Entre ciel et terre, InAlto trouve sa voix

Le concert était construit autour du thème de l'amour et la mort. Plus précisément, on faisait référence aux histoires d'amour marquées par la mort de Charles Quint et d'Isabelle de Portugal, et à la mort de Caterina Martinelli, l'une des chanteuses préférées de Vincenzo I Gonzaga, duc de Mantoue.

Les soixante-dix ans séparant ces deux événements ont donné au meneur musical et cornet à pistons Lambert Colson la possibilité de puiser dans un répertoire exceptionnellement riche, couvrant tout ce qui va de Josquin à Monteverdi. De plus, un mélange de répertoire profane et religieux a été présenté. Les possibilités ne manquaient donc pas. Mais à mon avis, cela recèle aussi un piège.

Le concert a ouvert par l'arrière avec un La Spagna enjoué de Josquin. Cette bassa danza bien connue a immédiatement fixé le ton qualitatif du concert : haut ! Très haut ! Et toujours d'une manière naturelle. Le démarrage impressionnant a été immédiatement suivi par ce qui aurait presque pu être considéré comme un morceau de musique de chambre : la soprano Alice Foccroulle a livré son message d'une manière très intime, à un chevalier, mis en musique par Gombert.

Immédiatement après a suivi pour moi le premier point culminant de la soirée : la lamentation sur la mort d'Isabelle de Nicolas Payen, jusqu'alors pour moi un compositeur franco-flamand relativement inconnu. Avec quatre lignes de texte, il a écrit un motet poignant, centré sur Cur requiris? Pourquoi le demandes-tu ? Vivit, non obiit. Elle n'est pas morte ! Elle vit. Cette pensée deviendrait finalement le fil conducteur de tout le concert.

Le motet Mort m'a privé (sur un texte de Charles Quint ?) du bien connu Thomas Crécquillon préparait le chemin vers sa messe, composée sur le même thème et comportant de nombreuses allusions au désir, au décès, etc. Une œuvre qui mérite en elle-même une place de choix.

Et c'est ici, à mon avis, qu'il y a une faiblesse programmatique. En choisissant un certain thème, on peut, surtout avec la musique ancienne, entraîner l'auditeur contemporain à travers des situations reconnaissables dans un répertoire qui autrement serait peut-être difficile d'accès. Comme dit : de Josquin à Monteverdi. Mais si en plus il y a un mélange entre le répertoire profane et liturgique, cela devient trop complexe. Car avec une messe, on entre immédiatement au cœur de quelque chose qui n'est plus profane.

En théorie, la même chose pourrait être dite des chansons sur l'amour et le désir, mais les parties de messe portent une autre connotation, me semble-t-il.

Je suis resté, en toute honnêteté, un peu sur ma faim avec la messe de Crécquillon. Je ne savais pas d'abord pourquoi. Elle a été jouée plus que convenablement. Les lignes qui exprimaient le désir et la profondeur ont été superbement rendues, notamment par la voix de basse riche de Jimmy Holiday. S'agissait-il alors du fait que toutes les parties de messe ont été « accompagnées » ? Cela aussi sonnait bien et aurait aussi pu sonner ainsi. Et pourtant, j'ai eu l'impression que l'ensemble restait un peu plat et était chanté avec peu de conviction.

Cette approche a malheureusement continué dans le motet bien connu Todos los bienes d'Encina. Il en existe tellement d'interprétations : lentes, rapides, avec la modestie du Nord, avec la passion du Sud. Je manquais ici une ligne claire. La raison est devenue heureusement rapidement évidente.

Après un court et sympathique intermède au cours duquel Lambert Colson a donné quelques explications, il a apporté Vergine bella de Cipriano de Rore en tant que soliste, accompagné par le luthiste Johannes Ötzbrugger et le continuiste Joseph Rassam. Ces deux derniers ont d'ailleurs créé pendant tout le concert un « fond » essentiel.

C'était un coup de maître.

J'ai senti que Colson faisait à ce moment le pont entre le céleste et le profane. Son interprétation extrêmement virtuose du motet était exactement cela. Bien que le texte de Pétrarque puisse être considéré plutôt comme profane, le motet est clairement aussi un hymne céleste. Je pense que De Rore l'a aussi entendu ainsi.

Et puis, à partir de ce moment, le concert prend un rythme différent. Tout comme les artistes.

Toutes les palettes de couleurs de chant et d'instruments ont été ouvertes dans un céleste Incenerite, spoglie de Monteverdi.

Quelle interprétation de texte et expression ! Vous voyiez la tomba, vous sentiez l'ira et vous ne pouviez que vous plaindre avec le pianto.

Vraiment !

Ici le concert a pris son élan et a dépassé la description de critique proverbiale « dignement présenté ». Si j'étais Colson – aussi appropriée que soit son approche académique – j'échangerais les parties de messe contre, si c'était vraiment religieux, des motets qui expriment également l'amour, la mort et le désir. Les choix ne manquent pas !

Peut-être que Colson a senti exactement ce que j'ai écrit ci-dessus, car In die tribulationes, un motet puissant de Guami, a été interprété uniquement par des instruments. Un choix judicieux, dans lequel les fantastiques trombonistes Defendi, Hanssen, Van Passen et Vrooman ont pu convaincre dans leur rôle. Ils ont montré à nouveau comment ils réussissent à clarifier et énoncer clairement chaque ligne polyphonique.

Quel régal pour l'oreille… même si c'est sur les « jours de malheur ».

Dans le madrigal suivant de Monteverdi, Dunque, amate, reliqui un mar di pianto, ce qui m'a particulièrement frappé, c'est le ténor aigu Andres Montilla. Quelle interprétation de texte, avec un positionnement vocal correct au moment opportun ! Aux côtés de Benedict Hymas et Ricardo Pisani, ces « trois ténors » ont formé un festin à écouter, chacun avec leur propre palette.

Il y avait aussi de la place pour une partie en solo avec uniquement orgue et luth. Beau et apaisant. Souvent, vous avez l'impression que la luth disparaît dans l'ensemble. Ce n'était pas le cas ici. Cela a littéralement donné ce « coup de clavier » pour rendre tout un peu plus piquant. Bien joué.

Comme je l'ai dit : après Vergine bella, le concert a pris un élan émotionnel et musical, avec de nombreux points culminants. Le bien connu Lasciate mi morire en était un.

Colson a clairement opté pour une interprétation plus retenue. Alors qu'on chante souvent de manière théâtrale et avec la passion du Sud sur « laissez-moi mourir », les chanteurs ont ici opté pour une exécution qui était beaucoup plus tournée vers l'intérieur. Mais la fin interrogative persiste toujours !

Mention spéciale aussi pour la mezzo-soprano Maria Dalia Albertini, qui comme Foccroulle dans son solo apporte le calme et la conviction nécessaires.

Le concert s'est terminé par la chanson strophique Questa vita mortale de Cavalieri.

Au début, j'ai écrit : Vivit, non obiit. Elle n'est pas morte ! Cette pensée forme le fil conducteur. Ici elle est confirmée : d'une part par la conscience que le ciel donne la vie et le vent la dissipe, mais d'autre part aussi par l'espoir et le vœu des survivants qu'on se retrouvera un jour, certainement, dans un havre sûr.

Et ainsi le concert a navré entre le ciel et la terre, entre le ravissement passionnel et la gravité religieuse.

Un choix programmatique audacieux, qui a trouvé sa force surtout dans la deuxième moitié. InAlto a prouvé à nouveau, et de manière extrêmement réussie, son approche singulière. Cela a été apprécié par le public nombreux. Probablement non seulement à l'église, mais aussi à la maison, car le concert a été diffusé en direct et peut donc être réécouté.

À faire, je dirais. C'est le genre de concert qui est « plus mûr » la deuxième fois que la première.