Bjarte Eike : la synergie entre le baroque et la musique folk

Le violoniste baroque Bjarte Eike repousse les limites de la musique classique, cherchant constamment de nouveaux projets dans le domaine frontalier des genres et touchant un nouveau public avec son jeu et son style communicatifs. En tant que directeur artistique de Barokksolistene, il a créé de nouveaux concepts innovants comme The Alehouse Sessions ; l'exploration de la musique du 17e siècle dans les pubs et les tavernes anglaises. Ces sessions ont été arrangées en album The Playhouse Sessions. Et plus tard ce mois-ci, Eike et Barokksolistene se rendront à Hasselt où ils joueront une adaptation du programme intitulée The Nordic Sessions.

La combinaison d'une pratique d'interprétation historiquement informée avec des histoires et des éléments théâtraux est un concept unique. Comment êtes-vous venu à ce concept ?

D'abord, merci. The Playhouse Sessions est un projet qui a ses racines dans le projet précédent The Alehouse Sessions. J'ai créé ce projet pour la première fois en 2007 pour un festival en Norvège où nous avions un thème anglais. Nous avons donné toutes sortes de concerts autour de Londres vers 1700, et je voulais faire quelque chose autour du point d'ancrage de la société britannique, à savoir le pub. Les pubs ont une longue histoire et ont même joué un rôle important dans le développement musical du 17e siècle. Lors de mes recherches, j'ai trouvé ce livre The Complete Country Dance Tunes from Playford's Dancing Master (1651). C'est un catalogue contenant uniquement des mélodies, dérivées de danses. Pas d'arrangements ou d'harmonies écrits, juste un livre rempli de mélodies populaires. Et comme j'ai une formation en musique traditionnelle - j'ai par exemple joué dans un groupe de session irlandais quand j'étudiais - il m'a semblé intéressant de donner une nouvelle vie à cette tradition.

Pour construire un programme autour de ce concept, j'ai commencé à lire davantage. Non seulement des recherches musicales, mais aussi historiques et socio-économiques. Notamment, j'ai lu The English Alehouse: A Social History, 1200-1830 de Peter Clark et des témoignages contemporains sur la fermeture des théâtres publics sous le régime d'Oliver Cromwell (1599-1658). Des histoires incroyables ont émergé, car lorsque ces théâtres ont fermé, les musiciens ont été contraints de se produire dans ces pubs pour gagner de l'argent et survivre. Les pubs sont devenus un point de rencontre pour les classes hautes et basses pour écouter de la musique. Dans cet environnement, tout le monde était égal.

Je voulais cette histoire complexe mais intéressante du pub comme histoire de fond. C'est un environnement qui ne pose pas de limites au type de musique que vous pouvez jouer. Si vous êtes dans une église, vous devez jouer une musique qui a un lien avec la religion ou l'église elle-même. Ou si vous vous produisez dans un château, vous devez peut-être faire quelque chose qui convient à ce contexte. Mais ici, dans les pubs, tout le monde est sur un pied d'égalité et il y a un espace libre pour discuter, parler, boire, cancaner et faire de la musique ensemble. Tout se mélange, ce qui crée un merveilleux décor pour nos expériences informelles.

Parce que j'ai travaillé pendant de nombreuses années en tant que musicien indépendant en Europe, j'ai rencontré toutes sortes de personnes intéressantes dans différents environnements musicaux. Ce que tous les musiciens avec lesquels je travaille dans les Alehouse, Playhouse et Nordic Sessions ont en commun, c'est qu'ils ont des intérêts et des expertises qui vont au-delà d'être « simplement » un instrumentiste ou un chanteur. Steven Player, par exemple, joue de la guitare et danse avec nous - mais c'est aussi un merveilleux acteur et conteur, avec une formation en théâtre de rue. Tom Guthrie, l'un de nos chanteurs principaux, est aussi metteur en scène. Per Buhre joue de l'alto, chante en tête, fabrique du cidre de pomme et est un photographe fantastique. Helge A. Norbakken, percussions, est un mécanicien de locomotive à vapeur chevronné... il y a des faits amusants et de belles histoires associés à chacun du groupe. Mon plus grand défi est de trouver comment leur donner à tous le temps de briller sur scène comme ils le méritent.

Ensemble, nous créons des ateliers où nous allons par exemple à la montagne ou en forêt. Nous passons notre temps à renforcer les connexions personnelles et à jouer musicalement les uns avec les autres. Nous cuisinons ensemble, buvons ensemble, dansons ensemble, avons des cours de chant et de nombreux ateliers créatifs sur l'improvisation.

C'est un environnement sûr avec beaucoup d'apports créatifs de la part de chacun. Nous essayons simplement de nouvelles choses. Vous apprenez vraiment à vous connaître, à vous connaître en privé, nos familles se connaissent et nous sommes devenus une famille. Mon rôle dans le groupe est celui d'initiateur et de créateur artistique général, qui à chaque concert peut dire ce qui y entre et ce qui en sort. Quand nous sommes en tournée, nous apportons notre espace sûr et familial sur les podiums, et gardons notre lien musical vivant - quelque chose qui plaît à la plupart des spectateurs.

Quand l'idée a-t-elle commencé à germer pour enregistrer ce programme ?

J'étais d'abord très réticent à enregistrer The Alehouse Session. C'est vraiment une expérience en direct. Nous avons pensé à deux concepts différents. Soit nous faisons un enregistrement en direct, mais alors ce sera la version de The Alehouse Session. Cette idée a été écartée parce que je voulais le garder vivant et chaque concert unique. En effet, pour chaque concert, nous nous réunissons une demi-heure avant la performance et je donne aux musiciens la setlist (quels morceaux jouer et dans quel ordre), puis je fais noter toutes les différentes setlists que nous avons faites partout dans le monde dans de petits carnets noirs, afin que, si nous sommes réinvités dans une salle, je puisse créer différentes setlists. Ainsi, nous gardons la performance vivante et fraîche. Mais nous devions faire une sorte d'enregistrement, et j'ai décidé de choisir les morceaux et les arrangements que je pensais fonctionner au mieux, et je suis allé au studio. L'enregistrement de The Alehouse Sessions a été très réussi avec des prix (prix Opus en Allemagne 2018) et diverses nominations et critiques élogieuses.

La grande question du public, de notre maison de disques, des agents et des promoteurs au cours des dernières années était : quand sort ton prochain album ? C'est ainsi que j'ai commencé à réfléchir à ce que The Playhouse Sessions apporte. Je vois The Alehouse comme un espace que je peux constamment rénover - ou un arbre avec des branches qui poussent continuellement. The Playhouse est l'une de ces branches. Cet arbre avait bien sûr déjà quelques branches. Nous avons par exemple réalisé une production théâtrale de The Alehouse, que nous avons appelée « the opera pub » (pour une compagnie au Danemark) ; et avec une compagnie de théâtre en Norvège, nous avons fait A midsummer night's dream où nous avons adapté le script de Shakespeare et intégré de la musique de The Alehouse, de Purcell et de nos propres compositions. De même, nous avons créé d'autres branches avec différentes productions de Dido and Aeneas de Purcell. Nous avons joué Dido avec des marionnettes, en tant que production de ballet (Ballet National Norvégien), etc. Tous ces différents projets ont en commun que nous, musiciens, nous tenons sur la scène et jouons des rôles, contribuons activement à l'action de chaque histoire, et ne nous asseyons pas dans la fosse d'orchestre traditionnelle.

Avec cet enregistrement, nous avons donc créé une autre branche. Au lieu d'en faire le The Alehouse Session 2 évident, nous voulions aussi intégrer des éléments de tous les autres projets que nous avons réalisés au cours des dernières années. De plus, nous voulions souligner notre amour pour Purcell. Il est comme le Shakespeare de la musique où il combine la musique des classes hautes et basses de la société. À mon avis, Purcell est souvent pris trop au sérieux, certaines personnes essaient de le faire sonner plus comme Händel ou Bach, donc nous voulions nous immerger dans son côté ludique et folklorique. Ces trois éléments - du matériel supplémentaire Alehouse, des compositions personnelles de nos drames théâtraux et la musique de Purcell - se sont tous réunis sur cet album.

Avec tous ces différents éléments, comment as-tu construit l'ordre de ce programme ?

C'était mon prochain défi : trouver un ordre pour les jouer. Au lieu d'alterner les différentes sources musicales, j'ai décidé de créer un voyage musical unique. C'est une sorte de version plus abstraite de A midsummer night's dream / Fairy Queen où tu rencontres la reine des fées, Titania, tu rencontres ses servantes féeriques, quand elles la chantent pour l'endormir, son rêve, et l'album se termine par le monologue final de Puck. Sans être trop in-your-face, j'ai essayé de créer cette ligne narrative. Comme une sorte de narration intérieure.

Tu as aussi intégré quelques compositions personnelles. S'agissait-il de morceaux que tu as écrit spécifiquement pour poursuivre une ligne dans l'histoire ou de morceaux que tu avais composés auparavant et que tu as trouvé adaptés à la ligne narrative ?

Ils ont été écrits spécifiquement pour cet album. J'ai utilisé des idées de productions antérieures. Comme celle de la production théâtrale de A midsummer night's dream. Par exemple, You Spotted Snakes; Hush No More [track 08] est une combinaison de « You spotted snakes » où les fées chantent pour Titania que quand elle s'endort, se transforme en « Hush no more » où nous chantons tous ensemble.

C'est quelque chose d'autre que nous avons fait pour cet album. Je ne voulais pas embaucher un chœur professionnel pour chanter ces morceaux. Je voulais que nous le chantions, parce que c'est ce que nous faisons en direct. Et nous nous améliorons constamment. (rire)

Tu as parlé de direct versus studio. Comment le changement de cadre a-t-il influencé ta façon de jouer la musique ? Ou as-tu adapté certaines musiques ?

La version live et la version enregistrée représentent toutes les deux la même chose : qui nous sommes, ce que nous disons et comment nous voulons être écoutés. Mais tu ne peux pas aborder la musique de la même manière. Quand nous jouons en direct, n'importe quoi peut se produire. Selon la configuration et l'ambiance, nous pouvons faire de longues improvisations. Ou quand quelqu'un fait une erreur, nous en rions sur scène. De plus, nous avons une chorégraphie sur la façon dont nous nous déplaçons et ainsi de suite. Ce sont des éléments qui sont très significatifs à regarder pour un public, mais qui n'ont pas leur place dans un enregistrement.

En même temps, pour ces enregistrements, nous essayons de trouver l'essence et l'aspect le plus authentique de la mélodie. L'objectif est de présenter des pistes enregistrées qui sont tellement intéressantes que les gens y reviendront à plusieurs reprises. Pour cela, nous devons peut-être nous concentrer sur une ou deux caractéristiques importantes. Comment est la section de percussion dans celle-ci ? ; et si nous nous concentrions sur les rythmes qui sont singuliers ? ; laissons cette répétition de côté et rendons-la plus condensée.... Ce genre d'ajustements ont été pensés pendant le processus d'enregistrement.

L'album est maintenant sorti en CD et bientôt aussi en vinyle. Mais je vois si je peux en faire une version Dolby Atmos pour recréer le sentiment de l'espace auditif qu'une performance en direct offre. Les arrangements de notre musique peuvent être assez denses, avec beaucoup d'instruments différents qui jouent des petits airs relativement simples. Avec cette technologie, tu peux créer plus d'espace dans la musique en dispersant par exemple les instruments numériquement à travers la pièce, ce qui crée une expérience sonore immersive chez les gens ou dans leurs écouteurs.

Chez Klassiek Centraal, nous avons une playlist appelée Sélection de la rédaction dans laquelle nous rassemblons pour nos lecteurs des pistes de CD discutés. À chaque fois, nous ne choisissons qu'une seule piste. Donc ma dernière question pour vous : si vous deviez choisir une seule piste à ajouter à cette playlist, quel numéro choisiriez-vous et pourquoi ?

Oh, c'est très difficile. Surtout quand tu travailles avec un programme depuis si longtemps. Je commence à en avoir marre. Non, c'est une blague. (rire) Non, c'est difficile parce que je trouve que ce doit être représentatif du projet. Ce pourrait être The Three Ravens [piste 06], parce que c'est un ancien air traditionnel anglais avec l'un de nos arrangements caractéristiques. De plus, il a Per Buhre comme chanteur principal qui sera aussi le chanteur principal pour The Nordic Sessions à Hasselt. Ou sinon You Spotted Snakes; Hush No More [piste 08] parce que c'est celui qui a la flair théâtrale. De plus, il établit le lien avec Shakespeare et Purcell. Il a ce beau flow d'une intro plus abstraite dans « You Spotted Snakes », et passe ensuite au refrain séduisant de « Hush No More ».

Le 26 octobre, tu joues The Nordic Sessions au centre culturel Hasselt. Je n'ai pas pu trouver d'informations sur ce programme. Est-ce exact que c'est une version de Alehouse, mais avec des mélodies norvégiennes ? Qu'est-ce que nous pouvons attendre du spectacle ?

The Nordic Sessions est une autre branche du boom Alehouse. Une branche assez nouvelle, en fait. C'est pourquoi il n'y a pas encore beaucoup d'informations écrites à ce sujet. Officiellement, nous ne l'avons joué qu'une ou deux fois.

C'est un programme qui contient les éléments Alehouse. C'est-à-dire que ce sont certains des mêmes musiciens, mais l'accent est mis sur la scène scandinave et les mélodies des 17e et 18e siècles. Quand tu crées un programme de musique folklorique scandinave dans un contexte historique, tu dois aborder le conflit entre la musique rurale et urbaine. Dans les villes, tu as la bourgeoisie qui écoute de la bonne musique allemande. C'est très chic et raffiné. D'un autre côté, tu as la musique rurale où ils jouent des instruments comme la Hardangervedel. Donc, en plus de mon violon normal, j'utiliserai cet instrument à huit cordes dans The Nordic Sessions. Les mélodies seront un mélange de vieilles mélodies rurales et de ces mélodies urbaines. Certains des textes et des histoires que nous utilisons proviennent du poète suédois Carl Michael Bellman (1740-1795) qui a écrit des textes incroyablement amusants sur l'ivresse. Ses textes sont combinés avec des histoires de Norvège, du Danemark et de Suède. Il y aura donc beaucoup de chant et de danse - probablement aussi un peu de consommation d'alcool - et tout cela en mettant l'accent sur la scène scandinave.

vidéo de The Nordic sessions, avec Bellmann

• QUI : Barokksolistene o.l.v. Bjarte Eike
• QUOI : The Playhouse Sessions
• ÉDITION : RUBICON RCD1096
• COMMANDER : JPC

The Nordic Sessions à Hasselt

• QUAND : 26 octobre 2022
• OÙ : Cultuurcentrum Hasselt

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