Mercredi 5 août était une journée musicale particulière. Non seulement un concert de l'Orchestra of the Zhejiang Conservatory of Music de Chine figurait au programme de Young Euro Classic en soirée, mais il y avait aussi de la musique en abondance pendant la journée. Sous la galerie à colonnes du Konzerthaus, différents ensembles de musique de chambre de l'orchestre ont présenté l'après-midi des œuvres variées. Malgré la chaleur accablante, beaucoup de gens se sont arrêtés pour voir ces jeunes musiciens à l'œuvre et écouter leur façon de jouer qui touchait le cœur. C'était une première rencontre qui a immédiatement donné envie d'en savoir plus sur ce que cet orchestre laisserait entendre le soir sur la grande scène.
L'Orchestra of the Zhejiang Conservatory of Music est une formation encore jeune. L'académie d'orchestre a seulement été fondée en 2020 et rassemble des étudiants de Chine et de l'étranger. Grâce au conservatoire et à l'Orchestre Symphonique du Zhejiang, ils reçoivent une formation très orientée vers la pratique. Au cours des cinq années qui ont suivi sa création, ils ont constitué un répertoire remarquable, incluant notamment les neuf symphonies de Beethoven. Leur présentation à Berlin est bien plus qu'une visite à un festival européen : c'est une préparation consciente à la vie orchestrale internationale.
Après les présentations sous la galerie à colonnes, j'ai eu l'occasion de m'entretenir avec le tromboniste Yu Fan et le concertmaître Danfeng Shen sur l'orchestre et le programme. Le pianiste Sun Yutong m'a également donné un aperçu éclairant sur le concerto pour piano qu'il allait jouer ce soir-là. Yu Fan a souligné que les compositeurs et musiciens chinois souhaitent de plus en plus faire connaître leur musique en dehors de la Chine : l'orchestre présente à Berlin, en plus de Bruckner, deux compositions chinoises pour montrer la culture musicale chinoise contemporaine et engager en même temps le dialogue avec la tradition occidentale. Danfeng Shen a souligné que le séjour en Europe signifie également bien plus pour les jeunes musiciens que simplement se produire : la rencontre avec les collègues européens, l'expérience du Konzerthaus et la musique dans le cadre d'un festival international, ils les ramènent aussi en Chine.
Mais c'est surtout la répétition qui a suivi qui a donné un aperçu particulier de la façon de travailler ici. Immédiatement après les présentations de musique de chambre, la répétition orchestrale a commencé et j'ai vraiment fait connaissance pour la première fois avec les deux œuvres chinoises au programme. La première impression était celle d'une expérience sonore riche et intense. Le chef d'orchestre Zhang Yi savait très précisément la couleur qu'il avait en tête et a consulté attentivement la compositrice Zhang Ying sur l'Akademische Festouvertüre. Les passages ont été joués à nouveau et à nouveau jusqu'à ce que l'équilibre souhaité soit atteint. Yu Fan a comparé cette collaboration à un puzzle : « Nous devons continuellement l'agrandir et finalement assembler tout le travail ». Ce que j'ai vu pendant la répétition n'était donc pas une préparation sans engagement au concert, mais une quête disciplinée du bon résultat musical.
Une ouverture colorée
Cet engagement a porté ses fruits le soir même dans l'exécution de l'Akademische Festouvertüre de Zhang Ying (°1983). L'œuvre avait été écrite à l'occasion du dixième anniversaire du Zhejiang Conservatory of Music et a connu sa première allemande lors de ce concert. Le titre fait bien sûr référence à Brahms, mais musicalement Zhang Ying emprunte une voie entièrement unique. Sa partition est construite à partir de différentes couches entrecroisées et puise notamment dans des sources musicales chinoises.
Le résultat est facile à écouter, mais il est loin d'être simple. Derrière l'apparente évidence des lignes mélodiques se cache une partition soigneusement construite, dans laquelle les différents groupes orchestraux réagissent continuellement les uns aux autres. Il y a des moments qui rappellent les mondes orchestraux riches de Carl Orff ou John Williams, mais Zhang Ying écrit clairement dans son propre langage. Sous la direction de Zhang Yi, l'orchestre acquiert un profil clair et les différents groupes instrumentaux sonnent particulièrement bien accordés les uns aux autres.
L'orchestre s'engage pour la nouvelle œuvre avec grande conviction : on ne l'entend pas seulement dans les passages massifs, mais aussi dans les nombreux moments solistes. La maîtrise instrumentale est remarquablement grande ici et la musique sonne fraîche, assurée et est jouée avec plaisir visible. Ce qui était encore une œuvre en devenir pendant la répétition s'avère être une partition dans laquelle les jeunes musiciens se sentent clairement chez eux lors du concert.
Une rencontre entre deux mondes musicaux
Avec Er Huang de Chen Qigang (°1951), qui fête son 75ème anniversaire le 8 août, cette rencontre entre les traditions prend ensuite une forme beaucoup plus intime et en même temps plus profonde. Le compositeur a été formé en Chine et a déménagé à Paris en 1983, où il est devenu le dernier élève d'Olivier Messiaen. Depuis, sa vie musicale s'est déroulée entre la Chine et l'Europe. Dans Er Huang, les deux mondes s'entendent ensemble : des souvenirs mélodiques du classique opéra de Pékin sont liés à un idiome dans lequel l'influence de Messiaen n'est jamais loin. « La musique chinoise vient de notre sang », m'a dit Yu Fan plus tôt ce jour-là. Une formulation simple, mais elle explique immédiatement pourquoi cette musique semble si naturelle pendant l'exécution.
C'est une partition fascinante, et pour être honnête, c'était pour moi la première rencontre avec la musique de Chen Qigang – une découverte qui donne immédiatement envie d'en savoir plus. La façon dont le piano et l'orchestre se trouvent, est particulièrement remarquable. Sun Yutong commence avec un toucher doux et délicat, où chaque note est soigneusement pesée. Ensuite naît un dialogue avec les contrebasses, plus tard d'autres cordes reprennent la conversation. Les passages pianistiques ne reçoivent pas un son d'orchestre qui les accompagne, mais une réponse qui se réfléchit – c'est comme si chaque groupe orchestral réagissait à sa propre manière à ce que le pianiste raconte.
Sun Yutong convainc beaucoup par là : son engagement envers l'œuvre est audible et sensible dans chaque note. Il ne se limite pas à réaliser virtuosement ce que demande la partition, mais semble continuellement réfléchir avec le développement musical. Entre-temps surgissent des souvenirs de la tradition musicale chinoise, qui sont repris par les cordes et se développent parfois en dialogues captivants. La palette orchestrale est aussi impressionnante. À certains moments, le son s'ouvre avec des cymbales, des cloches, un xylophone et une célesta, tandis que le piano y reste pleinement audible. Les grandes éruptions reçoivent ensuite un contrepoids dans les passages où la musique devient lentement plus ténue et finit presque par s'éteindre.
C'est précisément là que réside la grande force d'Er Huang : rien ne sonne par hasard. La transparence de la partition, l'orchestration savamment dosée et la tension entre le souvenir mélodique chinois et l'idiome influencé par Messiaen en font une œuvre particulièrement captivante. On en est même ému. C'est une musique qui ne cherche pas à opposer deux cultures l'une à l'autre, mais les laisse simplement sonner ensemble. Que les interprètes s'en imprègnent complètement rend l'expérience d'autant plus forte. Sun Yutong se révèle ici comme une soliste passionnée et l'orchestre montre qu'il peut aborder une partition contemporaine avec une grande intensité et une grande subtilité. Je ne peux qu'espérer qu'Er Huang figure un jour aussi à notre programme de concert.
Un autre paysage musical
Après l'entracte, le grand saut : de la musique chinoise contemporaine à la Deuxième symphonie d'Anton Bruckner (1824-1896). Un choix audacieux pour les débuts à Young Euro Classic, car la Deuxième ne figure pas parmi les symphonies les plus jouées de Bruckner. Les jeunes musiciens relèvent le défi de manière convaincante : presque chaque détail est audible, les bois fournissent un travail particulièrement excellent et les contrebasses aussi obtiennent un beau rôle. Même les deuxièmes violons, qui dans beaucoup d'exécutions s'effacent un peu en arrière-plan, restent remarquablement présents. Le dévouement avec lequel l'orchestre joue cette musique mérite sans aucun doute notre admiration.
Cependant, il reste une certaine réserve après la représentation. Non pas parce que les notes ne seraient pas là – bien au contraire, presque tout y est –, mais parce que le grand souffle musical de Bruckner apparaît moins naturellement. Pour paraphraser Gustav Mahler : l'essence de la musique ne réside pas uniquement dans les notes. Zhang Yi maintient l'ensemble d'une main ferme, mais son interprétation reste trop maîtrisée. Le premier mouvement, Moderato, est pris remarquablement vite et l'Andante non plus ne laisse que peu de place aux qualités méditative, presque sacrées, que cette musique peut renfermer. Bruckner n'a absolument pas besoin d'être joué lourdement ou lentement, mais sa musique doit pouvoir respirer.
Cela devient particulièrement sensible à la conclusion du premier mouvement et dans la finale, où la musique prend parfois presque le caractère d'une marche qui se précipite vers une fin trop efficace. Bruckner était organiste et ses symphonies, même quand elles sont exubérantes et monumentales, ont une relation très particulière à l'espace, à la résonance et au silence. C'est précisément cette qualité qui devrait être recherchée encore plus fortement lors d'une prochaine rencontre avec sa musique.
L'effectif d'orchestre de chambre choisi n'aide pas toujours à cela : à certains moments, les cordes face à la puissance des vents sont relativement peu présentes, ce qui rend l'équilibre moins naturel. Le choix de la version de 1877 ne rend pas non plus la tâche plus facile. Je préfère moi-même la version originale, l'Erstfassung de 1872, qui me semble plus riche et plus palpitante et qui offre plus de possibilités de contraste et de développement. La version ultérieure qui a été exécutée ici exige d'autant plus une vision interprétative forte capable de porter les grands arcs de tension à partir d'une seule pensée musicale claire. C'est précisément là que cette exécution est restée un peu trop à la surface.
Il serait cependant injuste de considérer principalement cette exécution de Bruckner sous cet angle critique. Pour un jeune orchestre qui s'est approprié une grande partie du répertoire classique et romantique en à peine quelques années, cela reste une presttion impressionnante de placer cette Deuxième symphonie avec une telle précision. La différence avec les œuvres chinoises tenait surtout au fait qu'un fort engagement artistique et une affinité naturelle avec l'idiome étaient perceptibles. Chez Bruckner, c'était surtout la maîtrise soigneuse du matériel musical qui était convaincante ; l'étape suivante est d'y ajouter une vision interprétative encore plus personnelle.
Le public a réagi avec un enthousiasme particulier. La salle du Konzerthaus était remplie jusqu'aux combles et la composition remarquablement jeune s'est à nouveau fait remarquer, avec même beaucoup d'enfants. Après les mouvements individuels, des applaudissements ont éclaté, ce qui n'est pas habituel chez Bruckner. Peut-être est-ce aussi un signe de ce que Young Euro Classic veut réaliser : une musique qui n'est pas traitée comme une pièce de musée, mais comme une expérience vivante.
Vers une voix propre
Et c'est précisément là que réside la valeur de ce concert. La plus intéressante opposition n'était pas celle entre la Chine et l'Europe, mais celle entre une musique qui doit encore conquérir sa place dans la salle de concert internationale et un répertoire qui fait partie de la tradition européenne depuis des siècles. Dans l'Akademische Festouvertüre de Zhang Ying et surtout dans Er Huang de Chen Qigang, on a vu à quel point la musique chinoise contemporaine peut être riche quand elle est jouée par des musiciens qui la comprennent clairement de l'intérieur.
« Nous devons les réunir, » m'a dit Yu Fan à propos des deux mondes musicaux que ce programme rassemblait, car « finalement, nous vivons dans le même monde. » C'est peut-être là le plus beau résumé de cette soirée : l'Orchestra of the Zhejiang Conservatory of Music est venu à Berlin pour faire entendre de la musique chinoise, mais aussi pour se mesurer à un répertoire né en dehors de sa propre tradition culturelle.
Ce concert était un instantané d'une jeune génération qui est en plein chemin. Les bagages techniques sont là, tout comme la discipline, la curiosité et l'enthousiasme pour découvrir de nouveaux mondes musicaux. Ce qui a d'ores et déjà fortement convaincue, c'est la qualité de ces jeunes musiciens. C'est à partir de cette qualité qu'une voix musicale de plus en plus personnelle peut émerger. Et c'est précisément pour cela que ce concert donne surtout envie d'en voir plus.