Klarinettist Dries Tack spielt in mehreren zeitgenössischen Musikensembles: Odysseia Ensemble, Nadar Ensemble, Curious Chamber Players und STYX. Letzten Monat veröffentlichte er sein erstes Soloalbum. Adjacent Spaces erforscht die neuen Klangmöglichkeiten der Klarinette anhand von sechs Komponisten. Jeder mit einem einzigartigen Stil und einem einzigartigen Klang bringt einen anderen Klangaspekt in den Vordergrund.
Im Laufe der Jahre bauen Sie als Musiker ein Oeuvre auf. Gab es bestimmte Werke, die Sie unbedingt auf die CD aufnehmen wollten?
Es ist tatsächlich im Laufe der Jahre gewachsen. Im Ensemblekontext bin ich auch auf Solostücke gestoßen und bei manchen Stücken hat man einfach ein Klick. Langsam entstand die Idee einer CD und dank der Pandemie — durch die wir nicht mehr zusammen spielen konnten — rückte ein Soloalbum in den Vordergrund.
Zunächst hatte ich die Idee, alles selbst zu tun: selbst aufzunehmen, selbst zu bearbeiten, selbst zu spielen. Aber nach Aufnahmekursen und ein paar Versuchen stellte sich heraus, dass das gar nicht so einfach war. Man braucht dafür mehr Material und Erfahrung als man zunächst dachte. Also habe ich mir dabei Hilfe geholt.
Die Stücke selbst kannte ich viele bereits. Aber darüber hinaus habe ich auch Komponisten kontaktiert, um für dieses Projekt eine Komposition zu schreiben. Das sind die Werke von Stefan Prins (°1979) und Michael Maierhof (°1956). Im frühen Frühjahr 2020 kontaktierte ich Michael, ob er etwas schreiben wollte, und er antwortete mir sofort per E-Mail: „es ist schon fertig". Er fand die Idee so großartig, dass er sofort anfing zu komponieren. Stefans Komposition ließ etwas länger auf sich warten, da er zu dieser Zeit noch an einer Auftragskomposition arbeitete.
Gibt es einen roten Faden durch das Programm?
Die CD eröffnet mit einem Werk von Salvatore Sciarrino (°1947). Das ist ein Klassiker im zeitgenössischen Klarinettenrepertoire. Es ist auch eines meiner Lieblingswerke. Ich spiele es oft als Aufwärmung, bevor ich andere Dinge einstudiere. Es ist eines der ersten Klarinettenwerke, in dem keine einzige normale Note verwendet wird. Es weicht vollständig von der normalen Spielweise ab. Und das wurde dann auch der Ausgangspunkt dieses Albums.
Let me die before I wake (1982) basiert auf dem gleichnamigen Buch von Derek Humphry. Es ist ein Buch über Euthanasie und körperliches Leiden. Sciarrino vertont dies, indem er Klänge mit Widerstand erzeugt. Ästhetisch ist dies sehr wunderbar.
Im Programmbuch wird erwähnt, dass Sie bei der Aufnahme dieses Werkes auf der Suche nach einer bestimmten Klarinette waren.
Das Werk war ursprünglich für die Voll-Böhm-Klarinette geschrieben — ein Instrument, das einen Halbton tiefer spielen kann als die gewöhnliche B-Klarinette. In den 1870er Jahren versuchten sie, diese Klarinette zum neuen Standard zu machen, aber nach etwa 100 Jahren verschwand sie aus dem Verkehr. Jetzt werden diese nicht mehr standardmäßig hergestellt und sind nur noch in einer Handvoll kleiner Werkstätten erhältlich.
Ich selbst habe eine sehr gute Voll-Böhm-Klarinette, aber für dieses Stück fand ich sie zu gut. Sie spielte zu leicht. Die Idee von Let me die before I wake ist, Widerstand zu erzeugen. Das passte also nicht zum Konzept. Ich hatte zufällig einen Schüler, der mit so einem Instrument zum Unterricht kam. Da habe ich gefragt, ob ich sein Instrument benutzen durfte, und auf diesem Instrument habe ich schließlich die Aufnahme gemacht. Um auf diese Weise die Grenzen des Physischen auszuloten.
Bei dem Stück vermerkt der Komponist ein Gedicht, in dem steht, dass die Nacht am fruchtbarsten für Gedanken ist. Also haben wir dieses Werk nachts aufgenommen. Auch mit der Idee, dass es keinen Lärm geben würde. Aber das entwickelte sich anders. Wir haben die Aufnahme in der Kapelle in Asse gemacht und die liegt an der Straße zum Industriepark in Mollem. Nachts war die Versorgung der Industrie aktiv und ständig fuhren Lastwagen vorbei. Der ganze Boden vibrierte. Und dann hörte man: „Das war eine gute take, aber es war ein Lastwagen. Lass uns es noch mal machen."
Wir haben um 23 Uhr angefangen mit der Aufnahme und um 4 Uhr aufgehört. Denn ich war erledigt und das hört man auch durchgehend im Stück. Es schleicht sich eine Müdigkeit ein. Im Nachhinein bin ich froh darüber, denn das passt vollkommen zur Botschaft der Komposition. Es wurde ein echter Leidensweg.
So wie Krankheit mit Leiden verbunden ist, war diese Aufnahme auch Qual.
Ja, und auch der traditionelle Klarinettenklang stirbt in diesem Werk. Gleichzeitig wird sie auf andere Weise wiedergeboren. Mit neuen Spieltechniken und neuen Klangfarben zum Erkunden. Das wurde dann der rote Faden durch das Album.
Das nächste Werk bietet einen großen Kontrast. Sciarrino balanciert am Rande des Hörbaren. Es ist sehr leise. Auf der CD wird die Dynamik natürlich angeglichen. Aber das nächste Stück refLEction refRAction difFRAction (2016/2019) von Hunjoo Jung (°1982) ist normalerweise sehr laut und in-your-face.
Mit Hunjoo habe ich bereits regelmäßig zusammengearbeitet. Wir sind auch gute Freunde. Hunjoo hat während seines Militärdienstes in Südkorea viel durchgemacht und das verarbeitet er auch in seiner Musik. Er hat eine sehr eigene und charakteristische musikalische Sprache geschaffen.
Während ich Bassklarinette spiele, wird mein Klang aufgenommen und geht direkt auf seinen Computer. In Echtzeit codiert Hunjoo die Software, um meinen Klang zu verändern. Bei einer Live-Aufführung sieht man ihn kräftig auf seinem Computer tippen.
Jung war also bei der Aufnahme anwesend?
Ja, er spielt eigentlich mit. Es ist Kammermusik. Wenn ich einen Klang spiele, den er interessant findet, nimmt er ihn auf und spielt ihn später im Stück. Und meinerseits versuche ich dann manchmal, seinen Klang zu imitieren. Man weiß nicht mehr, welche Klänge von mir stammen und welche von ihm.
Jede Aufführung ist also einzigartig, denn alles geschieht im Moment selbst.
Er hat wohl eine Grundlage geschaffen. Es ist keine freie Improvisation. Es gibt eine Partitur mit einer abgegrenzten Struktur anhand von Modulen, die ich kombinieren kann. Innerhalb der Module gibt es viel Freiheit, aber Parameter wie Dynamik oder bestimmte Klänge sind festgelegt. Es ist fast Co-Komponieren. Es ist eine völlig andere Art der Zusammenarbeit.
Nach dem Werk von Jung folgt eine interessante Spiegelung, die die Mitte der CD einnimmt. In der Komposition Splitting 47 (2020) von Michael Maierhof spielst du nur mit dem Mundstück. Während in dem darauffolgenden Werk, einer überarbeiteten Version von Split Rudder(2016/2019) von Malin Bång (°1974), bei der genau das Gegenteil passiert und du nur den Körper verwendest. Sehr interessant, diese beiden Kompositionen Rücken an Rücken als Mitte der CD einzuteilen.
Das dritte Werk ist eine der Kompositionen, die speziell für dieses Projekt geschrieben wurde. Michaels Stück nutzt nur das Mundstück und den Hals. Michael macht oft seine eigenen Präparationen und hat das auch hier getan. Er arbeitet mit kleinen Plastikbechern, auf die Nägel geklebt sind. Außerdem gab er mir eine Glaskugel auf einem Stab (wie einen Zauberstab) und ich benutze auch eine Stimmgabel. Ich blase durchs Mundstück in die Becher, wodurch diese anfangen mitzuresonieren. Neben dem Grundklang der Klarinette gibt es also noch eine zweite Klangquelle.
Michael hat lange mit den Klängen experimentiert, die er kreieren wollte. Er hat verschiedene Arten von Bechern auf ihre Resonanzqualitäten getestet. Er schickte mir auch verschiedene, um zu sehen, wie unterschiedlich sie auf meine Spielweise reagierten.
Die Art, wie Michael komponiert, ist völlig das Gegenteil von Hunjoo. Michael schickte mir keine Partitur, sondern ein Wellendiagramm mit den Schallwellen. Das war aus seinen eigenen aufgenommenen Improvisationen zusammengesetzt, die er dann aneinander geklebt hatte. Die Aufnahme, die er schickt, muss man dann so gut wie möglich nachahmen. Man nimmt sich dann selbst auf und vergleicht mit der Aufnahme, die er verschickt hat.
Es ist fast konzeptionell. Identisch kann natürlich nie sein, denn du sitzt in einem anderen Raum, verwendest ein anderes Mikrofon, etc. Zuerst versuchte ich, so nah wie möglich heranzukommen, aber davon sind wir dann abgewichen. Letztendlich wurde die Partitur ein Videoscore mit einer Art Karaoke-Linie. Dynamik, Timing und Techniken sind dabei definiert.
Malin ist in ihrem Komponieren wieder völlig anders. Sie hat einen natürlichen und fließenden Flow. In Split Rudder (2016/2019) nimmt sie eigentlich die Identität des Instruments — nämlich das Mundstück — weg. Viel Aufmerksamkeit geht auf die Luft. Man hört einen Menschen spielen. Insofern etwas ähnlich wie Sciarrino.
Ursprünglich wurde das Stück für Paetzold, eine Kontrabass-Blockflöte, geschrieben und basiert auf der schwedischen Ballade Det var Blue Bird av Hull von Evert Taube. Malin verklängt das Lied nicht wortwörtlich, sondern gibt die Atmosphäre der Geschichte wieder, die von einem Sturm auf dem handelt. Bei dieser Aufnahme haben wir neben der Energie des Luftstroms vor allem auf die Details im Klang fokussiert, wie die Abstufungen von Rauschen, Tonhöhen und Artikulationen.
Es sitzt eigentlich ein kleines Mikrofon im unteren Teil des Instruments. Wenn du auf einem Blasinstrument spielst, ohne die Klappen zu schließen, geht die Luft oben weg und erreicht das Mikrofon nicht. Wenn du in der Tiefe spielst, erzeugst du eine Klangbombe.
Es kommt auch ein bisschen Elektronik zum Einsatz. Das funktioniert mit einer Live-Looper, bei der man Fragmente aufnimmt und später wieder abspielen kann. Sie hatte die ursprünglich integriert, um leicht Blätter umblättern zu können. Das war die Grundidee, aber danach ist es zu einem vollwertigen musikalischen Element herangewachsen.
Und wie verlief die Interaktion mit der Komponistin, um die Version für Bassklarinette zu schaffen?
Ich kenne Malin sehr gut. Sie hat eine Gruppe in Schweden, die Curious Chamber Players, bei der ich auch spiele. Bei einem Porträtkonzert von ihr wurde Split Rudder auf Paetzold gespielt. Ich fand das Stück so großartig, dass ich sie fragte, ob sie eine Version für Bassklarinette machen wollte. Und dann haben wir zusammen experimentiert, um die Techniken der Paetzold-Blockflöte auf Klarinette zu übertragen. Es ist ein Stück, das ich inzwischen schon öfter gespielt habe.
Nach Split Rudder folgt wieder eine völlig andere Klangwelt mit Inhibition Space #2 (2021) von Stefan Prins.
Stefan hatte bereits ein Stück Inhibition Space #1 (2020) für ein Trio aus Bassklarinette, Bassflöte und Basoboe. Dabei hat jeder Musiker ein Mikrofon im Instrument und einen Lautsprecher neben sich. Dadurch entsteht Feedback, das (glücklicherweise) zuerst durch einen Computer geht, damit es unter Kontrolle bleibt. Ich fand das ein sehr schönes Stück und habe Stefan darüber angesprochen. Er sagte, dass er eine Serie davon machen wollte, einschließlich einer Version für Bassklarinette solo. Da ich die Idee zur CD hatte, fragte ich ihn, ob er diese Version zuerst schreiben wollte.
Zu diesem Zeitpunkt war Stefan noch sehr beschäftigt mit seinem Konzert für Elektrogitarre, aber ich konnte nicht warten und begann bereits mit dem Konzept zu experimentieren.
Die ursprüngliche Idee war ein Mikrofon und ein Lautsprecher, aber das fand ich zu wenig. Also wurden es zwei Mikrofone und zwei Lautsprecher. So konnte es ein Mikrofon hoch und eines tief im Instrument geben, mit den Lautsprechern immer auf der gleichen Höhe und zueinander gerichtet. So beeinflusst die eine Rückkopplungsgruppe die andere. Es schafft eine Art Ökosystem, in dem die kleinste Bewegung eine Reaktion auslöst. Es ist ein Schmetterlingseffekt. Schon eine Druckveränderung meiner Finger auf den Klappen bringt eine Klangveränderung mit sich. Man kann kaum eine Bewegung machen, ohne einen Klang zu erzeugen.
Nachdem ich das Instrument gebaut hatte, experimentierte ich mit Bewegungen und Handlungen. Stefan sagte mir dann, was er interessant fand und trieb mich in andere Richtungen. Darauf hin entstand die Partitur. Kurz vor der Uraufführung erstellte Stefan hinter der Bühne eine erste Partitur. Diese bestand aus Zeichnungen mit den Handlungen, auf die wir uns geeinigt hatten.
Das letzte Werk stammt erneut von einem südkoreanischen Komponisten. Du endest die CD mit AS LONG AS you LOVE ME(2014/2015) von Ui-Kyung Lee (°1984).
Es ist ganz zufällig, dass es auf dieser CD zwei koreanische Komponisten gibt. Ich wollte dieses Werk unbedingt auf der CD haben, denn damit ist der Kreis sozusagen geschlossen. Das Instrument wird hier völlig auseinander genommen. Das Werk besteht aus sechs Teilen, wobei jeder Teil auf einem anderen Stück der Klarinette gespielt wird. Es beginnt auf dem Fass und endet im letzten Teil sogar ohne Instrument. Der Teil auf dem Fass erinnert etwas an Helmut Lachenmann.
Es klingt tatsächlich nach dem verspielten und humorvollen Stil, der Lachenmann so auszeichnet. Aber wenn man dann den Text im Programmheft liest, steckt dahinter eigentlich eine ernsthafte und politische Bedeutung.
Das ist etwas schwer zu sagen, da die Sprachbarriere bei dieser Zusammenarbeit eine Rolle spielte. Ich spreche kein Koreanisch und Ui-Kyung spricht wenig Englisch. Nach seiner Erklärung schien es darum zu gehen, aber ich bin mir selbst auch nicht ganz sicher.
Das Werk wurde ursprünglich für Klarinette und Keyboard geschrieben. Im Album ist es eine Version für Klarinette und Tape, bei der Geräusche und Samples in Stereo von einem Computer abgespielt werden. So erklingen im letzten Teil ohne Instrument Geräusche von Küssen und Fischgeräusche — die gleichen Geräusche, die ich in diesem Moment auch mache. Es ist ein Dialog zwischen Mensch und Maschine.
Dieses Werk ist eigentlich eine konzentrierte Version der Abkehr von den traditionellen Klarinettenklängen.
Genau. Es beginnt wie gesagt auf dem Fass. Auch der zweite Teil enthält noch Klarinettenklänge wegen des Mundstücks. Ab dem dritten Teil ist der traditionelle Klang völlig weg. In diesem Teil ist das mittlere Teil des Instruments zwischen zwei Schraubstöcken befestigt und man bespielt die Klappen wie eine Schreibmaschine. In jedem Teil geht man eigentlich immer einen Schritt weiter weg. Es endet im humorvollen letzten Teil, in dem ich völlig ohne Instrument spiele, sondern stattdessen mache ich verspielte und kindliche Geräusche mit meinem Mund. Und gerade diese Reduktion auf ein scheinbar banales, aber eigenständiges Material mit positiver Konnotation kann den Raum für die Entstehung neuer Ideen schaffen.
Jedes Werk auf dieser CD ist durch eine völlig andere Klangwelt und einen völlig anderen Kompositionsprozess geprägt.
Das ist das Interessante am zeitgenössischen Kompositionsprozess. Jeder Komponist hat seine oder ihre eigene Methode, was zu einem einzigartigen Klangergebnis führt, das gerade ihn oder sie auszeichnet. Michael Maierhof, der alles aufnimmt, oder Hunjoo Jung, der live kodiert: zwei Extreme mit allem dazwischen. Das war auch die Idee der CD. Es sind alle separate Räume. Es sind alle Adjacent Spaces.
WER: Dries Tack [Klarinette, Bassklarinette]
WAS: Adjacent Spaces
AUSGABEN: Orlando Records OR0046
BESTELLUNG: JPC