Le clarinettiste Dries Tack joue dans plusieurs ensembles de musique contemporaine : Odysseia Ensemble, Nadar Ensemble, Curious Chamber Players et STYX. Le mois dernier, il a sorti son premier album solo. Adjacent Spaces explore les nouvelles possibilités sonores de la clarinette à travers six compositeurs. Chacun avec un style unique et une sonorité unique apporte un aspect sonore différent au premier plan.
Au fil des années, vous construisez en tant que musicien un répertoire. Y a-t-il eu certaines œuvres que vous aviez absolument envie de mettre sur le cd ?
C'est vrai que cela a grandi au fil des années. En musique de chambre, j'ai rencontré aussi des pièces solo et avec certaines pièces vous avez juste un déclic. L'idée d'un cd a lentement émergé et grâce à la pandémie — qui nous a empêchés de jouer ensemble — un album solo s'est imposé.
Au début, j'avais l'idée de tout faire moi-même : enregistrer moi-même, éditer moi-même, jouer moi-même. Mais après des cours d'enregistrement et quelques tentatives, cela n'a pas s'avéré aussi facile. Il faut quand même plus de matériel et d'expérience que je ne l'avais pensé initialement. J'ai donc demandé de l'aide pour cela.
Les pièces elles-mêmes, je les connaissais déjà beaucoup. Mais en plus, j'ai aussi contacté des compositeurs pour écrire une composition pour ce projet. Ce sont les œuvres de Stefan Prins (°1979) et Michael Maierhof (°1956). Au début du printemps 2020, j'avais contacté Michael pour savoir s'il voulait écrire quelque chose et il m'a répondu immédiatement par mail : « c'est déjà terminé ». Il a trouvé l'idée tellement géniale qu'il a commencé immédiatement à composer. La composition de Stefan a pris un peu plus de temps car il travaillait à ce moment-là sur une commande.
Y a-t-il un fil rouge à travers le programme ?
Le cd s'ouvre avec une œuvre de Salvatore Sciarrino (°1947). C'est un classique du répertoire de clarinette contemporain. C'est aussi l'une de mes œuvres préférées. Je la joue souvent comme échauffement avant d'étudier d'autres choses. C'est l'une des premières œuvres pour clarinette dans laquelle aucune note normale n'est utilisée. C'est complètement loin de la façon habituelle de jouer. Et c'est devenu le point de départ de cet album.
Let me die before I wake (1982) est basée sur le livre éponyme de Derek Humphry. C'est un livre sur l'euthanasie et la souffrance physique. Sciarrino traduit cela en créant des sons avec résistance. Esthétiquement, c'est très beau.
Dans le programme, il est dit que pour l'enregistrement de cette œuvre, vous avez cherché une clarinette spécifique.
L'œuvre a été écrite à l'origine pour la clarinette Voll-Böhm — un instrument qui peut jouer un demi-ton plus bas que la clarinette en Si bémol ordinaire. Dans les années 1870, on a essayé de faire de cette clarinette la nouvelle norme, mais après environ 100 ans, elle est tombée en désuétude. Maintenant, elle n'est plus fabriquée en série et ne peut être obtenue que dans quelques petits ateliers.
J'ai moi-même une très bonne clarinette Voll-Böhm, mais pour cette pièce, je l'ai trouvée trop bonne. Elle jouait trop facilement. L'idée de Let me die before I wake est de créer de la résistance. Donc cela ne correspondait pas au concept. J'ai eu par hasard un élève qui venait au cours avec un tel instrument. Je lui ai demandé si je pouvais utiliser son instrument et c'est finalement sur cet instrument que j'ai fait l'enregistrement. Afin de chercher ainsi les limites du physique.
Avec la pièce, le compositeur mentionne un poème dans lequel il est dit que la nuit est la plus fertile pour les pensées. Nous avons donc enregistré cette œuvre la nuit. Aussi avec l'idée qu'il n'y aurait pas de bruit. Mais cela s'est déroulé différemment. Nous avons enregistré dans la chapelle à Asse et celle-ci se trouve le long de la route vers le parc industriel à Mollem. La nuit, il y avait l'approvisionnement de l'industrie et les camions passaient constamment. Tout le sol tremblait. Et puis on entendait : « C'était une bonne prise mais il y avait un camion. Refais-le une fois de plus. »
Nous avons commencé l'enregistrement à 23 heures et arrêté à 4 heures. Car j'étais épuisé et on l'entend aussi à travers la pièce. Une fatigue s'installe. Rétrospectivement, j'en suis heureux car cela correspond parfaitement au message de la composition. C'est devenu un véritable chemin de croix.
Tout comme la maladie s'accompagne de souffrance, cet enregistrement a aussi été une épreuve.
Oui, et le son de clarinette traditionnel meurt aussi dans cette œuvre. En même temps, elle renaît d'une autre manière. Avec de nouvelles techniques de jeu et de nouveaux timbres à explorer. Cela est devenu le fil rouge à travers l'album.
La pièce suivante offre un grand contraste. Sciarrino se balance au bord de l'audible. C'est très silencieux. Sur le cd, la dynamique est bien sûr équalisée. Mais la pièce suivante refLEction refRAction difFRAction (2016/2019) de Hunjoo Jung (°1982) est normalement très bruyante et in-your-face.
J'ai déjà collaboré régulièrement avec Hunjoo. Nous sommes aussi bons amis. Hunjoo a beaucoup vécu pendant son service militaire en Corée du Sud et il le traite aussi dans sa musique. Il a créé un langage musical très particulier et typique.
Pendant que je joue de la clarinette basse, mon son est enregistré et va directement à son ordinateur. En temps réel, Hunjoo code le logiciel pour modifier mon son. Lors d'une représentation en direct, vous le voyez bien en train de taper sur son ordinateur.
Jung était donc présent lors de l'enregistrement ?
Oui, il joue en fait avec moi. C'est de la musique de chambre. Si je joue un son qui lui semble intéressant, il le reprend et le joue plus tard dans la pièce. Et à mon tour, je vais parfois imiter son son. Vous ne savez plus quels sons viennent de moi et quels sons viennent de lui.
Donc chaque représentation est unique car tout se passe dans l'instant même.
Il a créé une base. Ce n'est pas de l'improvisation libre. Il y a une partition avec une structure délimitée basée sur des modules que je peux combiner. Au sein des modules, il y a beaucoup de liberté mais des paramètres comme la dynamique ou certains timbres sont définis. C'est presque de la co-composition. C'est une manière entièrement différente de collaborer.
Après l'œuvre de Jung suit un intéressant miroir qui occupe le centre du cd. Dans la composition Splitting 47 (2020) de Michael Maierhof tu ne joues qu'avec l'anche. Tandis que dans l'œuvre qui suit, une version remaniée de Split Rudder(2016/2019) de Malin Bång (°1974) où exactement l'inverse se produit et tu n'utilises que le corps. Très intéressant de diviser ces deux compositions l'une après l'autre au centre du cd.
La troisième œuvre est l'une des compositions écrites spécialement pour ce projet. Le morceau de Michael n'utilise que l'anche et le tube. Souvent Michael fait ses propres préparations et il l'a fait ici aussi. Il travaille avec des petits gobelets en plastique sur lesquels des clous sont collés. En plus, il m'a donné une boule de verre sur un bâton (comme une baguette magique) et j'utilise aussi un diapason. En soufflant dans les gobelets par l'anche, ils commencent à résonner avec moi. Donc en plus du son fondamental de la clarinette, il y a aussi une deuxième source sonore.
Michael a longuement expérimenté avec les timbres qu'il voulait créer. Il a testé différents types de gobelets selon leurs qualités de résonance. Il en a aussi envoyé plusieurs pour voir comment ils réagissaient différemment à ma façon de jouer.
La façon dont Michael compose est entièrement l'opposé de Hunjoo. Michael ne m'a pas envoyé une partition mais un graphique d'onde avec les ondes sonores. C'était composé à partir de ses propres improvisations enregistrées qu'il avait ensuite collées et découpées ensemble. L'enregistrement qu'il envoie, tu dois alors essayer de le reproduire aussi fidèlement que possible. Tu t'enregistres puis tu compares avec l'enregistrement qu'il t'a envoyé.
C'est presque conceptuel. Identique, bien sûr, c'est impossible puisque tu es dans une pièce différente, tu utilises un autre micro, etc. Au début, j'ai essayé de m'en rapprocher au maximum mais on a finalement abandonné. Finalement, la partition est devenue une partition vidéo avec une sorte de ligne de karaoké. La dynamique, le timing et les techniques y sont définis.
Malin compose d'une manière entièrement différente à nouveau. Elle a un flow naturel et fluide. Dans Split Rudder (2016/2019), elle enlève en fait l'identité de l'instrument — c'est-à-dire l'anche. Beaucoup d'attention est accordée à l'air. Tu entends un être humain jouer. À cet égard, c'est un peu similaire à Sciarrino.
À l'origine, la pièce a été écrite pour Paetzold, une flûte à bec contrebasse, et elle est basée sur la ballade suédoise Det var Blue Bird av Hull d'Evert Taube. Malin ne met pas le chant en musique littéralement mais restitue l'atmosphère de l'histoire, qui parle d'une tempête sur la. Dans cet enregistrement, nous nous sommes concentrés à côté de l'énergie du courant d'air surtout sur les détails du timbre, comme les gradations de bruit, les hauteurs de ton et les articulations.
Il y a en fait un micro dans la partie inférieure de l'instrument. Quand tu joues d'un instrument à vent sans fermer les touches, l'air s'échappe par le haut et n'atteint pas le micro. Quand tu joues dans le grave, tu crées une bombe sonore.
Il y a aussi un petit peu d'électronique. Cela fonctionne avec une boucle en direct, où tu enregistres des fragments et puis tu peux les rejouer plus tard. Elle l'avait intégré à l'origine pour que tu puisses facilement tourner les pages. C'était l'idée de base, mais ensuite elle s'est développée en un véritable élément musical.
Et comment s'est déroulée l'interaction avec la compositrice pour créer la version pour clarinette basse?
Je connais très bien Malin. Elle a un groupe en Suède, les Curious Chamber Players, et je joue aussi avec eux. Lors d'un concert portrait d'elle, Split Rudder a été joué sur Paetzold. J'ai tellement aimé cette pièce que je lui ai demandé si elle voulait en faire une version pour clarinette basse. Et puis nous avons expérimenté ensemble pour traduire les techniques de la flûte à bec Paetzold à la clarinette. C'est une pièce que j'ai jouée plusieurs fois depuis.
Après Split Rudder suit à nouveau un monde sonore entièrement différent avec Inhibition Space #2 (2021) de Stefan Prins.
Stefan avait déjà écrit une pièce Inhibition Space #1 (2020) pour un trio de clarinette basse, flûte basse et hautbois basse. Chaque musicien a un microphone dans l'instrument et un haut-parleur à côté de lui. De cette façon, tu crées une rétroaction qui (heureusement) passe d'abord par un ordinateur pour rester sous contrôle. J'ai trouvé que c'était une pièce très amusante et j'en ai parlé à Stefan. Il a dit qu'il voulait en faire une série, y compris une version pour clarinette basse solo. Puisque j'avais l'idée du cd, je lui ai demandé s'il voulait d'abord écrire cette version.
À ce moment-là, Stefan travaillait encore dur sur son concerto pour guitare électrique mais je ne pouvais pas attendre et j'ai commencé à expérimenter avec le concept.
L'idée originale était un micro et un haut-parleur mais je trouvais ça un peu peu. Donc ce sont devenues deux micros et deux haut-parleurs. Ainsi, il pouvait y avoir un micro haut et un bas dans l'instrument, avec toujours les haut-parleurs à la même hauteur et dirigés l'un vers l'autre. De cette façon, un groupe de rétroaction influence l'autre. Cela crée une sorte d'écosystème où le moindre mouvement provoque une réaction. C'est un effet papillon. Même un changement de pression de mes doigts sur les clés produit un changement de son. On ne peut pratiquement pas bouger sans générer un son.
Après avoir construit l'instrument, j'ai expérimenté des mouvements et des actions. Stefan disait alors ce qu'il trouvait intéressant et m'orientait dans d'autres directions. Sur cette base, la partition a été créée. Juste avant la création, Stefan a fait en coulisse une première partition. Elle consistait en des dessins représentant les actions que nous avions convenues.
La dernière œuvre provient à nouveau d'une compositrice sud-coréenne. Vous terminez le cd avec AS LONG AS you LOVE ME(2014/2015) de Ui-Kyung Lee (°1984).
C'est tout à fait un hasard qu'il y ait deux compositeurs coréens sur ce cd. Je voulais absolument avoir cette œuvre sur le cd parce qu'avec elle, le cercle est en quelque sorte bouclé. L'instrument est complètement démonté ici. L'œuvre se compose de six parties, chaque partie étant jouée sur une autre partie de la clarinette. Elle commence sur le tonelet et se termine dans la dernière partie même sans instrument. La partie sur le tonelet rappelle un peu Helmut Lachenmann.
Cela sonne en effet comme le style ludique et humoristique qui caractérise tellement Lachenmann. Mais quand on lit alors le texte dans le livret du programme, il y a en fait une signification sérieuse et politique derrière.
C'est ce qui est un peu difficile à dire puisque la barrière linguistique a joué un rôle dans cette collaboration. Je ne parle pas coréen et Ui-Kyung parle peu l'anglais. Sur la base de son explication, il semblait qu'il s'agissait de cela, mais je ne suis pas moi-même complètement sûr.
L'œuvre a été écrite à l'origine pour clarinette et clavier. Sur l'album, c'est une version pour clarinette et bande où des sons et des échantillons sont joués en stéréo à partir d'un ordinateur. Ainsi, dans la dernière partie sans instrument, on entend des sons de baisers et des bruits de poissons — les mêmes sons que je fais aussi à ce moment-là. C'est un dialogue entre l'homme et la machine.
Cette œuvre est en fait une version condensée de l'abandon des sons de clarinette traditionnels.
En effet. Elle commence, comme dit, sur le tonelet. La deuxième partie contient également encore des sons de clarinette en raison de l'anche. À partir de la troisième partie, le son traditionnel a complètement disparu. Dans cette partie, la section centrale de l'instrument est fixée entre deux étaux et vous jouez les clés comme une dactylographe. Dans chaque partie, vous avancez en quelque sorte d'un pas de plus. Elle se termine dans la dernière partie humoristique où je joue complètement sans instrument mais où je fais à la place des sons ludiques et enfantins avec ma bouche. Et c'est précisément cette réduction à un matériau apparemment banal, mais idiosyncratique avec une connotation positive qui peut créer l'espace pour l'émergence de nouvelles idées.
Chaque œuvre sur ce cd se caractérise par un univers sonore complètement différent et un processus de composition entièrement différent.
C'est ce qui est intéressant dans le processus de composition contemporain. Chaque compositeur a sa propre méthode, ce qui conduit à un résultat sonore unique qui les caractérise justement. Michael Maierhof qui enregistre tout ou Hunjoo Jung qui code en direct : deux extrêmes avec tout ce qui les sépare. C'était aussi l'intention du cd. Ce sont tous des espaces séparés. Ce sont tous des Adjacent Spaces.
QUI : Dries Tack [clarinette, clarinette basse]
QUOI : Adjacent Spaces
ÉDITION : Orlando Records OR0046
COMMANDER : JPC