C'est un phénomène bien établi à la Pierre Boulez Saal à Berlin : un programme qui ne vise pas l'effet ou le prestige, mais l'écoute concentrée. Ce concert aussi avec la Staatskapelle Berlin le 15 avril sous la direction de Tim Fluch s'inscrivait parfaitement dans ce profil. La dramaturgie n'était pas une succession fortuite d'œuvres, mais une ligne soigneusement construite, dans laquelle Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), Carl Maria von Weber (1786-1826) et Ege Gür (°1998) se reflétaient mutuellement autour de questions de style, de mémoire et d'identité sonore. Dès l'ouverture, on a remarqué l'implication énergique : les musiciens et le chef jouaient avec un plaisir et une intensité visibles, avec une attaque précise et des réactions alertes au sein de l'ensemble.
Articulation classique et respiration romantique
L'ouverture de la Entführung aus dem Serail de Mozart ouvrait le concert légèrement, mais avec une tension sous-jacente entre le style et le sens. Fluch a respecté la netteté rhétorique sans suraccent ; la couleur « turque » reste en effet une construction stylisée au sein d'une image orchestrale articulée de manière classique. Les cordes sont restées précises, le bois et les cuivres ont réagi avec une ironie subtile. De cette manière, l'ouverture sonnait moins comme une introduction d'opéra que comme une réflexion compacte sur la projection culturelle. Le son sombre et stratifié de la Staatskapelle a prévenu la superficialité et a donné à l'ensemble une profondeur plutôt psychologique qu'anecdotique.
Dans le Concerto pour clarinette n° 2 de Weber, la tension s'est déplacée vers le romantisme précoce, où la subjectivité devient plus centrale. Le soliste Tibor Reman a opté résolument pour l'expression lyrique : son ton était vocal et respirant, avec une couleur mélancolique. Il a aisément satisfait aux exigences techniques de l'œuvre, avec une combinaison évidente mais impressionnante de virtuosité et de musicalité. Le dialogue avec l'orchestre était essentiel : la Staatskapelle a formé une structure d'accompagnement finement stratifiée dans laquelle les motifs étaient subtilement captés et reflétés. L'Adagio a constitué le centre, où la clarinette se meut entre la parole et le chant. Reman a ici opté pour l'expression par la phrasé plutôt que par la virtuosité ; la ligne est restée intense sans sentimentalité. La section finale a apporté une légèreté théâtrale et une énergie rhythmique, mais sans nervosité. L'orchestre a fourni un accompagnement énergique mais strictement contrôlé, avec une interaction convaincante entre l'artifice et l'interprétation raffinée, sans jamais éclipser le soliste. Ainsi est né une lecture dans laquelle la virtuosité n'a jamais été une fin en soi, mais s'est entièrement mise au service d'un récit musical ressenti.
Fragmentation, résonance et sérieux symphonique
Effaced Figures de Gür a déplacé après la pause la perspective vers la fragmentation et la transformation. La musique s'est mue entre la reconnaissance et la déformation et s'est rattachée à un monde sonore dans lequel les influences ouest-européennes et orientales convergent. Fluch et la Staatskapelle n'ont pas stabilisé cette instabilité, mais l'ont laissée exister au sein d'un champ sonore transparent sans hiérarchie. Ainsi s'est créé un espace stratifié dans lequel différentes strates temporelles fonctionnaient côte à côte. Le son orchestral est resté ici moins linéaire et fortement axé sur la couleur et la texture ; les lignes se dissolvaient dans les champs sonores. La dynamique a fonctionné comme une respiration soudainement décalée. Au sein de cette brume sonore, les musiciens ont joué avec une extrême concentration, avec des solos remarquables du violoncelle et de la contrebasse et une interjection de harpe nettement articulée.
Ensuite, Mozart est revenu avec la Symphonie Praguoise, qui a donné à la soirée une structure circulaire. Fluch a abordé l'œuvre avec sérieux mais sans lourdeur, avec une construction de tension issue de l'harmonie plutôt que du tempo. Dans l'Andante, les lignes rhétoriques ont obtenu tout leur poids : mélodie parlante sans anecdote. La Staatskapelle a construit une polyphonie stratifiée mais respirante, dans laquelle les voix sont restées clairement définies mais se sont entremelées. Ce qui a été remarquable, c'était la précision espiègle dans l'interprétation ensemble et le plaisir audible avec lequel l'orchestre jouait, sans que cela ne se fasse au détriment de la concentration ou de la tension intérieure.
Le finale était énergique mais maîtrisé : pas une course à la virtuosité, mais une construction contrôlée de la tension qui a été maintenue étape après étape. Fluch a gardé le dramatisme constamment interne et a évité tout effet ostentatoire. De ce fait, l'œuvre a obtenu une tension qui croissait de l'intérieur. Il s'est montré un chef avec un avenir clairement défini, précisément dans la manière dont il sait organiser l'intensité sans la forcer.
Continuité, perspective et expérience d'écoute
Ce qui a caractérisé cette soirée, ce n'étaient pas les œuvres individuelles, mais leur tension mutuelle. La Staatskapelle Berlin a basculé sans effort entre les styles sans perdre son identité. Une dimension supplémentaire a surgi du fait de la position d'assise changeante dans la salle ovale : avant et après la pause, la perspective s'est décalée de derrière l'orchestre vers l'avant, ce qui a notablement approfondi et nuancé l'expérience d'écoute.
Ainsi, ce concert a été une réflexion sur la continuité et la rupture : comment Mozart, Weber et Gür utilisent chaque son comme porteur de sens, et comment une exécution contemporaine ne dissout pas ces couches, mais les laisse coexister – sans jamais les simplifier.