Quand des poireaux sont mis à contribution pour exécuter une dansette, nous savons que cela ne peut concerner que la musique classique contemporaine. Ajoutez-y la technologie vidéo, l'intelligence artificielle, l'instrumentation alternative, le minimalisme et une bonne dose de problématique de genre et les contours de la nouvelle musique classique deviennent clairement visibles. Un aperçu d'un week-end Transit à Louvain, où les auditeurs sont aussi devenus spectateurs.
Le compositeur allemand Michael Beil a surpris avec sa composition picturale Hide to Show dans laquelle un conte de fées est raconté sur les racines paradoxales de la solitude - la technologie de communication et les médias sociaux. La technique de composition de Beil s'éloigne loin du développement musical. Sa structure consiste à faire défiler une succession nerveuse de scènes et des mèmes qui se répètent continuellement, se reformulent, se varient, circulent et se transforment. Une heureuse trouvaille est la mise en scène. Huit musiciens (du Nadar Ensemble) sont répartis sur une rangée de six petites cabines à stores (habillées). Quand les jalousies sont ouvertes, les spectateurs voient comment ils jouent - chacun pour soi, mais pourtant il y a harmonie. Et ils dansent, se déguisent, se déchaînent, se figent. Quand les jalousies sont fermées, elles servent d'écrans de projection pour des enregistrements réalisés par deux caméras (en direct). Et parfois les stores sont qu'à moitié fermés de sorte que la réalité et la virtualité se mélangent. Le résultat s'appelle l'hyperréalité. La question cruciale est ce qui est caché ou non. Cette confusion permanente est parfaitement en accord avec la communication sur les médias sociaux où il n'est pas non plus toujours clair avec qui ou quoi on a affaire.
La richesse de la composition de Beil réside dans un croisement coloré et féérique de la vidéo et de la musique. Cela signifie que les auditeurs sont aussi des spectateurs. La musique est à la fois acoustique et électronique et sur bande, tout cela avec une texture légère, sous des influences japonaises, russes, américaines et européennes. Il fait aussi des blagues fonctionnelles comme danser avec des poireaux frais. Les costumes sont ornés de motifs enfantins aux couleurs vives. Les perruques sont blondes ou turquoise. Parfois tous les musiciens portent des lunettes, puis non. C'est une soirée costumée où les adultes retournent avec enthousiasme à leur enfance. L'ambiance est généralement espiègle, parfois clubby ou hip, et puis à nouveau provocatrice et languissante comme dans un midsummer nights dream. Nadar Ensemble, pour qui Beil a écrit cette pièce, et Hide to Show semblent être deux mains sur un même ventre. Ils se sentent parfaitement. Le fait qu'une combinaison de musique, de mouvement, de mimique et de gestuelle s'avère presque naturellement fonctionnelle ne se voit pas souvent. Cela ne peut venir à la lumière qu'après un processus de répétition intense qui aboutit à jouer par cœur, comme l'a montré Nadar. C'était un concert convaincant qui offre des perspectives sur le développement ultérieur d'un nouveau style musical dans lequel la vidéo et la technologie offrent une valeur ajoutée concrète et équilibrée. Le fait que cette combinaison puisse répondre à un besoin a également été démontré par la présence de familles avec des enfants. Il y avait même des groupes d'enfants qui ont essayé quelques-unes des dansettes après le concert sur une cour intérieure venteuse. Il y a donc de l'espoir.
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© Evy Ottermans[/caption]
Mais le succès de Hide to Show ne signifie pas que l'utilisation d'éléments structurants fixes a eu ses meilleurs jours. Aussi anciens que le monde et toujours jeunes sont les efforts pour capturer la musique dans des modèles mathématiques. Depuis qu'Aristote a posé les fondements de la théorie harmonique avec sa théorie des sphères planétaires, le désir de systématique ne nous a jamais quittés. Le compositeur américain Tom Johnson (°1939) travaille depuis des années avec des conceptions de blocs mathématiques dans lesquelles le comptage est central. Le pianiste Daan Vandewalle a joué sa composition Solutions (9, 3, 2), une première mondiale. Johnson tire ici 36 systèmes de neuf notes, les décompose et les réassemble, bien que avec des variations comme des séquences descendantes, des accords ouverts et fermés, des lignes mélodiques épurées, une réduction de notes, des tempi très lents à légèrement plus rapides, des pauses longues et courtes, plus fort et plus doux, fugué, pointu, lié ou carrément sec. Vandewalle est un maître de la nuance. Plus le tempo baisse et moins de notes sont jouées, plus un glissement dans l'attaque ou une pause d'une microseconde trop longue est impitoyablement punie à l'oreille. Malgré ces risques, Vandewalle s'est avéré ne pas être pris au dépourvu, cela sonnait en tout cas pas mathématique – heureusement.
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© Evy Ottermans[/caption]
Sur le plan instrumental, le cuivrier néerlandais Marco Blaauw a apporté une rénovation rafraîchissante. Dans la composition O.M. Rising de la compositrice/violoncelliste/activiste britannique Ayanna Witter Johnson, il a utilisé une pocket trumpet rouge vif avec un mégaphone de poche assorti, pour à la fois étouffer et amplifier. Une pièce percutante dans laquelle une voix unique s'élève contre les inégalités raciales et de genre – sobre, stimulante et donc efficace. Les questions de genre ont également été abordées dans la première de Counterforces du compositeur flamand Frederik Croene. Sur un texte de Dominique De Groen, Amina Osmanu, Lore Binon et IKRAAAN ont chanté sur la force terrestre et sociale des femmes, reflétée par le rôle répréhensible que l'homme a joué dans les changements du monde. Le contexte a été fourni par des interventions répétitives du compositeur Frederik Croene au piano et sur bande (moteurs monotones et disques à meuler). Sur le plan instrumental, il ne s'est pas passé grand-chose dans Counterforces. Ce n'est pas nécessaire non plus, d'autant plus que la pièce est portée par le texte. Cependant, l'équilibre entre les parties chantées et instrumentales était largement déséquilibré, ce qui a entraîné une perte importante du texte. De plus, il n'y avait pas de sur-titrage.
Une autre ligne est la poursuite de la réhabilitation de l'écriture tonale. À Transit, il y avait deux exemples de jeunes compositeurs écrivant en tonalité (étendue). Depuis plusieurs années, la tonalité n'est plus un tabou. L'époque où un étudiant en composition n'osait plus descendre dans la rue parce qu'il travaillait sur une pièce tonale est révolue depuis au moins une décennie. Ensemble Klang, un groupe de six musiciens jouant sans chef d'orchestre, s'est risqué à deux nouvelles pièces de Maya Verlaak et Jesse Broekman. De Verlaak, Conditions a été joué, une composition d'harmonies flottantes, où les musiciens étaient répartis aux extrémités de la salle. Cela a décalé la perspective du trafic unidirectionnel statique traditionnel depuis la scène vers une expérience spatiale, comparable à un voyage à travers le cosmos. Verlaak semble avoir ainsi emprunté une nouvelle voie. Elle est connue pour ses compositions ludiques dans lesquelles la technologie et l'humour auditif jouent un rôle principal. Avec Conditions, elle ajoute maintenant un élément contemplatif à son œuvre.
Klang a également joué will it be like this for a long time, you asked, une création remarquable de Jesse Broekman. Dans cette pièce méditative, le rôle principal a été joué par le percussionniste Joey Marijs. Par son traitement délicat de plaques d'aluminium spécialement sciées, il a apporté une force silencieuse d'arômes et de textures asiatiques dans la salle. Parfois, ses plaques sonnaient comme un gamelan, parfois comme des cloches. La pianiste Saskia Lankhoorn a fait référence avec son piano préparé à John Cage, qui a écrit beaucoup de ce genre vers 1940. Elle a caressé les bâtons d'encens placés entre les cordes de manière si fluide que cela s'est rapproché d'une drone. Verlaak et Broekman ont trouvé avec leurs nouvelles compositions une tonalité tonale qui, s'avère-t-il, s'épanouit bien via des saxophones et des guitares électriques dans un ensemble non classique.
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© Evy Ottermans[/caption]
Le fait que les auditeurs doivent adopter un double rôle de spectateur pour beaucoup de nouvelles musiques s'est avéré dans la composition Non sono Dei quelli fatti con le mani pour six voix et six musiciens du duo italien Mauro Lanza et Claudio Panariello. Il y avait beaucoup à voir lors de la performance de Spectra Ensemble et HYOID Voices. Après un long tissage d'ouverture de drones, les vocalistes se montrent polyvalents, en sifflant à travers des ouvertures de bouteilles, en jouant de la flûte à bec et en utilisant des harmonicas. Le titre (« Ceux qui sont faits de mains ne sont pas des dieux ») fait référence à des œuvres d'art créées par l'intelligence artificielle – et non par les mains humaines. Dans cette composition, des passages d'une des messes emblématiques de Guillaume Dufay (1397-1474) ont été utilisés, dont dix versions différentes ont été utilisées pour créer des algorithmes qui ont produit du nouveau matériel. Tout cela a conduit à une histoire vocale et musicale solidement construite, sous laquelle était tissé un tapis virtuose d'art par IA.
Disiecta Membra (« membres dispersés ») de Mauro Lanza pour six voix, renvoie par des citations au catalogue des membres dans les sept cantates de Dietrich Buxtehude (1637-1705) mais est maintenant mis en relation avec une parodie sur l'abattage d'un porc. Là aussi, les vocalistes ont régulièrement colorié en dehors des lignes : un tissu de voyelles a été alternativement interrompu par des coups d'harmonica ou par le bruit aigu d'un jouet en plastique représentant un porc. De petits airs sifflés ont transporté le spectateur dans la routine de l'abattoir. Les gestes de bras larges et élégants de la directrice Filip Rathé et la manière expressive dont les chanteurs ont tourné les pages de leur partition ont complété le spectacle.
QUOI : Transit – open mind, open ears OÙ : STUK, Leuven VU : 20-22 octobre 2023