Manchmal klangen seine Platten wie ein Gamelan, dann wieder wie Glocken. Pianistin Saskia Lankhoorn bezog sich mit ihrem prepared piano auf John Cage, der um 1940 viel dieses Genres geschrieben hat. Sie streichelte die zwischen den Saiten angebrachten Räucherstäbchen so fließend, dass es einer Drone nahekam. Verlaak und Broekman haben mit ihren neuen Kompositionen eine tonale Sprache gefunden, die sich, wie sich zeigte, via Saxophonen und elektrischer Gitarre in einer nicht-klassischen Besetzung gut zu Hause fühlt.
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Dass Zuhörer bei viel neuer Musik eine Doppelrolle als Zuschauer annehmen müssen, zeigte sich in der Komposition Non sono Dei quelli fatti con le mani für sechs Stimmen und sechs Musiker des italienischen Duos Mauro Lanza und Claudio Panariello. Es gab viel zu sehen bei der Aufführung von Spectra Ensemble und HYOID Voices. Nach einem langen einleitenden Drones-Gewebe erweisen sich die Sänger als vielseitig einsetzbar, indem sie mit Flaschenöffnungen pfeifen, Blockflöte spielen und Mundharmonikas einsetzen. Der Titel ("Diejenigen, die mit Händen gemacht sind, sind keine Götter") verweist auf Kunstwerke, die durch künstliche Intelligenz – also nicht durch Menschenhände – entstanden sind. In dieser Komposition wurden Passagen aus einer der ikonischen Messen von Guillaume Dufay (1397-1474) verwendet, von denen zehn verschiedene Versionen verwendet wurden, um Algorithmen zu erstellen, die neues Material lieferten. All dies führte zu einer solide konstruierten vokalen und musikalischen Geschichte, unter der ein virtuos geknoteter Teppich von KI-Kunst lag.
Disiecta Membra ("zerstreute Glieder") von Mauro Lanza für sechs Stimmen verweist durch Zitate auf den Katalog von Gliedern in den sieben Kantaten von Dietrich Buxtehude (1637-1705), wird aber nun mit einer Parodie auf die Schlachtung eines Schweins verbunden. Auch hier färbten die Sänger regelmäßig außerhalb der Linien: Ein Gewebe von Vokalen wechselte mit Stößen in der Mundharmonika oder mit dem Quietschen eines Kunststoff-Spielzeugschweins ab. Gepfiffene Melodien versetzten den Zuschauer in die Routine des Schlachthauses. Die weiten und eleganten Armbewegungen von Dirigentin Filip Rathé und die ausdrucksstarke Art, wie die Sänger die Seiten ihrer Partituren umblätterten, machten das Schauspiel komplett.
WAS: Transit – open mind, open ears WO: STUK, Leuven GESEHEN: 20.-22. Oktober 2023