Le samedi dernier, la scène de deSingel était aux mains de BL!NDMAN, un collectif d'instruments à cordes, saxophones, percussions, clavier, tubax et électronique avec un programme autour de trois minimalistes américains de premier plan, Philip Glass, Terry Riley et Steve Reich.
Ces trois compositeurs, tous largement passé les quatre-vingts ans, se connaissent depuis la fin des années '60 lorsqu'ils donnaient ensemble des concerts d'ateliers dans la scène « downtown » new-yorkaise de l'époque, Greenwich Village et SoHo. Au départ, leur dénominateur commun était une aversion profonde envers les modernistes et avant-gardistes européens du XXe siècle, comme Pierre Boulez, Arnold Schönberg et Karlheinz Stockhausen. Glass considérait l'œuvre des modernistes comme « un désert, dominé par des maniaques, qui essayaient de faire écrire à tout le monde cette musique étroite ». Selon Glass, le moment était venu de remplacer les expériences par le plaisir. Le public méritait de reprendre sa voix. Et Steve Reich a dit plus tard dans une interview avec The Guardian (2013) : « Ce que ma génération a fait n'était pas une révolution, c'était une restauration de l'harmonie et du rythme d'une manière complètement nouvelle, mais cela a ramené ces essences que les gens voulaient (…). Maintenant nous vivons à nouveau dans une situation normale où la fenêtre entre la rue et la salle de concert est ouverte. »
Répétitif
Le minimalisme américain est une technique de composition dans laquelle des processus répétitifs sont appliqués à un matériel musical extrêmement limité. Les autres caractéristiques sont : une inclination intellectuelle vers la systématique - un geste remarquable envers les modernistes et les sérialistes détestés par les minimalistes -, l'introduction de styles musicaux non-occidentaux (Reich : gamelan, Glass : Inde) et la collaboration avec d'autres formes d'art comme le théâtre. Dans la palette des éléments structurants, les minimalistes américains placent le rythme au-dessus de la tonalité, respectivement la tonalité au-dessus de l'harmonie.
Chez Philip Glass (°1937), ces principes aboutissent à une quête compositionnelle avec des accords de trois notes de même durée comme éléments de base principaux. Il n'y a pas de développement ou de travail musical, les processus de répétition deviennent progressivement plus dynamiques et énergiques. Cela s'est bien manifesté samedi dans Music in Contrary Motion. Le titre fait référence à la relation inverse entre la voix grave et la voix haute qui sont de plus mirrorées, regroupées en quatre ou cinq notes. La pièce est écrite en « forme ouverte », c'est-à-dire qu'elle ne travaille pas vers une cadence finale mais s'arrête simplement. Le respect de Glass pour l'individualité de chaque instrument a bien ressorti. En commençant par le clavier (Fabian Coomans), la construction vers tutti a été développée étape par étape via les percussions, les cordes, les saxophones et le tubax. Malgré la sympathie que Glass a pour l'auditeur, il ne peut pas s'empêcher de le taquiner. À première vue, cette pièce ressemble à une sorte d'échauffement, mais ce n'est qu'après qu'elle s'arrête que l'auditeur réalise que c'était justement l'essence.
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Steve Reich
L'essentiel du concert a été occupé par Steve Reich (°1936). Après le court duo pour deux marimbas Nagoya Marimbas, deux instruments qui expriment sans égal la chaleur et l'amitié, trois pièces plus longues ont suivi. Dans Cello Counterpoint, la violoncelliste Suzanne Vermeyen a dialogué avec sept violoncelles qui avaient été préalablement enregistrés sur bande. Elle a joué avec énergie et pétillance, de plus il semblait parfois qu'elle dirigeait un ensemble. L'auditeur avait alors l'impression qu'elle encourageait ses compagnons de jeu, et avec succès. Cela suscite la curiosité d'une exécution en direct de toutes les parties de violoncelle. Dans le New York Counterpoint suivant pour quatre saxophones et électronique, le quatuor de saxophones a dialogué avec lui-même. Reich utilise ici des décalages de pulsation minimaux qui aboutissent finalement à des canons rythmiques. Il y a aussi des éléments de jazz audibles, mais ici les musiciens ont montré moins de souplesse que ce qu'on attend du jazz précoce.
Dansant
Dans le Triple Quartet pour quatuor à cordes, les auditeurs ont été traités à un mélange de rythme entraînant et de mélancolie d'Europe de l'Est. Dans la construction habituelle de Reich (rapide-lent-rapide), les exécutants ont montré comment les rythmes pulsants dansants peuvent être. La pièce était une fête pour les spectateurs et les musiciens. S'ils avaient continué plus longtemps, les couloirs et la scène auraient certainement été remplis de couples qui swinguent.
Terry Riley (°1935) était également présent, bien que modestement, avec le quatuor de saxophones The Tuning Path, une exploration de la gamme juste dans des accords étirés. Les intervalles commencent cristallins, les parties les plus captivantes sont les transitions mutuelles. Au fur et à mesure que la pièce progresse, les dissonances se manifesteraient un peu plus, mais cela est venu moins à son avantage dans cette exécution. Cela aurait pu frotter davantage.
La conclusion était Music in Similar Motion de Philip Glass. Cette pièce est particulière parce que Glass trouve une place pour l'harmonie. La pièce est basée sur des phrases répétées qui se développent lentement. L'œuvre commence par une ligne mélodique, puis en ajoute une autre une quarte au-dessus, puis une quarte en dessous, et une ligne de basse. Cela semble simple et clair, mais la transformation que la musique subit de ce fait est ingénieuse et convaincante. Ceci aussi a été composé comme « forme ouverte », mais l'exécution s'est avérée un peu courte.
QUOI : ICONS, minimalistes américains
QUI : BL!NDMAN
OÙ : deSingel, Antwerpen
QUAND : 21 janvier 2023
AGENDA : Un coffret 3-CD « ICONS » (3 minimalistes américains) sort le 14 avril 2023 chez Warner Classics.