Bjarte Eike: die Synergie von Barock und Folklore

Barock-Violinist Bjarte Eike sprengt Grenzen in der klassischen Musik und sucht ständig nach neuen Projekten im Grenzgebiet der Genres, um mit seinem ansteckenden Spiel und Stil neue Publikum zu erreichen. Als künstlerischer Leiter von Barokksolistene hat er neue und innovative Konzepte geschaffen, wie The Alehouse Sessions; eine Erkundung von Musik des 17. Jahrhunderts aus Pubs und Gasthäusern in England. Diese Sessions wurden nun in das Album The Playhouse Sessions umgewandelt. Und später diesen Monat kommen Eike und Barokksolistene nach Hasselt, wo sie eine Adaption des Programms mit dem Titel The Nordic Sessions aufführen werden.

Die Kombination aus historisch informierter Aufführungspraxis mit Erzählung und theatralischen Elementen ist ein ganz einzigartiges Konzept. Wie sind Sie auf dieses Konzept gekommen?

Zunächst vielen Dank. The Playhouse Sessions ist ein Projekt, das auf dem früheren Projekt The Alehouse SessionS basiert, das ich 2007 zum ersten Mal für ein Festival in Norwegen mit englischem Thema geschaffen habe. Wir führten alle möglichen Konzerte zum Thema Londonum das Jahr 1700 auf, und ich wollte etwas mit dem britischen Ankerpunkt in der Gesellschaft machen, nämlich dem Pub. Pubs haben eine lange Geschichte und spielten sogar eine wichtige Rolle für die Musikentwicklung im 17. Jahrhundert. Und während ich meine Recherchen machte, fand ich dieses Buch The Complete Country Dance Tunes from Playford's Dancing Master (1651). Es ist ein Katalog mit nur Melodien, die von Tänzen stammen. Keine Arrangements oder Harmonien aufgeschrieben, nur ein Buch voller beliebter Melodien. Und weil ich einen Hintergrund in Folkmusik habe — ich spielte zum Beispiel als Student in einer irischen Session-Band — dachte ich, es wäre interessant, diese Tradition wiederzubeleben.

Um ein Programm rund um dieses Konzept zu konstruieren, fing ich an, mehr zu lesen. Nicht nur musikalische Forschung, sondern auch historische und sozioökonomische wie The English Alehouse: A Social History, 1200-1830 von Peter Clark und zeitgenössische Berichte darüber, wie die öffentlichen Theater unter der Herrschaft von Oliver Cromwell (1599-1658) geschlossen wurden. Unglaubliche Geschichten entstanden, denn als diese Theater geschlossen wurden, wurden Musiker gezwungen, in diese Pubs zu gehen, um Geld zum Überleben zu verdienen. Pubs wurden zu einem Treffpunkt der Ober- und Unterschicht, um Musik zu hören. In dieser Umgebung wurde jeder gleich.

Ich wollte diese komplexe, aber interessante Geschichte des Pubs als meinen Hintergrund. Es ist ein Setting, das keine Grenzen für die Art von Musik setzt, die man aufführen kann. Wenn man in einer Kirche ist, muss man Musik aufführen, die etwas mit Religion oder der Kirche selbst zu tun hat. Oder wenn man in einem Schloss auftritt, muss man vielleicht etwas Angemessenes tun. Aber hier in den Pubs sind alle irgendwie auf gleicher Augenhöhe und es gibt einen freien Raum zum Diskutieren, Reden, Trinken, Tratschen und gemeinsam Musik spielen. Alles vermischt sich, was eine wunderbare Kulisse für unser informelles Experimentieren schafft.

Da ich viele Jahre als freischaffender Musiker in Europa tätig bin, treffe ich all sorts interessante Menschen in verschiedenen musikalischen Settings. Ein gemeinsamer Faden, der alle Musiker verbindet, mit denen ich in den Alehouse-, Playhouse- und Nordic Sessions arbeite, ist, dass ihre Interessen und Fachgebiete über das «bloße» Instrumentalist- oder Sängerdasein hinausgehen. Steven Player, zum Beispiel, spielt Gitarre und tanzt mit uns - aber er ist auch ein erstaunlicher Schauspieler und Geschichtenerzähler mit einem Hintergrund im Straßentheater. Tom Guthrie, einer unserer Lead-Sänger, ist auch Regisseur. Per Buhre spielt Viola, singt Lead-Vocals, stellt Apfelwein her und ist ein fantastischer Fotograf. Helge A. Norbakken, Percussion, ist ein vollständig qualifizierter Dampflokomotivenführer… es gibt unterhaltsame Fakten und wunderbare Geschichten, die mit jedem in der Band verbunden sind, also meine Hauptaufgabe ist, wie ich ihnen allen die Zeit geben kann, auf der Bühne zu glänzen, wie sie es verdienen.

Zusammen schaffen wir Workshops, in denen wir zum Beispiel in die Berge oder Wälder gehen. Wir verbringen unsere Zeit damit, uns auf persönlicher und musikalischer Ebene zu verbinden. Wir kochen zusammen, trinken zusammen, tanzen zusammen, haben Gesangsunterricht und viele kreative Workshops hauptsächlich mit Improvisation.

Es ist ein sicherer Raum, in dem es viele kreative Beiträge von jedem gibt und wir versuchen einfach neue Dinge aus. Man lernt sich wirklich gut kennen, lernt sich privat kennen, unsere Familien lernen sich kennen und wir wurden wie eine Familie. Meine Rolle in der Band ist die des Initiators und allgemeinen künstlerischen Schöpfers, dem erlaubt ist zu sagen, was in jedem Konzert passt und was nicht. Wenn wir auf Tournee sind, bringen wir unseren familienähnlichen sicheren Raum auf die Bühne und halten unsere musikalische Bindung lebendig und aktiv - etwas, das bei den meisten Publikum sehr gut ankommt.

Wann kam die Idee, dieses Programm aufzunehmen?

Ich war anfangs sehr widerwillig, The Alehouse Session aufzunehmen. Es ist sehr viel ein Live-Erlebnis. Wir haben zwei verschiedene Konzepte in Betracht gezogen. Entweder machen wir eine Live-Aufnahme, aber dann wird sie die Version von The Alehouse Session. Diese Idee wurde verworfen, weil ich sie lebendig halten wollte und jedes Konzert einzigartig sein sollte. Schließlich treffen wir uns vor jedem Konzert eine halbe Stunde vor der Show, und ich gebe den Musikern die Setlist (welche Stücke gespielt werden und in welcher Reihenfolge), und ich habe alle verschiedenen Setlists, die wir weltweit gemacht haben, in kleinen schwarzen Notizbüchern notiert, so dass ich, wenn wir an einem Veranstaltungsort eingeladen werden, verschiedene Setlists erstellen kann. So halten wir die Aufführung lebendig und frisch. Aber wir mussten irgendwie eine Aufnahme machen, und ich entschied mich, die Melodien und Arrangements auszuwählen, die ich für am besten geeignet hielt, und ging ins Studio. Die Aufnahme von The Alehouse Sessions war sehr erfolgreich mit Auszeichnungen (Opus-Preis in Deutschland 2018) und verschiedenen Nominierungen sowie hervorragenden Rezensionen.

Die großen Anfragen von Publikum, unserem Plattenlabel, Agenten und Promotern in den letzten Jahren waren: Wann kommt dein nächstes Album? So begann ich, über das nachzudenken, was nun The Playhouse Sessions geworden ist. Ich sehe die Alehouse als einen Raum, den ich ständig renovieren kann - oder als einen Baum mit Ästen, die immer weiter wachsen. Das Playhouse ist einer dieser Äste. Dieser Baum hatte natürlich schon ein paar Äste. Zum Beispiel haben wir eine Bühnenfassung der Alehouse gemacht, die wir «the opera pub» nannten (für ein Unternehmen in Dänemark), und zusammen mit einem Theaterunternehmen in Norwegen haben wir A Midsummer Night's Dream gemacht, wo wir Shakespeares Skript und Musik aus der Alehouse, Purcell und eigene Kompositionen integrierten. Ähnlich haben wir andere Äste mit verschiedenen Produktionen von Purcells Dido and Aeneas geschaffen. Wir haben Dido mit Puppen aufgeführt, als Ballettproduktion im Studio (Norwegian National Ballet) usw. All diese verschiedenen Projekte haben gemeinsam, dass wir Musiker auf der Bühne und in Rollen sind, die aktiv zur Handlung jeder Geschichte beitragen, anstatt im traditionellen Orchestergraben zu sitzen.

Also haben wir mit dieser Aufnahme einen weiteren Ast geschaffen. Anstatt das vielleicht Naheliegende zu machen, The Alehouse Session 2, wollten wir etwas von allen anderen Projekten einbeziehen, die wir in den letzten Jahren gemacht haben. Außerdem wollten wir unsere Liebe zu Purcell hervorheben. Er ist wie der Shakespeare der Musik, wo er Musik aus der höheren und niederen Gesellschaft verbindet. Meiner Meinung nach wird Purcell oft zu ernst genommen, manche Leute versuchen, ihn wie Händel oder Bach klingen zu lassen, also wollten wir uns seiner verspielten und volkstümlichen Seite widmen. Diese drei Elemente — zusätzliches Alehouse-Material, eigene Kompositionen aus unseren Bühnendrama's und die Musik von Purcell — kamen alle zusammen auf diesem Album.

Bei all diesen verschiedenen Elementen, wie haben Sie die Reihenfolge für dieses Programm konstruiert?

Das war meine nächste Herausforderung: eine Spielreihenfolge zu finden. Anstatt die verschiedenen musikalischen Quellen abzuwechseln, entschied ich mich, eine musikalische Reise zu schaffen. Es ist eine Art abstraktere Version von A Midsummer Night's Dream / Fairy Queen, in der man der Königin der Feen, Titania, begegnet, ihren Feengehilfinnen begegnet, wenn sie sie zum Einschlafen singen, ihrem Traum, und das Album endet mit Pucks Schlusmonolog. Ohne zu offensichtlich zu sein, versuchte ich, diese Handlung zu schaffen - zumindest als innere Erzählung.

Sie haben auch einige Ihrer eigenen Kompositionen aufgenommen. Waren dies Stücke, die Sie speziell geschrieben haben, um eine Linie in der Erzählung fortzusetzen, oder waren dies Stücke, die Sie früher komponiert haben und dachten, sie passen zum Thema?

Sie wurden speziell für dieses Album geschrieben. Ich habe Ideen aus früheren Produktionen verwendet. Wie aus der Bühnenfassung von A Midsummer Night's Dream. Zum Beispiel ist You Spotted Snakes; Hush No More [Track 08] eine Kombination von "You spotted snakes", wo die Feen für Titania singen, und wenn sie einschläft, geht es zu "Hush no more" über, das wir alle singen.

Das ist noch eine andere Sache, die wir für dieses Album gemacht haben. Ich wollte keinen professionellen Chor engagieren, um diese Teile zu singen. Ich wollte, dass wir es singen, weil das ist, was wir live machen. Und wir werden immer besser darin. (lacht)

Sie erwähnten Live versus Studio. Wie hat der Ortswechsel Ihr Spiel beeinflusst? Oder haben Sie einige der Musik angepasst?

Die Live-Version und die aufgenommene Version repräsentieren beide dasselbe – wer wir sind, was wir sagen und wie wir angehört werden möchten – aber man kann sich der Musik nicht auf die gleiche Weise nähern. Wenn wir live spielen, kann alles passieren. Je nach Umgebung und Stimmung können wir lange Improvisationen machen. Oder wenn jemand einen Fehler macht, lachen wir darüber auf der Bühne. Außerdem haben wir eine Choreographie, wie wir uns bewegen und so weiter. Dies sind Elemente, die für ein Publikum sinnvoll sind, um sie anzuschauen, aber sie haben keinen Platz auf einer Aufnahme.

Gleichzeitig versuchen wir bei einer Aufnahme, die Essenz und den authentischsten Aspekt des Stücks zu finden. Das Ziel ist es, aufgenommene Titel zu präsentieren, die so interessant sind, dass Menschen sie immer wieder anhören, dann müssen wir uns möglicherweise auf ein oder zwei Schlüsselelemente konzentrieren. Wie ist der Schlagzeugbereich in diesem?; wie wäre es, wenn wir uns auf die eigenartigen Rhythmen konzentrieren?; lassen Sie uns diese Wiederholung überspringen und sie verdichteter gestalten. Diese Art von Anpassungen wurden während des Aufnahmeprozesses durchdacht.

Das Album ist jetzt auf CD erhältlich und wird bald auch auf Vinyl verfügbar sein. Aber ich erkunde, es in Dolby Atmos umzuwandeln, um den Eindruck des auditiven Raums zu recreieren, den eine Live-Performance bietet. Die Arrangements unserer Musik können ziemlich dicht sein, mit vielen verschiedenen Instrumenten, die sich mit einfachen Melodien herumtreiben, also mit dieser Technologie können Sie mehr Platz in der Musik schaffen, indem Sie die Instrumente beispielsweise digital im Raum verteilen und so ein immersives Klangerlebnis zu Hause oder in den Kopfhörern von Menschen schaffen.

Bei Klassiek Centraal haben wir eine Playlist namens Selectie van de redactie, in der wir Titel für unsere Leser von besprochenen CDs zusammenstellen. Jedes Mal wählen wir nur einen Titel aus. Also meine abschließende Frage an Sie: Wenn Sie einen Titel zu dieser Playlist hinzufügen müssten, welches Lied würden Sie wählen und warum?

Oh, das ist sehr schwierig. Besonders wenn man so lange mit einem Programm gearbeitet hat. Ich beginne bereits, müde davon zu werden. Nein, nur Spaß. (lacht) Nein, das ist schwierig, da ich glaube, dass es repräsentativ für das Projekt sein sollte. Es könnte The Three Ravens [Track 06] sein, weil es eine alte, traditionelle englische Melodie ist, die eine unserer sehr charakteristischen Signaturarangements hat. Außerdem hat es Per Buhre als Leadsänger, der auch der Leadsänger für The Nordic Sessions in Hasselt sein wird. Entweder dieses oder You Spotted Snakes; Hush No More [Track 08], weil es das theatralische Flair hat und mit Shakespeare zu tun hat, das zum Purcell-Chor führt. Es hat diesen wunderschönen Fluss von einer abstrakteren Einleitung, „You Spotted Snakes", und geht dann in den verlockenden Chor von „Hush No More" über.

Am 26. Oktober spielen Sie The Nordic Sessions im Cultuurcentrum Hasselt. Ich konnte noch keine Informationen zu diesem Programm finden. Kann ich richtig annehmen, dass es eine Version von Alehouse mit nordischen Melodien ist? Was können Menschen während der Aufführung erwarten?

The Nordic Sessions ist ein weiterer Ast des Alehouse-Baums. Ein ziemlich neuer, eigentlich. Deshalb gibt es noch nicht viele niedergeschriebene Informationen. Offiziell haben wir es nur ein- oder zweimal gespielt.

Es hat die Alehouse-Elemente darin. Das heißt, es hat einige der gleichen Spieler, aber der Fokus liegt auf der nordischen Szene und Melodien aus dem 17. und 18. Jahrhundert. Wenn Sie ein nordisches Folk-Programm in einem historischen Kontext machen, muss es den Konflikt zwischen ländlicher und städtischer Musik einbeziehen. In den Städten haben Sie dieses Bürgertum, das richtige, deutschbeeinflusste Musik hört. Das ist sehr elegant. Andererseits haben Sie Musik vom Land, wo sie Instrumente wie die Hardanger-Geige spielen. So, zusätzlich zu meiner normalen Violine, werde ich dieses achtseitive Instrument in The Nordic Sessions verwenden. Die Melodien werden eine Mischung aus alten, ländlichen Melodien und diesen Stadtmelodien sein. Einige der Texte und Geschichten, die wir verwenden, stammen vom schwedischen Dichter Carl Michael Bellman (1740-1795), der unglaublich lustige Texte über Trunkenheit schrieb. Seine Texte werden mit Geschichten aus Norwegen, Dänemark und Schweden kombiniert. Es wird also viel Gesang und Tanz geben - wahrscheinlich ein bisschen Trinken - und alles mit einem Fokus auf die nordische Szene.

Video der Nordic Sessions mit Bellmann

• WHO: Barokksolistene dirigiert von Bjarte Eike
• WHAT: The Playhouse Sessions
• EDITION: RUBICON RCD1096
• ORDER: JPC

Nordic Sessions in Hasselt

• WHEN: 26. Oktober 2022
• WHERE: Cultuurcentrum Hasselt

Info & Tickets