Le violoniste baroque Bjarte Eike repousse les limites de la musique classique, cherchant constamment de nouveaux projets à la frontière des genres et touchant de nouveaux publics par son jeu et son style contagieux. En tant que directeur artistique de Barokksolistene, il a créé de nouveaux concepts innovants tels que The Alehouse Sessions ; explorant la musique du XVIIe siècle des pubs et auberges en Angleterre. Ces sessions ont maintenant été adaptées en album intitulé The Playhouse Sessions. Plus tard ce mois-ci, Eike et Barokksolistene viendront à Hasselt où ils joueront une adaptation du programme intitulée The Nordic Sessions.
La combinaison de la transmission d'une interprétation historiquement informée avec des éléments de narration et théâtraux est un concept plutôt unique. Comment avez-vous eu cette idée ?
Merci d'abord. The Playhouse Sessions est un projet qui s'enracine dans un projet antérieur intitulé The Alehouse SessionS que j'ai créé pour la première fois en 2007 pour un festival en Norvège où nous avions un thème anglais. Nous faisions toutes sortes de concerts sur le thème de Londresvers l'année 1700 et je voulais faire quelque chose avec le point d'ancrage britannique dans la société, à savoir le pub. Les pubs ont une longue histoire et ont même joué un rôle important dans le développement de la musique au XVIIe siècle. Et pendant que je menais mes recherches, j'ai trouvé ce livre intitulé The Complete Country Dance Tunes from Playford's Dancing Master (1651). C'est un catalogue contenant uniquement des mélodies issues de danses. Pas d'arrangements ou d'harmonie écrits, juste un livre rempli de mélodies populaires. Et parce que j'ai une formation en musique folk — j'ai joué dans un groupe de session irlandais quand j'étais étudiant, par exemple — j'ai trouvé intéressant de faire revivre cette tradition.
Pour construire un programme autour de ce concept, j'ai commencé à lire davantage. Non seulement des recherches musicales, mais aussi historiques et socio-économiques telles que The English Alehouse: A Social History, 1200-1830 de Peter Clark et des témoignages contemporains sur la façon dont les théâtres publics ont fermé sous le règne d'Oliver Cromwell (1599-1658). Des histoires incroyables ont émergé parce que lorsque ces théâtres ont fermé, les musiciens ont été contraints de se produire dans ces pubs pour gagner de l'argent et survivre. Les pubs sont devenus un lieu de rencontre pour la haute et la basse société pour écouter de la musique. Dans ce contexte, tout le monde est devenu égal.
Je voulais que cet historique complexe mais intéressant du pub soit mon contexte de fond. C'est un cadre qui ne pose aucune limite au type de musique que vous pouvez jouer. Si vous êtes dans une église, vous devez interpréter de la musique qui a un lien avec la religion ou l'église elle-même. Ou lorsque vous jouez dans un château, vous devrez peut-être faire quelque chose de convenable. Mais ici, dans les pubs, tout le monde est sur un pied d'égalité et il y a un espace libre pour discuter, parler, boire et jouer de la musique ensemble. Tout se mélange, ce qui crée un beau cadre pour notre expérimentation informelle.
[caption id="attachment_39532" align="alignright" width="300"]
© Gorm Valentin[/caption]
Ayant travaillé en tant que musicien indépendant en Europe pendant de nombreuses années, je rencontre toutes sortes de personnes intéressantes dans diverses configurations musicales. Ce qui relie tous les musiciens avec lesquels je travaille dans les Alehouse, Playhouse et Nordic sessions est qu'ils ont des intérêts et des domaines d'expertise qui vont au-delà du fait d'être « simplement » un instrumentiste ou un chanteur. Steven Player, par exemple, joue de la guitare et danse avec nous - mais c'est aussi un acteur et conteur extraordinaire, avec une formation en théâtre de rue. Tom Guthrie, qui est l'un de nos chanteurs principaux, est aussi metteur en scène. Per Buhre joue de l'alto, chante les voix principales, fabrique du cidre de pomme et est un photographe fantastique. Helge A. Norbakken, percussions, est un opérateur de locomotive à vapeur pleinement qualifié… il y a des anecdotes amusantes et des histoires merveilleuses associées à chacun du groupe, donc mon principal défi est de savoir comment donner à tous le temps de briller sur scène comme ils le méritent.
Ensemble, nous créons des ateliers où nous allons, par exemple, à la montagne ou dans les bois. Nous consacrons notre temps à créer des liens au niveau personnel et musical. Nous cuisinons ensemble, buvons ensemble, dansons ensemble, suivons des cours de chant et participons à de nombreux ateliers créatifs principalement axés sur l'improvisation.
C'est un espace sûr où il y a beaucoup de contribution créative de la part de chacun et nous essayons simplement de nouvelles choses. Vous commencez à vraiment bien vous connaître, à les connaître en privé, nos familles se connaissent et nous sommes devenus comme une famille. Mon rôle dans le groupe est celui de l'initiateur et du créateur artistique général, à qui il est permis de dire ce qui est inclus ou non dans chaque concert. Lorsque nous tournons, nous apportons notre espace sûr ressemblant à une famille sur les scènes et maintenons vivant notre lien musical - quelque chose qui plaît beaucoup à la plupart des publics.
Quand avez-vous eu l'idée d'enregistrer ce programme ?
J'ai d'abord été très réticent à enregistrer The Alehouse Session. C'est vraiment une expérience live. Nous avons envisagé deux concepts différents. Soit nous faisons un enregistrement en direct, mais alors cela devient la version de The Alehouse Session. Cette idée a été abandonnée car je voulais la garder vivante et chaque concert unique. Après tout, avant chaque concert, nous nous rencontrons une demi-heure avant le spectacle, et je donne aux musiciens la liste des morceaux (quels morceaux jouaient et dans quel ordre), puis j'ai toutes les différentes listes de morceaux que nous avons faites partout dans le monde notées dans de petits cahiers noirs, donc quand nous sommes réinvités dans un lieu, je peux créer des listes différentes. C'est comme cela que nous gardons la performance vivante et fraîche. Mais nous devions faire une sorte d'enregistrement, et j'ai décidé de choisir les morceaux et les arrangements que je pensais seraient les plus efficaces et je suis allé en studio. L'enregistrement de The Alehouse Sessions a eu beaucoup de succès avec des prix (opus prize en Allemagne 2018) et diverses nominations et critiques excellentes.
Les grandes demandes du public, de notre maison de disques, d'agents et de promoteurs au cours des dernières années ont été : quand sort votre prochain album ? C'est comme cela que j'ai commencé à réfléchir à ce qui est devenu The Playhouse Sessions. Je vois l'Alehouse comme une pièce que je peux continuer à rénover - ou comme un arbre dont les branches continuent à grandir. La playhouse est l'une de ces branches. Cet arbre avait déjà quelques branches, bien sûr. Par exemple, nous avons fait une production sur scène de l'Alehouse, que nous avons appelée « the opera pub » (pour une entreprise au Danemark)et ensemble avec une compagnie de théâtre en Norvège, nous avons fait A midsummer night's dream où nous avons adapté le script de Shakespeare et la musique de l'Alehouse, Purcell, et les compositions personnelles ont été intégrées. De la même façon, nous avons créé d'autres branches avec diverses productions de Dido and Aeneas de Purcell. Nous avons interprété Dido avec des marionnettes, en tant que production de ballet en studio (Ballet national de Norvège), etc. Tous ces différents projets ont en commun que nous musiciens sommes sur scène et dans des rôles, contribuant activement à l'action de chaque histoire, et non assis dans la fosse d'orchestre traditionnelle.
Donc avec cet enregistrement, nous avons créé une autre branche. Au lieu de faire ce qui était peut-être évident, The Alehouse Session 2, nous voulions inclure quelque chose de tous les autres projets que nous avons faits au cours des dernières années. De plus, nous voulions mettre en évidence notre amour pour Purcell. Il est comme le Shakespeare de la musique où il combine la musique de la haute et basse société. À mon avis, Purcell est souvent pris trop au sérieux, certains essayant de le faire sonner davantage comme Handel ou Bach, donc nous voulions explorer son côté ludique et folklorique. Ces trois éléments — matériel Alehouse supplémentaire, compositions personnelles de nos drames de scène et la musique de Purcell — se sont tous réunis sur cet album.
Avec tous ces éléments différents, comment avez-vous construit l'ordre de ce programme ?
C'était mon prochain défi : trouver un ordre pour les jouer. Au lieu d'alterner les différentes sources musicales, j'ai décidé de créer un parcours musical. C'est une sorte de version plus abstraite de A midsummer night's dream / Fairy Queen où vous rencontrez la Reine des Fées, Titania, vous rencontrez ses servantes des fées, quand elles la chantent pour qu'elle s'endorme, son rêve, et l'album se termine par le monologue de fermeture de Puck. Sans être trop évident, j'ai essayé de créer cette trame narrative - du moins comme un récit intérieur.
Vous avez également inclus certaines de vos propres compositions.S'agissait-il de pièces que vous avez spécifiquement écrites pour continuer une ligne dans le récit ou s'agissait-il de pièces que vous aviez composées plus tôt et que vous pensiez correspondre au thème ?
Elles ont été spécifiquement écrites pour cet album. J'ai utilisé des idées de productions antérieures. Comme de la production sur scène de A midsummer night's dream. Par exemple, You Spotted Snakes; Hush No More [piste 08] est une combinaison de « You spotted snakes » où les fées chantent pour Titania et quand elle s'endort, cela devient « Hush no more » que nous chantons tous.
C'est une autre chose que nous avons faite pour cet album. Je ne voulais pas engager un chœur professionnel pour chanter ces parties. Je voulais que nous la chantions, car c'est ce que nous faisons en direct. Et nous nous améliorons dans ce domaine. (rire)
Vous avez mentionné live par rapport à studio. Comment le changement de contexte a-t-il influencé votre jeu ? Ou avez-vous ajusté certaines parties de la musique ?
La version live et la version enregistrée représentent toutes les deux la même chose — ce que nous sommes, ce que nous disons et comment nous voulons être écoutés — mais on ne peut pas aborder la musique de la même manière. Quand nous jouons en direct, n'importe quoi peut se produire. Selon le contexte et l'ambiance, nous pouvons faire de longues improvisations. Ou quand quelqu'un fait une erreur, nous en rions sur scène. De plus, nous avons une chorégraphie sur la façon dont nous nous mouvons et ainsi de suite. Ce sont des éléments qui ont beaucoup de sens pour un public à regarder mais ils n'ont pas leur place sur un enregistrement.
En même temps, pour un enregistrement, nous essayons de trouver l'essence et l'aspect le plus authentique du morceau. L'objectif est de présenter des pistes enregistrées qui sont tellement intéressantes que les gens les écouteront en boucle, alors nous devrons peut-être nous concentrer sur une ou deux caractéristiques clés. Comment est la section de percussion dans ceci ? ; et si nous nous concentrions sur les rythmes qui sont particuliers ? ; sautons cette répétition et rendons-la plus condensée. Ces sortes d'ajustements ont été envisagés pendant le processus d'enregistrement.
L'album est maintenant sorti en CD et sera bientôt également disponible en vinyle. Mais je réfléchis à le transformer en Dolby Atmos pour recréer le sens de l'espace auditif qu'offre une performance en direct. Les arrangements de notre musique peuvent être assez denses, avec beaucoup de divers instruments jouant autour de mélodies assez simples, donc avec cette technologie, vous pouvez créer plus d'espace dans la musique en dispersant numériquement les instruments autour de la pièce par exemple, créant une expérience sonore immersive à la maison ou dans les écouteurs des gens.
Chez Klassiek Centraal, nous avons une playlist appelée Selectie van de redactie où nous rassemblons des pistes pour nos lecteurs de CD que nous avons discutés. Chaque fois, nous n'en sélectionnons qu'une. Donc ma dernière question pour vous : si vous deviez choisir une piste à ajouter à cette playlist, quelle chanson choisiriez-vous et pourquoi ?
Oh, c'est très difficile. Surtout quand vous avez travaillé avec un programme pendant si longtemps. Je commence déjà à en avoir marre. Non, je blague. (rires) Non, c'est difficile car je crois que cela devrait être représentatif du projet. Cela pourrait être The Three Ravens [piste 06] car c'est un vieux air traditionnel anglais qui a l'un de nos arrangements de signature très distincts. De plus, il a Per Buhre comme chanteur principal qui sera également le chanteur principal pour The Nordic Sessions à Hasselt. Ou celui-ci ou You Spotted Snakes; Hush No More [piste 08] car il a l'éclat théâtral et a à voir avec Shakespeare qui mène au chœur de Purcell. Il a ce beau flux d'une intro plus abstraite, « You Spotted Snakes », puis passe au chœur séduisant de « Hush No More ».
Le 26 octobre, vous jouez The Nordic Sessions au cultuurcentrum Hasselt. Je n'ai pas pu trouver d'informations sur ce programme. Puis-je supposer correctement que c'est une version d'Alehouse mais avec des airs nordiques ? À quoi peuvent s'attendre les gens lors de la représentation ?
The Nordic Sessions est une autre branche de l'arbre Alehouse. Une branche assez nouvelle, en fait. C'est pourquoi il n'y a pas beaucoup d'informations écrites à ce sujet. Officiellement, nous l'avons joué une ou deux fois seulement.
[caption id="attachment_39523" align="alignleft" width="200"]
© Theresa Pewal[/caption]
Il y a les éléments d'Alehouse en lui. Cela signifie qu'il y a certains des mêmes musiciens mais l'accent est mis sur la scène nordique et les airs des 17e et 18e siècles. Si vous faites un programme de musique traditionnelle nordique dans un contexte historique, il doit inclure le conflit entre la musique rurale et urbaine. Dans les villes, vous avez cette bourgeoisie qui écoute de la musique appropriée, influencée par l'Allemagne. C'est très chic. Tandis que d'autre part, vous avez de la musique de la campagne où ils jouent des instruments comme la Hardanger fiddle. Donc, en plus de mon violon normal, j'utiliserai cet instrument à huit cordes dans The Nordic Sessions. Les airs seront un mélange entre les vieux airs ruraux et ces mélodies urbaines. Certains des textes et des histoires que nous utilisons sont du poète suédois Carl Michael Bellman (1740-1795) qui a écrit des textes incroyablement drôles sur être ivre. Ses textes sont combinés avec des histoires de Norvège, du Danemark et de Suède. Donc, il y aura beaucoup de chants et de danses - probablement un peu de consommation d'alcool - et tout en se concentrant sur la scène nordique.
vidéo des sessions nordiques, avec Bellmann
- QUI : Barokksolistene dirigé par Bjarte Eike
- QUOI : The Playhouse Sessions
- ÉDITION : RUBICON RCD1096
- COMMANDER : JPC
Nordic Sessions à Hasselt
- QUAND : 26 octobre 2022
- OÙ : Cultuurcentrum Hasselt