Isle of Sky

Angelo Gilardino (1941-2022) wird allgemein als einer der wichtigsten Komponisten für Gitarre betrachtet. Trotz eines umfangreichen Werks mit Solo-, Kammer- und Orchesterwerken bildet dieses Duo für Cello und Gitarre ein wahres Unikum in seinem Katalog. Die Zuschreibung dieser Besonderheit auf bloßen Zufall erscheint mir oberflächlich (Gilardino kann während seiner Karriere sicherlich keinen Mangel an Kontakt mit fähigen Cellisten gehabt haben), ebenso ist es irreführend, sie als eine Art Zurückhaltung zu erklären, die durch die inhärente Schwierigkeit der Kombination oder durch eine vermeintliche Distanz zur poetischen Welt des Cellos bedingt ist. Das Gegenteil wird dadurch bewiesen, dass das Cello in zwei anderen Werken vorkommt: das Doppelkonzert aus 2004, Star of the Morning, und das Quartett für Flöte, Klarinette, Cello und Gitarre (2010). Ich bin daher der Meinung, dass die Gründe für diese späte Reduktion des Dialogs auf die wesentlichsten Elemente in biografischen Umständen gesucht werden müssen. Es ist sicherlich kein Zufall, dass das einzige Instrument, das Gilardino neben der Gitarre systematisch studierte, genau das Cello war. Er hatte dadurch eine besondere Bindung an die Idiomatik und den Klang des Instruments; und die Kombination der beiden Instrumente kann kaum anders interpretiert werden als ein Konflikt innerhalb seiner eigenen poetischen Sensibilität. Dies führt zu einem Werk, das er selbst als „zweiseitig" beschrieb und das das Thema der Zerrissenheit sogar im Titel trägt: Lieder in der Dämmerung. Hier erfüllt die Gitarre ihre Rolle als ein suggestives, rätselhaftes, schattenreiches Instrument. Das Cello bildet den komplementären Pol: eine Stimme, die danach verlangt, in den Vordergrund zu treten, die gerne laut und dramatisch klingen würde, aber die in dieser spezifischen Kombination – in den Worten des Komponisten selbst – in der Dämmerung bleiben muss. Der zweiteilige Charakter des Werks spiegelt sich auch in der musikalischen Sprache wider: wir befinden uns zwischen dem Chromatismus des frühen Gilardino und der neueren Dominanz modaler und diatonischer Kompositionen. Der erste Teil ist vollständig um eine viertönige Zelle aufgebaut, gespielt von der Gitarre innerhalb eines unfassbaren, desorientierenden Kontrapunkts. Aus diesem Thema schöpft das Cello wiederholt Impulse zur melodischen Entwicklung, die unvollständig bleibt, und erreicht neue Konsonanzgebiete, von denen sich die Gitarre abwendet, arpeggiiert und Fragmente anbietet. Diese bilden kein echtes zweites Thema, sondern eher eine Erwartung einer erneuerten Überlegung des ursprünglichen Motivs. Der zweite Teil ist lyrischer Natur und hat eine A-B-A-Form. Die Eröffnung verstärkt die mehrdeutige, suggestive Qualität der Gitarre, indem sie ein Motivfragment präsentiert, das aus einer aufsteigenden Triole ohne Endpunkt besteht, schwebend in seinem aufrauschenden Höhepunkt. Das Cello kommt dann mit größerer Bestimmtheit herein, übernimmt diese rätselhafte Zelle und repositioniert sie innerhalb des Takts, so dass immer wieder ein stabilisierender Endpunkt entsteht – bis das Cello diesen allmählich auslöscht und seine eigene natürliche Gesangsneigung die Oberhand gewinnt. Es folgt der B-Teil – „leicht und flüchtig" – von deutlich anderem Charakter. Von dem Cello eingeleitet, ist er vollständig aus wiederholten Noten aufgebaut, wobei das melodische Element als Figuren geformt wird, die wie Mosaiksteine zum Vorschein kommen. Die Gitarre fügt sich schnell in einen imitativen Dialog ein und präsentiert wiederum nachdrücklich eine ungelöste aufsteigende Bewegung am Ende des Takts. Nach Erreichen des Höhepunkts führt eine allmähliche Verlangsamung zurück zur ersten Episode, „langsam". Der dritte Teil hat eine verschachtelte Struktur. Oberflächlich betrachtet nimmt er wiederum die Form eines A-B-A an, aber der B-Teil ist seinerseits in drei Teile gegliedert, B′-C-B′, wobei C eine Entwicklung von A darstellt. Es ist eine geschickte formale Variation auf den zwei Kernen, die das Werk bisher durchdrungen haben: einerseits die fragmentarische Gitarrenpartie, die den Anfangsteil durchdringt, gegen die das Cello zwischen Pizzicato und Staccato oszilliert; andererseits die Beredsamkeit des Gesangs, der hier – wenn auch kurzzeitig – seine größte Expansion in den zwei B′-Teilen erreicht. Der vierte Teil, in dem das diatonische Element vorherrscht, kann mit Gilardinos reicher Ader von „wässriger" Musik assoziiert werden, und insbesondere mit einem Regen von Manzonieschem Klang, der die Konflikte heilt, die das Diskurs bisher gekennzeichnet haben. Das zentrale lyrische Element bietet ebenfalls eine Form der Auflösung, indem es die Triole aus dem zweiten Teil aufgreift: hier wird sie zu einer fallenden Linie umgekehrt und fest auf der ersten Zählzeit des nächsten Takts verankert. Cello und Gitarre verabschieden sich vom Hörer mit einem unhurried Lied, das sich über eine Landschaft entfaltet, die von einem feinen, reinigenden Regen berührt wird.