Pianistin Marie François bringt am Samstag, 21. und Sonntag, 22. Februar Le Carnaval des Animaux von Camille Saint-Saëns (1835-1921) zum Leben in Schouwburg De Kern in Wilrijk (https://www.schouwburgdekern.be/voorstellingen/marie-francois-presenteert-t7zm). Zusammen mit einer ausgewählten Gruppe von Top-Musikern und Schauspieler Koen De Bouw als Erzähler lädt sie Jung und Alt zu einer fantasievollen Reise durch eine Welt von Tieren und Musik ein. Anlässlich dieses Konzerts haben wir mit ihr über die Entstehung von Musik in Live-Auftritten, über das Zuhören, die Interpretation und die Begegnung zwischen Ausführendem und Publikum gesprochen.
Der Saal atmet mit
Live-Musik entsteht nicht im Vakuum. „Für mich beginnt ein Konzert mit dem echten Musikmachen, der Erfahrung im Raum: die Vibrationen, die Energie, die Atmosphäre, die Geschichte, das Handwerk, der Austausch zwischen Musiker, Musik, Instrument und Publikum. Das macht jeden Moment einzigartig", sagt Marie François. Sie bemerkt gleichzeitig, wie unterschiedlich das von dem ist, was wir heutzutage über soziale Medien oder Streaming hören. „Alles dort ist so bearbeitet und überarbeitet, dass es oft weit entfernt vom Live-Geschehen ist. Trotzdem haben die meisten Menschen dadurch ein Gehör für Perfektion entwickelt – ein Ideal, das nicht realistisch ist. Diese Spannung gehört zur Live-Musik und macht Kommunikation verletzlich und lebendig."
Während eines Konzerts erlebt François diese Kommunikation in Momenten gemeinsamer Konzentration: wenn sich die Energie im Saal spürbar verschiebt und eine subtile Abstimmung zwischen ihr, der Musik, dem Instrument und dem Publikum entsteht. „Das geschieht auf einer fast präverbalen Ebene", erklärt sie, „wo es weniger um Erklärung oder Interpretation geht und mehr um Resonanz – Klang, Vibrationen, Atmung und Aufmerksamkeit."
Sie verweist auf Mihály Csíkszentmihályi's Flow: der Moment, in dem sich Fokus, Handlung und Wahrnehmung zusammenfallen. Manchmal ist es eine kollektive Erfahrung, manchmal ein intimer Dialog zwischen Musiker, Instrument und Musik. „Ein Saal voller Menschen, die sich nicht kennen, mit unterschiedlichsten Hintergründen, die zusammen in Stille zuhören, ohne Ablenkung, bleibt etwas Außergewöhnliches und fast Magisches. Wo findet man heute noch solche Orte? Es ist eine fast seltene Erfahrung, in der Ausführender und Publikum einen gemeinsamen Strom erreichen."
Körper und Klang im Dialog
Dieser gemeinsame Strom ist nicht nur mental, sondern auch körperlich. Musik entsteht für sie im Zusammenspiel von Ohr, Atem, Gewicht und Berührung. Der Körper fungiert als stiller Vermittler zwischen Partitur und Klang, zwischen Absicht und Realität. „Meine Hände, Ohren und mein Atem bilden ein Ganzes. Es ist ein Gespräch mit dem Instrument, das ständig reagiert", sagt sie. So wird Hören nicht nur eine mentale Übung, sondern auch eine physische Praxis, die sowohl das Spiel als auch die Interaktion mit dem Publikum vertieft.
Die Kommunikation wird durch den Dialog mit dem Publikum weiter verstärkt. Nicht als zusätzliches Element, sondern als integraler Bestandteil ihres Musikertums. Indem sie etwas über die Werke erzählt, lädt sie Zuhörer in ihre Gedankenwelt und die des Komponisten ein. „Indem ich verbalisiere, was mich beschäftigt, bleibe ich scharf, denke weiter und verhindere, dass ich stehen bleibe", sagt François. „Es ermöglicht mir auch, Risiken einzugehen, ohne zu gefallen, und zeigt, wer ich bin hinter dem Klavier: neugierig, begeistert und voller Liebe für dieses Repertoire."
Repertoire als Geschichte
Ihre Repertoireentscheidungen entspringen dem gleichen Gedanken. Ein Programm ist nie bloß eine ästhetische Aufzählung, sondern ein dramaturgisches Ganzes. François vergleicht es mit einem sorgfältig zusammengestellten Menü: nicht nur die Qualität jedes einzelnen Gerichts zählt, sondern vor allem der Zusammenhang, die Spannungsbögen und der Atemraum. „Ich stelle mir Fragen wie: Wie verhalten sich die Stücke in Form und Harmonik zueinander, und wie führt ein Werk das Ohr zum nächsten? Die Palette ist nie fest; sie bewegt sich mit, wer ich in diesem Moment bin." Da das Klavierrepertoire so reich ist, fühlt sie eine Verantwortung, Entscheidungen zu treffen, die etwas erzählen – über eine Periode, eine Idee, eine innere Reise.
Freiheit, Treue und Interpretation
Für François gibt es keine „definitive" Interpretation. Jede Aufführung ist zeitlich begrenzt, gebunden an einen Moment, einen Saal, ein Publikum und daran, wer sie in diesem Augenblick als Musikerin ist. „Es ist eine ständige Abwägung: Treue zur Partitur, aber auch Treue zum Moment und zu mir als Ausführende. Wenn Freiheit sich von Notwendigkeit loslöst, fühlt es sich sinnlos an. Wenn Treue zu einem Dogma wird, erstickt sie die Musik." „Ich versuche immer ein Gleichgewicht zu finden: Freiheit darf nie willkürlich werden, und Treue darf nie beengend wirken."
Kontext als Inspiration, Freiheit als Leitfaden
Diese Sichtweise wurde kürzlich durch ihre Arbeit zu Frédéric Chopin (1810-1849) verstärkt. Eine Zeit in Warschau brachte sie buchstäblich und figurativ näher an seine Lebenswelt. Sie besuchte das Chopin-Institut, studierte Faksimiles, sah sein letztes Klavier und arbeitete mit Pädagogin Ewa Pobłocka. „Ich absorbierte so viele Eindrücke und Geschichten wie möglich, wie ein Schwamm, und ließ sie musikalisch als Inspiration einwirken. Es motivierte mich auch, weiter zu studieren, was manchmal eine einsame Beschäftigung ist", erzählt sie. „Gleichzeitig muss man sich als Ausführende von Nostalgie oder übermäßiger Verherrlichung losmachen; historisches Wissen nährt die Vorstellung, darf aber das Spiel nicht fixieren."
Chopins Musik wird oft mit Melancholie und Introspektivität verbunden, aber diese emotionale Belastung drängt sich nach Angaben von François von selbst auf, sobald man wirklich auf Stimmführung und Harmonie hört. Was sie bewusst vermeidet, ist Effekthascherei und bloße Virtuosität. "Chopins Stärke liegt weniger im Extro vertierten als im Erzählenden und Vokalen seiner Musik. Es geht um Nuance, Intimität und eine Freiheit, die niemals unverbindlich ist, sondern der Musik immer dienlich. Indem man das Spektakuläre nicht erzwingt, bleibt Platz für Belcanto, Poesie und Intimität." "Die Nocturnes werden oft als ‚intime Salonmusik' bezeichnet, aber ich sehe das nicht als Einschränkung; es ist vielmehr ein Schlüssel zu ihrer Kraft."
Leichtigkeit und Tiefgang in Kammermusik
Diese Haltung prägt ihre Projekte außerhalb des traditionellen Recitals. In Le Carnaval des animaux von Saint-Saëns, das in einem theatralischen Kontext aufgeführt wird, sieht François keinen Gegensatz zwischen Vergnügen und Tiefgang. "Die Zusammenarbeit mit Top-Musikern aus verschiedenen Bereichen bedeutet ständiges Zuhören, Reagieren und Atmen. Das Klavier kann Motor sein, Farbe oder Stütze — und viele Entscheidungen entstehen spontan. Das Werk ist Kammermusik im reinsten Sinne: eine Stimme in einem bunten Ganzen, nicht hierarchisch geführt."
Das Gleichgewicht zwischen Vergnügen und Tiefgang liegt darin, diese Leichtigkeit ernst zu nehmen: Indem man präzise, transparent und ohne Effekthascherei spielt, bleibt die Musik zugänglich und reich. "Die Rolle des Klaviers verschiebt sich ständig: manchmal Motor, manchmal Farbe, manchmal Stütze. Das Zusammenspiel erfordert Vertrauen und Aufmerksamkeit für Timing und Klang, und viele Entscheidungen entstehen spontan."
Atmen, verwundbar sein, loslassen
Über Zugänglichkeit spricht François mit Differenziertheit. Sie wendet sich gegen die Vorstellung, dass klassische Musik nur für Eingeweihte ist. "Die Hürde liegt selten bei der Musik selbst. Ich vereinfache die Musik nicht, ich vereinfache die Hürde. Durch Kontextualisierung, durch das Teilen dessen, warum ein Werk mich rührt, und durch das Zeigen, wo man atmen darf und wo nicht, wird das Hören vertieft, nicht abgeflacht. Der Ausgangspunkt ist immer Respekt: vor der Musik und vor dem Publikum."
Verwundbarkeit spielt auch eine Rolle in ihrer Sicht auf Perfektion. Den höchsten Druck empfindet sie vor allem von sich selbst. Zweifel und Suchen gehören zum ernsthaften Musikmachen dazu. "Horowitz sagte einmal: ‚When I practice, I practice for perfection. When I perform, I let it go.' Perfektion als Vorbereitung ist essentiell; auf der Bühne lasse ich es los. Diese Spannung zwischen Vorbereitung und Loslassen ist der Kern des Musikmachens." "Die Angst, stehen zu bleiben oder mich selbst zu wiederholen, ist täglich präsent, aber ich sehe sie als Teil des Prozesses."
In einer Welt der Beschleunigung und Polarisierung sieht François klassische Musik als mehr als Ästhetik. Ein Konzert erfordert nachhaltige Aufmerksamkeit und bietet eine andere Zeiterfahrung. "Der Moment nach der letzten Note, vor dem Applaus einsetzt, ist für mich auch Teil der Musik. Es ist ein subtiler Übergang, ein Atemraum, ein kollektives Bewusstsein." "Ich hoffe, dass Hörer nach einem Konzert etwas von ihrem eigenen Atem, ihrer Aufmerksamkeit und ihrer Fähigkeit zur Nuance mitnehmen — nicht nur die Noten."
Die Frage, die sie seit Jahren begleitet, ist radikal einfach: Lohnt es sich weiterzumachen? Weitermachen bedeutet für sie nicht, weiter zu rennen, sondern langsamer, ehrlicher und selektiver zu wählen. "Diese Frage habe ich mir immer gestellt, und meine Antwort ist die gleiche geblieben, aber ich bin milder zu mir selbst und strenger gegenüber allem, das nicht essentiell ist. Weitermachen bedeutet selektiv zu wählen, weniger beim Lärm mitzumachen, und Projekte in den Mittelpunkt zu stellen, die die Musik wirklich nähren."
Neues Projekt: Die Jahreszeiten
Marie François arbeitet derzeit an einem ehrgeizigen Projekt namens Die Jahreszeiten, in dem Musik von Peter Tchaikovsky (1840-1893), Zeit und Vorstellung auf besondere Weise zusammenkommen. Anstelle eines traditionellen, abgerundeten Recitals entfaltet sich dieses Werk Monat für Monat, so dass das Publikum ein rhythmisches, zyklisches Erlebnis hat. François erklärt, wie dieser Aufbau ihre Art zu proben, zu spielen und zu hören beeinflusst: "Weil sich Die Jahreszeiten Schritt für Schritt entfalten, bereite ich mich nicht auf einen Höhepunkt vor, sondern auf einen Rhythmus. Jeder Monat erfordert eine andere Konzentration und Farbe, und das, was ich im ersten Monat entdecke, resoniert später wieder zurück. Diese Zyklizität macht es intimer und weniger ‚fertig' als ein traditionelles Recital."
Das Projekt (https://www.eprclassic.eu/de-seizoenen) passt nahtlos zu ihrer Überzeugung, selektiv Werke zu wählen, die die Musik wirklich nähren. Zur Wahl von Die Jahreszeiten sagt sie: "Es fühlte sich wie ein Projekt an, das die Musik wirklich nährt, weil es nicht um ‚mehr' geht, sondern um Tiefe. Es verbindet Repertoire mit Bedeutung, mit Zeit, mit anderen Stimmen — und mit dem Publikum. Ich spürte: Das ist genau das, was ich jetzt aufbauen möchte. Und das ist vor allem ein Bauchgefühl. Sobald ich wirklich etwas spüre, gehe ich dafür."
Freiheit zwischen den Noten
„Jedes Konzert ist ein Neubeginn", sagt sie. „Die Noten verschwinden, aber der Atem, die Aufmerksamkeit und die Präsenz bleiben hängen. Das ist das schönste Geschenk: ein geteilter Raum, in dem jeder kurzzeitig fühlt, zuhört und mit der Musik atmet."
In diesen Momenten wird klassische Musik zu einer Übung in Verletzlichkeit und Freiheit. Nicht als Flucht, sondern als Ort, um zur Nuance zurückzukehren, zum Atem, zur Spannung zwischen Vorbereitung und Loslassen. In der Stille nach der letzten Note liegt das Versprechen, immer wieder neu zu beginnen – ein geteilter Strom, zerbrechlich und kostbar, der nie aufhört zu existieren. „Freiheit und Treue, Verletzlichkeit, Zeit, Stille und das Teilen meines Prozesses: das sind die Kernpunkte, die ich weitergeben möchte."
Musik beginnt und endet niemals bei den Noten selbst. Für François ist es ein Strom, der sich immer wieder entfaltet, ein Raum, in dem Ausführender und Publikum sich begegnen, in dem Klang sich in Erlebnis verwandelt und Stille in Bedeutung.