Giacomo Puccini voit à Milan en 1889 la pièce de théâtre Tosca de Victorien Sardou avec la plus grande actrice du moment, Sarah Bernhardt. Les effets sensationnels du théâtre d'horreur de Victorien Sardou sur la diva romaine et son amant artiste qui, dans la Rome d'environ 1800, sont victimes du régime autoritaire du commissaire de police Scarpia, fascinent le compositeur. Il voit la pièce à nouveau à Firenze et décide en novembre 1895 de composer un opéra à partir de celle-ci. L'environnement et l'atmosphère romains semblent lui offrir en outre une richesse de possibilités musicales.
Le meurtre brutal de Pasolini et le rôle trouble du jeune Giuseppe Pelosi forment une intrigue secondaire importante dans la mise en scène de Tosca par Rafael R. Villalobos. C'est moins farfelu qu'il n'y paraît à première vue, du moins si c'est développé avec autant de cohérence et d'audace logique que ce metteur en scène le fait. Il ancre sa mise en scène à des motifs qui apparaissent dans l'opéra : Rome, sadomasochisme, résistance à un régime dominant, liberté de l'artiste. L'artiste Pier Paolo Pasolini, en tant que représentant ouvert de la scène gay, est devenu en 1975 la victime de la haine envers les homosexuels sur la plage d'Ostia. Selon l'optique du metteur en scène, un crime tout aussi horrible d'abus de pouvoir sadique que la cruauté dont Cavaradossi et Tosca sont victimes dans la Rome historique.
Dans chaque acte, les références au monde gay sont donc clairement présentes. Pourtant, elles n'empêchent généralement pas de saisir l'essence du drame véristique et passionnel de Tosca de Puccini. Au premier acte, dans l'église Sant' Andrea della Valle, où Cavaradossi peint le portrait de Marie-Madeleine et où le Te Deum est chanté, on ne peut pas échapper aux jeunes enfants de chœur et immédiatement aux penchants pour un comportement « transgressif » du sacristain. Avant le début du deuxième acte, le metteur en scène Rafael R. Villalobos ajoute une scène supplémentaire dans la loge avec un long dialogue entre Pasolini et son ami, qui peut être interprété comme une sorte de manifeste de sa conception de la vie en tant qu'artiste et homme doux, un contraste frappant avec la brutalité et l'atmosphère oppressante du deuxième acte. Grâce au talent de jeu des interprètes de Scarpia et Tosca, la tension monte de façon glaçante, surtout à partir de Vissi d'arte, vissi d'amore, le moment où Tosca a décidé que le baiser de Scarpia serait son baiser mortel. Dans cet acte, la scène gay est parfois présentée avec trop de zèle et trop explicitement, mais elle reste en accord avec la vision choisie. De l'acte III, l'image finale de la « mort » de Tosca est une image si poétique qu'elle peut à peine laisser indifférent. C'est aussi resté fidèle à Pasolini, certainement avec la citation : « je suis peut-être un incroyant, mais je suis un incroyant qui a la nostalgie de la foi ». Cette citation et d'ailleurs aussi d'autres faits historiques sont souvent – aussi judicieusement – projetés comme une sorte de « sous-texte » entre les scènes.
Un spectacle total réussi
Le décor assez abstrait avec une évocation d'arcs d'église représente l'intérieur de l'église au premier acte. Le tableau auquel travaille Cavaradossi y est abaissé et l'image de la Madone ne manque nullement. Dans la salle du palazzo de Scarpia, les arcs sont remplis de portraits nus. Au troisième acte, c'est surtout l'éclairage qui rend le vide sinistre encore plus menaçant. Leah Hawkins joue joliment son image de diva dès son apparition dans l'église. Sa prestation d'actrice est particulièrement convaincante, sa prestation vocale un peu moins. Avec trop de puissance, la voix est parfois gâtée par une vilaine sonorité de gorge ou du vibrato et le célèbre Vissi d'arte aurait pu avoir plus de nuance. Mais en tant que soprano dramatique, elle assure une interprétation poignante jusqu'au final glaçant. Même histoire avec Lucio Gallo. En tant que Scarpia, la cruauté lui va bien, mais la puissance vocale montre quelques signes d'usure ici et là. Stefano La Colla avec sa voix de ténor éclatante est un Cavaradossi convaincant, qui prend congé de la vie et de l'amour avec des tons émouvants dans E lucevan le stelle. Le chef d'orchestre Jordan de Souza stimule l'orchestre vers la finesse et le détail pour réaliser l'orchestration exceptionnellement riche en couleurs de Puccini, ce qui fait de la représentation un spectacle total absolument impressionnant.