Le samedi précédent, Anima Eterna Brugge, sous la direction du chef d'orchestre espagnol Pablo Heras-Casado, a joué la Septième Symphonie d'Anton Bruckner. Le concert a eu lieu au Concertgebouw Brugge, la fidèle maison de l'orchestre. Avant l'événement, il avait attiré pas mal d'attention médiatique ; après coup, cela s'est avéré justifié car le concert était un événement, non seulement en raison de l'exécution elle-même, mais surtout en raison de la promesse qu'elle contient pour l'avenir.
D'abord, l'exécution elle-même : les symphonies de Bruckner ne sont de toute façon pas très souvent jouées chez nous. Quand c'est le cas, c'est généralement par des orchestres symphoniques « contemporains » qui aiment mettre en avant le caractère monumental des symphonies de Bruckner : Bruckner est alors généralement joué lentement, fort et solennellement. Cette disparition dans un son grandiose peut parfois être agréable, mais une telle approche obscurcit généralement la richesse nuancée qui est bel et bien présente dans les symphonies de Bruckner.
Justement parce que les symphonies de Bruckner sont souvent portraiturées de manière aussi unilatérale, il était presque inévitable que Anima Eterna se morde dans ce répertoire tôt ou tard. Depuis longtemps, la mission de cet orchestre est en effet de ramer à contre-courant, pas nécessairement pour être contrarian, mais bien pour se rapprocher au maximum de la source. Concrètement, cela signifie que des instruments contemporains (et « de l'époque ») sont systématiquement mis en action, que les conditions d'exécution originales sont soigneusement explorées et que la partition est relue comme s'il n'y avait jamais eu d'histoire d'exécution. Une conséquence en est notamment que les sonorités changent ; elles deviennent plus douces, plus chaudes, plus délicates et ont plus de nuances. En outre, l'équilibre entre les différents instruments et groupes d'instruments change radicalement. En particulier, la réduction de l'effectif des cordes produit invariablement un changement de perspective. Ainsi, pour les à peine huit bois que Bruckner prescrit dans sa Septième Symphonie, cela a dû être littéralement et figurativement un soulagement de pouvoir jouer cette œuvre sans avoir à s'évertuer pour se faire entendre.
Au-delà de la couleur et de l'équilibre sonores, il y a aussi un troisième élément fixe du changement : la présentation de la texture, c'est-à-dire : la mesure dans laquelle les différentes couches musicales qui fonctionnent simultanément dans une pièce musicale sont rendues audibles. La musique de Bruckner est souvent qualifiée de « massive », mais en réalité, elle ne l'est généralement pas. Elle renferme une richesse polyphonique (à plusieurs voix) innommable, qui se perd inévitablement si la propension au volume n'est pas suffisamment tempérée. Plus l'exécution est transparente, mieux cette stratification peut naturellement se révéler – une devise qu'Anima Eterna a toujours placée haut dans son étendard, et qui a également fait toute la différence dans cette exécution de Bruckner.
D'une part, c'était un immense mérite du chef d'orchestre espagnol Pablo Heras-Casado, avec qui Anima Eterna s'est associée pour ce projet. Au début de sa carrière, l'intérêt de Heras-Casado s'est concentré principalement sur la musique de la Renaissance et le baroque, ce qui lui a permis de développer un sens raffiné du contrepoint et de la texture. Plus tard, il s'est plongé de plus en plus dans le répertoire romantique, y compris les opéras de Richard Wagner, le grand idole de Bruckner. Ces deux mondes, qui dans la culture musicale traditionnelle se trouvent généralement à mille lieues l'un de l'autre, fusionnent donc chez Heras-Casado de manière merveilleuse. En tout cas, c'était rare, notamment dans une symphonie de Bruckner, d'entendre la transparence et le pathos se fondre ensemble de manière aussi paisible et naturelle.
D'autre part, le mérite des musiciens ne doit pas non plus être négligé ; on oublie trop facilement que les instruments historiques sont plus difficiles à jouer que les instruments modernes : ils sont moins stables en intonation, moins précis dans les attaques et les compositeurs de l'époque les ont souvent poussés jusqu'à (ou juste au-delà) leurs limites. Jouer sur des instruments historiques est donc un défi, mais un défi particulièrement précieux car il sert une esthétique plus profonde et un idéal de beauté plus élevé. (Les faux pas sont donc par définition des faux pas de beauté.) Les musiciens d'Anima Eterna Brugge se sont à nouveau jeté sans crainte dans cet idéal le samedi précédent, poussés par un chef qui était émotionnellement et conceptuellement sur la même longueur d'onde. C'est uniquement ainsi qu'il a été possible que quelque chose de particulier se produise : Bruckner a été libéré de sa réputation, ce qui est en soi un mérite bien plus grand que d'exécuter excellemment sa musique.
L'expérience mémorable de samedi dernier était d'autant plus significative qu'elle semble aussi contenir une promesse pour l'avenir. L'exécution de la Septième n'était en effet que le début d'une exploration plus large de Bruckner en collaboration avec Heras-Casado au cours des années à venir. Ainsi, les Troisième et Quatrième Symphonies de Bruckner sont également prévues. Ce que le concert de samedi a d'ores et déjà clarifié, c'est que ce projet pourra se développer dans l'esprit de curiosité et de lucidité que Jos van Immerseel a insufflé à son ensemble il y a de nombreuses années et qui a conduit à une redécouverte totale (ou en tout cas à une revitalisation) de nombreuses grandes œuvres orchestrales. Le fait que cela se produise précisément avec un répertoire auquel Van Immerseel lui-même ne s'était jamais senti particulièrement attiré rend le symbolisme de ce projet d'autant plus fort. Avec l'âme ancienne entre des mains nouvelles, Anima Eterna est maintenant vraiment prêt à se développer avec une nouvelle énergie sur la voie où il a excellé au cours des dernières décennies : la redécouverte approfondie du répertoire orchestral (généralement) connu. Ce n'est que si l'ancien peut devenir nouveau que l'âme peut être éternelle. Ainsi, la redécouverte de Bruckner est aussi une redécouverte de l'ensemble lui-même.
Ce dont Anima Eterna Brugge a surtout besoin en outre est la reconnaissance culturelle que son approche historiquement informée et inspirée offre une plus-value indéniable à notre culture musicale. La Flandre a joué un rôle internationalement extraordinaire au cours des cinquante dernières années dans l'exploration des pratiques d'exécution historiques. Elle a ainsi aidé certains répertoires à se redécouvrir complètement et a progressivement gagné un public pour ceux-ci. Ce travail est loin d'être terminé. Dès qu'il y a des signaux, comme maintenant, que cette exploration peut être poursuivie dans des conditions artistiques de haut niveau, c'est notre devoir culturel de nous ranger derrière. MÊME si l'on préfère vraiment écouter son Bruckner plutôt moelleux.
Pieter Bergé
Pieter Bergé (°1967) est professeur de musicologie à la KU Leuven. Il a publié notamment sur les opéras d'Arnold Schönberg et l'analyse de la musique instrumentale des XVIIIe et XIXe siècles. Ces dernières années, il a écrit pour un public plus large sur le Requiem de Mozart (Wie schreef het requiem van Mozart?), l'accessibilité supposée de la nouvelle musique (Wat valt er eigenlijk te begrijpen? Un essai pour les amoureux de Beethoven et les détestateurs de Schönberg), une histoire de la musique pour les jeunes d'esprit (Hoe groen klinkt een gitaar? Et 99 autres choses que vous devez savoir sur la musique classique), et la relation complexe de Chostakovitch avec les Soviétiques (De leugens en de schaterlach). Un livre sur l'opéra de Kurt Weill Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny vient également de paraître de sa main. Son travail scientifique et ses publications pour un public plus large ont été à plusieurs reprises récompensés. Depuis 2015, Pieter Bergé est également directeur artistique du Festival 20・21 louvainois.