Certains programmes de concert peuvent se résumer à une série de noms de compositeurs, tandis que d'autres racontent une histoire dès la première note. Le programme avec lequel le Nationaal Jeugdorkest van Turkije s'est rendu à Berlin lors du Young Euro Classic appartenait clairement à cette deuxième catégorie. La magie était la devise du samedi 8 août, et du Hänsel und Gretel d'Engelbert Humperdinck (1854-1921) en passant par le Premier Concerto pour piano de Pjotr Tsjaikovski (1840-1893) et la première berlinoise de Je ne sais quoi d'Emre Şener (°2001) jusqu'à Ma mère l'oye de Maurice Ravel (1875-1937) et L'Apprenti sorcier de Paul Dukas (1865-1935), le voyage musical traversait des mondes où l'émerveillement et l'imagination prenaient à chaque fois une autre forme.
Avant le concert, j'ai parlé avec trois musiciens de l'orchestre : Ateş Varol (violon), Akasya Günsa (cor) et Levent Ege Çakmak (alto). Akasya a décrit le programme comme une sorte de film magique, dans lequel chaque morceau forme un chapitre différent : l'un joyeux, l'autre presque effrayant, et ce n'est qu'à la fin que tout s'unit en une seule histoire.
Mais finalement, la magie de cette soirée ne résidait pas uniquement dans la musique. Elle était sur scène, auprès du chef Cem Mansur, sympathique et charismatique, qui encourage ses musiciens avec un sourire. On voyait des jeunes gens qui non seulement étaient concentrés, mais qui visiblement prenaient plaisir à faire de la musique ensemble. Pour Ateş, cette expérience commence dès qu'il monte sur scène, avant même que la première note ne retentisse – dans le partage avec le public, avec le chef et avec ses collègues. « Nous nous amusons, nous jouons joyeusement et notre maestro est toujours heureux », a confié Levent, auquel Ateş a ajouté : « Et nous le montrons au public, et le public le ressent. » Pour Akasya, il y a une couche plus profonde : si elle se concentre purement sur la technique, elle ne ressent rien de particulier, mais si elle cherche la magie dans la musique elle-même, elle la ressent vraiment, et elle devient, selon elle, aussi une meilleure musicienne.
Après l'hymne festivalier habituel d'Iván Fischer (°1951), cette fois interprété par les premiers musiciens des différentes sections de cordes et prenant ainsi une certaine teinte de quatuor à cordes de Bartók, le Vorspiel de Humperdinck issu de Hänsel und Gretel ouvrit la soirée de manière rêveuse, avec des thèmes qui se développaient graduellement et magnifiquement. Dès les premières minutes, on remarquait la force de chaque section orchestrale individuellement – et à quel point les musiciens s'écoutaient bien : pas une collection de solistes, mais un ensemble uni.
Deux visages de la virtuosité
L'orchestre pouvait convaincre très fortement dans le Premier Concerto pour piano de Tsjaikovski, avec des solos orchestraux particulièrement beaux dans le deuxième mouvement. Özgür Ünaldı, en tant que pianiste, a cependant clairement opté pour le côté du spectacle : rapide, fort et avec une agilité des doigts qui était indéniablement stupéfiante. Dans une pièce pleine de bravoure, cela peut certainement avoir sa place, mais Ünaldı semblait vouloir continuellement montrer sa virtuosité au public, comme si chaque passage devait prouver à quel point il la maîtrisait. Dans les moments lyriques, où le concerto demande de la poésie, du souffle et de la couleur sonore, son jeu restait ainsi plus superficiel : techniquement irréprochable, mais sans l'approfondissement que l'orchestre laissait entendre.
De manière significative, les membres de l'orchestre eux-mêmes m'ont dit que ce concerto était leur morceau préféré du programme. Akasya l'a décrit comme l'œuvre contenant les sentiments les plus variés : « Quand la musique est douce, je me sens tellement heureux, mais soudainement cela devient lourd. » C'est précisément cette imprévisibilité émotionnelle qui rend ce concerto pour elle la pièce la plus complète de la soirée. Le contraste avec le jeu d'Ünaldı était donc frappant : alors qu'il exécutait la bravoure de la pièce sans faille, il semblait laisser sa vulnérabilité un peu de côté. L'orchestre de jeunes, que l'on aurait facilement pu considérer à l'avance comme la partie vulnérable de ce concerto, s'avérait être dans les moments les plus intimes le partenaire le plus mature : c'était l'orchestre, et non le soliste, qui faisait entendre la douceur dont parlait Akasya. Dans la finale, l'ensemble a ouvert tous les registres avec beaucoup de feu. Quant à l'interprétation, cette performance était peut-être classique et peu surprenante, mais ce n'était pas nécessairement un défaut. Cela pouvait aussi être simplement beau.
La jeunesse en quête de l'indicible
Après l'intermission venait Je ne sais quoi d'Emre Şener, avec qui j'avais déjà parlé cet après-midi-là. Cem Mansur l'a présenté comme l'un des compositeurs les plus intrigants de sa génération et l'a invité à raconter lui-même au public en allemand de quoi son œuvre parlait : comment être jeune était vécu de manière si diverse, non captif d'une histoire linéaire mais en fragments musicaux.
Ces fragments provoquaient aussi continuellement la réflexion musicale. Parfois, la musique éclatait en éruptions sonores dures et presque agressives, pour ensuite retomber dans des moments beaucoup plus intimes ; l'œuvre semblait ne pas se dérouler tant qu'une histoire continue, mais comme une série d'impressions et d'expériences qui existent côte à côte et qui s'interrompent parfois de manière inattendue. L'orchestre et Mansur ont apporté cette alternance avec tout le dévouement, ce qui a fait que la première berlinoise ne semblait pas être une excursion obligatoire vers la musique contemporaine, mais comme une partie essentielle du programme.
Les musiciens avaient déjà prévu ce choc chez le public eux-mêmes – après la ligne classique de Tsjaikovski, ils s'attendaient à ce que la salle soit un peu surprise par le passage à l'univers sonore moderne de Şener, et c'est précisément ce qu'ils trouvaient bien. « Cet léger effet de surprise en fait partie », a dit Akasya, « nous voulons que le public ressente ce que nous ressentons. » Pour elle aussi, c'était une forme d'émerveillement, bien que très différente de celle de Tsjaikovski ou de Dukas : de la musique que tu ne rencontres pas souvent dans la vie quotidienne et qui te sort ainsi de ton univers d'écoute familier. En outre, il y avait plus que la musique seule en jeu : en jouant leurs propres compositeurs, ils rendaient audible une culture musicale qui était encore nouvelle pour de nombreux auditeurs. « C'est bien que les gens découvrent notre musique par nous », a dit Ateş.
Et bien que la musique fût parfois sombre et agitée, le tournant joyeux à la fin a fait en sorte que tu n'étais pas resté avec que de la lourdeur. Pourtant, l'œuvre a continué à résonner dans ta tête. C'est peut-être la force d'une bonne nouvelle composition : elle ne donne pas immédiatement toutes les réponses, mais continue à soulever des questions, même après que la dernière note a longtemps retenti. Les applaudissements prolongés prouvaient que je n'étais pas le seul à penser ainsi.
Couleur et chaos déchaîné
Après l'univers sonore contemporain de Şener, l'orchestre est revenu au répertoire français. Dans Ma mère l'oye de Ravel, les musiciens pouvaient à nouveau montrer leur riche palette de couleurs, avec de beaux solos et une grande attention à la transparence de l'ensemble. Le mouvement final, Le Jardin féerique, a été délicieusement pris au large et a provoqué la chair de poule. L'Apprenti sorcier de Dukas a formé une conclusion finement espiègle : apportée avec tout le dévouement, avec un orchestre qui semblait prendre autant de plaisir à faire le sorcier de Goethe que le public. Quand le chaos a éclaté, l'ensemble est resté debout – seules les cornes ont été un peu surpassées par le reste du cuivre à certains moments, mais surtout c'était une joie de voir ces jeunes musiciens à l'œuvre.
Ce plaisir s'est révélé non seulement pendant le concert, mais aussi dans la conversation que j'ai eue auparavant avec Ateş, Akasya et Levent. Ils parlaient du rêve d'enfance de pouvoir un jour jouer dans une salle comme celle-ci, du « feu de la jeunesse » comme l'appelait Levent – ce n'était pas sa première visite à Berlin, il y était aussi en 2024. Ce qui le touche particulièrement à ce festival, m'a-t-il confié, c'est la rencontre avec d'autres jeunes orchestres de toute l'Europe : la saine rivalité, et le sentiment qu'ils se découvrent non seulement comme concurrents, mais aussi comme collègues.
Ce qu'ils espéraient que le public emporte chez lui, ce n'était pas seulement ce feu, mais surtout la paix. La musique, a dit Akasya, est un moyen de laisser tes soucis de côté un instant et de trouver la sérénité – peut-être parce que la magie est pour elle si fortement liée à l'enfance, aux histoires que tu entendais enfant et après lesquelles tu t'endormais paisiblement.
Et face à l'idée que la musique classique soit chez les jeunes quelque chose du passé, ils avaient une réponse claire. « Ces temps-ci, les jeunes disent parfois que la musique classique est morte », a confié Akasya, « mais nous ne le pensons pas, car nous faisons de la vraie musique ici. Et j'espère que quand ils rentrent chez eux, ils diront : c'est de la vraie musique. » Ils ne présentent pas ici une pièce de musée, mais quelque chose qui vit aujourd'hui et qui, selon eux, a aussi un avenir.
Le sentiment du retour à la maison
Après le programme officiel, deux autres encores ont suivi. D'abord, la Danse russe du Casse-noisette de Tsjaikovski a retenti, jouée avec tout le dévouement, avec précisément cette souplesse insouciante avec laquelle un orchestre de jeunes peut s'approprier ce répertoire – un clin d'œil joyeux après une soirée pleine de variété.
Particulièrement remarquable aussi était Köçekçe d'Ulvi Cemal Erkin (1906-1972), qui appartient aux soi-disant « Cinq turcs » – la génération de compositeurs qui, dans la jeune Turquie du vingtième siècle, combina le langage orchestre occidental avec la musique populaire turque. Köçekçe, construit sur les rythmes et mélodies des danses traditionnelles de köçek, est considéré en Turquie comme l'une des œuvres orchestrales les plus connues et les plus aimées de cette tradition. Pour ces jeunes musiciens, c'était manifestement bien plus qu'un simple bis agréable ; cela ressemblait à un retour à la maison.
Cela s'entendait aussi. Alors que la soirée avait montré pendant tout ce temps à quel point cet orchestre se sent à l'aise dans un répertoire européen divers, l'inspiration dans Köçekçe a acquis une couche supplémentaire : une sorte d'aisance et de propriété que tu ne peux pas apprendre, seul emporter avec toi. Avec un orchestre qui sonne si convaincamment dans son propre patrimoine musical, une plus grande part de répertoire turc sur un prochain programme serait très bienvenue.
Car c'est précisément cela – cette évidence, ce plaisir, ce lien – qui caractérisait toute la soirée, de la première note de Humperdinck aux dernières mesures d'Erkin. C'est peut-être finalement la plus belle façon d'interpréter le thème de la Magie : de jeunes musiciens qui s'écoutent les uns les autres et leur chef, qui se renforcent mutuellement et qui en tirent visiblement plaisir. Le sourire de Mansur, qui était continuellement réciproqué, le résume peut-être le mieux.