Fragile

Door de Nacht In der heutigen Welt verwandelt sich die Flöte von einem Instrument zu einem Tor der Klangkunst, einem Raum, in dem Atem und Stille, Materie und Licht sich treffen und auflösen. Mit tiefem Einfühlungsvermögen und kompromissloser Präzision nimmt uns Alessia Scilipoti auf eine musikalische Reise mit, die die Grenzen der Technik übersteigt und das Reich der Geste als poetische und meditative Handlung erforscht. Ihre Flöte produziert nicht nur Klang – sie erzählt Geschichten von Zerbrechlichkeit, Spannung, Geheimnis und Offenbarung. In dieser ausgedehnten und komplexen Landschaft tritt Alessia Scilipoti als eine Figur mit seltener Balance in Erscheinung, fähig, interpretative Sensibilität mit technischer Präzision in einem Projekt zu verbinden, das zu einer tiefgreifenden Untersuchung der vielfältigen ausdrucksstarken Möglichkeiten der Flöte wird. Durch ein Repertoire, das Komponisten mit unterschiedlichen geografischen und generationalen Hintergründen umfasst, nimmt dieses Werk dich mit auf eine Reise, die sich zwischen Landschaften intensiver Introspektionen und Momenten pulsierender Energie entfaltet, zwischen schwebenden Stille und reichhaltigen Klangfarben. Die künstlerische Vision hinter diesem Album geht auf das zeitgenössische Flötenrepertoire ein, indem sie einem subtilen Faden folgt, der Musik, Wort und Literatur zu einem Dialog verwebt, der Epochen und Kulturen übersteigt. Dies ist keine bloß technische Übung oder eine einfache Sammlung von Stücken – es ist eine intime und strenge Reise zur ausdrucksstarken Kraft des Instruments als Medium, das in der Lage ist, die Tiefe poetischer Sprache, die Stille der Erinnerung und die Spannungen der menschlichen Seele in Klang zu übersetzen. Die Repertoireauswahl spiegelt diese Vision wider und präsentiert Werke, die eine tiefe Verbindung zu literarischen Texten oder zu poetischen und philosophischen Anregungen herstellen, oft an der Grenze zwischen Anwesenheit und Abwesenheit, Rede und Stille. Die Reise beginnt mit Voice von Toru Takemitsu (1930-1996), einer Schlüsselfigur der japanischen Musik des 20. Jahrhunderts, dessen Poesie durch das östliche Konzept von ma, dem leeren Raum, der Klang Bedeutung und Wert verleiht, genährt wird. Takemitsu verwendet hier ein Fragment aus einem Gedicht von Shuzo Takiguchi („Handgemachte Sprichwörter"), fragmentarisch in einer bemerkenswerten zweisprachigen Mischung aus Französisch und Englisch vorgetragen: "Qui va là? Qui que tu sois, parle, transparence! Wer geht dorthin? Sprich, Transparenz." Neben der literarischen Quelle basiert die Musik auf einer poetischen Idee von Abwesenheit und Anwesenheit, einem stillen, aber tiefgreifend ausdrucksstarken Dialog, der an Zen-Meditation erinnert. Die Spannung zwischen Stille und Klang wird zu einer Einladung, das Unsichtbare wahrzunehmen und von dem durchdrungen zu werden, was ungesagt bleibt – eine einleitende Geste, die den Ton für das gesamte Album setzt. Eine Elegie kontrastierender Gefühle entfaltet sich in Dolce tormento von Kaija Saariaho (1952–2023), geprägt durch die rhetorische Figur des Oxymorons, so teuer für Petrarca und ewig relevant. Inspiriert von Sonett 132 aus Petrarcas Canzoniere (1304–1374), verkörpert die Musik die Komplexität einer Liebe, die sowohl süß als auch schmerzhaft ist, ausgedrückt in einer musikalischen Sprache, die poetische Linearität zugunsten emotionaler Spannung und nuancierter Timbre-Expression austauscht. Vielleicht spiegelt die Wahl der Piccoloflöte – ein helles und lebendiges Instrument par excellence – um eine zarte, liebevolle, introvertierte Linie zu zeichnen, das Petrarchische Oxymoron wider? Oder ist die Wahl dieses Dichters, eines Ecksteins der europäischen lyrischen Tradition, vielleicht eine Erinnerung daran, wie zeitgenössische Musik in einem fruchtbaren und lebendigen literarischen Erbe verwurzelt bleibt, ständig durch Klang erneuert? Das Gefühl der Auflösung und die Zerbrechlichkeit der Sprache kommen in Dying Words II von Richard Barrett (geb. 1959) zum Ausdruck, einer Meditation über das Ende der Sprache und die Vergänglichkeit der Bedeutung. In diesem Sternbild von Klängen, verwoben mit Worten, geht Barrett bereits im Titel weit: "Dying Words – Solo zangeres met fluit", wodurch er die Flöte als eine Art Verlängerung suggeriert – vielleicht sogar nicht wesentlich – der stimmlichen Aufführung durch den Flötisten (der vielleicht in Wirklichkeit gar keiner ist...). Hier wird Musik zu einem liminalen Raum, in dem Wörter sich entfalten und zu reiner klanglicher Materie transformiert werden, wobei die Grenze zwischen Rede und Stille aufgerufen wird, zwischen dem, was gesagt werden kann, und dem, was unsagbar bleibt. Als zentrale Figur der zeitgenössischen englischen Musik erforscht Barrett die Poesie des Verlustes und deutet einen Weg an, der zu einer Metapher für die Existenz selbst wird. In den Ausführungsnotizen des Stücks gibt Barrett Anweisungen, die so präzise sind, dass es sich lohnt, sie hier vollständig zu zitieren, als Einleitung zum Hören: Der japanische Text (aus dem Heike-monogatari, Anm. d. Red.) wird in Transliteration präsentiert und sollte mit größter Aufmerksamkeit für die Aussprache der japanischen Sprache aufgeführt werden, (…) indem jedem Phonem (…) eine individuelle „Farbe" verliehen wird. Plosive am Anfang von Sätzen sollten im Allgemeinen sehr kraftvoll artikuliert werden, bis zu dem Punkt, dass sie einen übertriebenen Übergabe in den Flötenton erzeugen, abhängig von der Dynamik (…). Der Aufführer von Dying Words (II) wird in erster Linie ein Sänger sein, mit Altsstimmbereich und einigen Fähigkeiten beim Flötenspiel (…) Im mehrdeutigen Charakter der „zurückhaltenden Fantasie für Flöte" Incauto incanto bringt Mario Garuti (geb. 1957) eine Dimension hervor, in der Verzauberung mit Ungewissheit durchdrungen ist, und skizziert eine emotionale Landschaft, die zwischen Schönheit und Unbehagen schwebt. Basierend auf einem Gedicht von Jean Cocteau (Foudroyer, 1954 – zu übersetzen als „schlagen" oder „explodieren"), beschwört das Stück eine poetische Vorstellung auf, genährt durch innere Gegensätze und Spannungen. Es spielt mit Transparenz und Schatten und lädt zu einer sorgfältigen Lektüre subtiler Klangfarben ein, bereichert durch die Vokalisierung des Textes, die zum zusätzlichen und bereichernden Element der Klangpalette wird. Garuti selbst stellt fest, dass der Text „so aussehen sollte, als wäre er durch die Klänge geformt, genauso wie er sie formt." Die Beziehung zur Erinnerung und zu einer Art akustischer Technologie kommt in Tape Machine für Altflöte aus 1972 von Vincenzo Parisi (geb. 1984) zum Ausdruck, ein Komponist, der klassische und Rocktraditionen überbrückt. Ein Vers aus einem Rituallied aus dem marokkanischen Dorf Oulmès ("Issur Rabbi Attiahthr Awa!" — "Wir müssen uns keine Sorgen machen, Gott wird alles lösen!") dient, ebenso wie in Garutis Werk, nur als Vorwand, um das Klangfarbenpotential des Instruments zu erweitern. Die bewusste Wahl der Altflöte verstärkt die Resonanz der Textfragmente, die hier äußerst sparsam verwendet werden. Das Stück wird zu einer Reflexion über die Materialität von Klang und seine Beständigkeit in der Zeit. Auch ohne literarischen Text in der Komposition erzählt die Musik eine Vergangenheit, die sich in der Gegenwart offenbart – eine Einladung zum Nachdenken über die Spuren, die die Erinnerung hinterlässt, über die Schichtung von Erfahrungen, die in Klang verwurzelt sind, ohne eine endgültige Schlussfolgerung zu diktieren, sondern dem Urteil des Zuhörers überlassen – und vielleicht auch dem Göttlichen: Inch'Allah. Im Mittelpunkt des Albums steht die Intensität von Der Umriss, komponiert 1984 von Antonio Giacometti (geb. 1957) für die Darmstadt Ferienkurse. In diesem Stück ist der poetische Text von Nelly Sachs (1891-1970) untrennbar mit dem musikalischen Material verbunden. Als wichtige Stimme in der deutschen Literatur des 20. Jahrhunderts behandelt Sachs' Werk Exil, die Erinnerung an den Holocaust und die Suche nach Erlösung. Ihre Schlüsselwörter tauchen kraftvoll in einem üppigen Vokabular ausgedehnter Techniken auf, typisch für die 1980er Jahre: "Komet des Todes", "Der Schatten kalligraphie als Nachlass". Der Titel, im Englischen kaum exakt zu übersetzen, könnte als "Umriss" oder "Kontur" übersetzt werden, in Anspielung auf den schmerzhaften Versuch, einem Unsagbaren Leid Form zu geben – an das, das danach übrigbleibt, an eine Vergangenheit, die sich einer Definition entzieht. Die Musik wird so zu einer tiefgreifenden Interpretation dieser ergreifenden Poesie, die mit der Flöte die Konturen einer ergreifenden Erfahrung des Verlustes skizziert. Die Reflexion über die Grenze zwischen Geist und Körper, zwischen Bewusstsein und Loslassen, kehrt in Alpha Waves von Malin Bång (geb. 1974) zurück, inspiriert durch Alpha-Gehirnwellen, die einen Zustand inneren Gleichgewichts markieren. Obwohl das Stück literarische Texte vermissen lässt, bietet es explizite Anweisungen über die Muskel-, Atem- und okularen Zustände, die mit dem Alpha-Wellen-Zustand assoziiert werden. Der Aufführer wird dazu angeregt, seine Stimme als Verlängerung des instrumentalen Körpers zu nutzen. Die Musik wird zu einer meditativen oder sogar lähmenden Erfahrung – eine Suche nach innerer Harmonie, übersetzt in fließende und umhüllende Klänge, die einen Zustand von Stille und Suspension hervorrufen können, bis zum letzten Ausatmen. Die Reise endet mit Dia Nykta von Fausto Romitelli (1963-2004), das den Zuhörer in eine nächtliche und visionäre Welt eintaucht, bevölkert von archetypischen Bildern und mythischer Vorstellung. Basierend auf einem Fragment des griechischen Lyrikers Ibycus (in der Partitur zitiert als: "Flegéton, ài per dià nykta makràn/séiria pamfanòonta", von Quasimodo übersetzt als "Sie blasen durch die Nacht, endlos/die strahlendsten Sterne"), beschwört das Stück eine ahnenhafte und mysteriöse Dimension auf und verwandelt Musik in eine Erzählung ohne Worte, die aus den tiefsten Wurzeln des kollektiven Unterbewusstseins schöpft. Dia Nykta, in sehr jungem Alter komponiert, blieb Romitellis einziges Solowerk für Flöte, da sein Leben durch Krankheit tragisch unterbrochen wurde. Ein glänzendes Beispiel seiner kristallklaren musikalischen Vorstellung – wie die Sterne, die in Ibycus' Vers aufgerufen werden – zeigt das Stück eine Reife und Handwerkskunst, die sein Alter weit übersteigt. In dieser Verflechtung von Musik und Literatur, von Wort und Stille, schafft Alessia Scilipoti ein kohärentes und tiefgreifendes Projekt, das uns einlädt, die Flöte neu zu überdenken, nicht nur als musikalische Stimme, sondern auch als poetische und erzählende Stimme. Ihre Repertoireauswahl und ihre Sensibilität beim Ansatz jeder Komposition verleihen der musikalischen Geste eine neue Dichte, eine Dichte, die fähig ist, das Hören zu reizen und unsere Wahrnehmung der Gegenwart durch die Resonanz sowohl alter als auch zeitgenössischer Erinnerungen und Worte zu transformieren. Auf diese Weise wird Musik zur Tat lebendiger Präsenz und zu einem ununterbrochenen Dialog zwischen Epochen, Kulturen und Sprachen. Mario Caroli © 2025