Hide to Show du compositeur allemand Michael Beil est l'ouverture du festival Transit annuel à Leuven. Le Nadar Ensemble y explore la culture Internet par le biais de vidéo en direct, d'isolement et des limites de l'hyperréalité. Une conversation avec le compositeur sur la zone grise entre la musique et le théâtre et ce qui subsiste de la notion de réalité. Et : il préfère l'hyperpop à la musique classique.
Michael Beil : « Je veux rester dans la configuration de concert, mais aller aussi loin que possible vers la configuration théâtrale, donc avec des instrumentistes, pas d'acteurs ou de chanteurs. Cela donne du charme à la pièce mais il y a aussi une absence car le public s'attend à des acteurs et des chanteurs en fonction de la configuration, mais ils ne sont pas là. Donc certains trouvent ça bizarre, mais c'est mon intention avec cette pièce. En 2021, nous étions très bien préparés. Nous avons eu de longues répétitions. Nous nous sommes réunis trois fois, deux fois cinq jours et une fois trois jours. Ce cycle a abouti à une forme de co-composition avec les musiciens. Je n'ai pas eu besoin d'écrire la plupart des ajustements. Je pouvais travailler ainsi avec les musiciens. Nous pouvions trouver des solutions en chemin. Et c'était un rêve qui s'est réalisé. C'était une expérience formidable. Après cela, nous avons créé cinq représentations à Essen, lors d'un festival d'art lié aux jeux vidéo. Donc toutes sortes de contenus numériques et vidéo et c'était une belle expérience avec un jeune public, pas le public de musique contemporaine typique, mais des gens très ouverts. »
Composez-vous différemment pour toucher les jeunes ?
« Hide to Show est comme une comédie musicale, donc pas une longue pièce. Je ne suis pas la dramaturgie d'un compositeur classique, mais celle d'un compositeur de divertissement. J'écris des pièces courtes. Cette façon de travailler n'est peut-être pas très appréciée dans le monde classique. Mais j'ai voulu le faire parce que c'est très lié à Internet et aux réseaux sociaux. Tout ce qui passe là-bas est court et les jeunes ne sont plus habitués à écouter de longues choses. Parfois, ils peuvent écouter longtemps de la musique drone avec un peu de fumée avant, mais en réalité ils préfèrent des morceaux de musique de 3 minutes. Certes, ce projet était un peu risqué, mais je pense que j'ai finalement bien fait les choses. »
Le processus de répétition joue-t-il un rôle important dans le processus de composition ?
« Dans mon métier, il faut faire beaucoup plus que de jouer des notes. Cela peut être très gênant pour les musiciens classiques car beaucoup de musiciens ne savent pas comment marcher ou se déplacer. Alors ils se sentent honteux et c'est aussi inconfortable pour le public. Les musiciens font beaucoup de mouvements sur scène, comme arriver, partir, s'asseoir, se lever, se déplacer avec leurs instruments. Les musiciens font naturellement beaucoup de gestes quand ils parlent de musique. Tout le monde danse et chante. En réalité, je fais seulement des choses que les musiciens feraient normalement chez eux ou sur scène. Je me concentre sur les mouvements que les musiciens font sur scène, rien de plus. Ils peuvent le faire, mais c'est difficile pour eux parce qu'ils se sentent un peu perdus quand ils ne tiennent pas leurs instruments. Donc il y a toujours la moitié que je dois encourager et l'autre moitié que je dois retenir. Mais dans ce cas, il s'agit surtout de vie privée. Il s'agit de ce que les gens font chez eux, se filmer eux-mêmes et ensuite le montrer au public. Mais quand le public le voit, il ne les voit plus comme des vraies personnes, mais comme une représentation, comme Internet, comme TikTok. »
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© Wynold Verweij[/caption]
La pièce montre-t-elle l'hyperréalité ou est-elle elle-même l'hyperréalité ?
« Je dirais les deux. La pièce montre le processus d'hyperréalité. Il y a six parties et les parties consistent en 6 petits morceaux, et dans chaque partie il y a le même morceau avec un aspect différent. Dans chaque partie il y a une danse, mais ce sont six danses avec différents aspects du même morceau. Et il y a une histoire qui s'écoule à travers la pièce en six petites parties. C'est sur la chanson folklorique Ievan Polka, vue à travers la sensation Internet japonaise Hatsune Miku, une personne virtuelle. La situation de concert est l'hyperréalité. Parce qu'elle n'existe que virtuellement sur Internet, mais elle devient réelle quand beaucoup de vraies personnes dans la salle de concert apprécient un concert. Donc c'est une réalité très particulière parce que vous avez les deux, vous avez encore la virtualité sur scène parce que Miku n'est pas là. C'est juste une action holographique. Mais le groupe est réel et les danseurs du groupe sont aussi réels. Dans le public, tout est réel, seulement l'artiste n'est pas réel. C'est un exemple très clair de comment une sorte de réalité peut se produire dans la musique. »
Les musiciens sont généralement séparés dans leurs petites cabines, ils sont isolés. Comment l'ensemble peut-il alors être répété ?
« Vous ne pouvez pas imaginer à quel point la situation est étrange pour eux quand vous êtes dans une telle boîte. Ils jouent vraiment dans leur boîte et ils ne voient ni n'entendent ce que font les autres. Le public a l'impression qu'ils sont tous connectés, mais ce n'est pas possible. C'est bien sûr difficile pour le rythme et pour l'intonation. Donc lors des répétitions, ils sortent des boîtes et pratiquent de jouer ensemble, en maintenant l'intonation, et puis ils retournent dans leurs boîtes. C'est ce que nous faisons toujours. Mais du point de vue du sujet, c'est très important pour moi que je montre pendant le spectacle que rester ensemble est l'exception et la solitude est la normalité comme dans notre monde d'aujourd'hui. »
Dans certaines scènes, vous utilisez la technologie pour atteindre la perfection. N'enlevez-vous pas ainsi la personnalité du musicien ?
« Je suis une personne qui aime contrôler. Et quand j'ai commencé Hide to show, je me suis dit que ce serait la première pièce dans laquelle j'éviterais totalement le contrôle, mais ça s'est terminé avec beaucoup de contrôle. C'était une erreur de ma part. Le seul contrôle que j'ai vraiment, c'est ce que tu as dans chaque concert : la bonne hauteur au bon moment. Mais j'ajoute aussi les gestes, les gestes doivent être en mesure parce qu'ils sont enregistrés et lus plus tard et ils doivent correspondre à la musique dans d'autres parties.
Je te donne un exemple. Il y a une partie où ils sont tous dans les boîtes et ils chantent sans son, ils ouvrent la bouche, dansent un peu et il n'y a pas de chant dans cette partie. Mais il y a de la musique d'autres. Et les mouvements de bouche correspondent parfaitement à cette chanson. Et c'est pour moi l'une des expériences les plus intenses de tous les spectacles. Dans cette autre partie, les gens ont du mal à voir si c'est une projection ou du vrai, parce que les projecteurs sont très bons et parfois tu dois vraiment te concentrer. Mais alors ils réalisent que les boîtes sont fermées. C'est une vidéo en direct et ils chantent la chanson, mais : comment est-ce possible ? La technologie m'aide à apporter de la surprise dans la pièce. »
Qu'est-ce que la créativité représente pour vous ?
« Je vois le processus de créativité comme un processus de filtrage. Nous recevons de plus en plus d'informations, du monde entier. La tâche la plus importante du compositeur est de filtrer ce flux d'une certaine manière. De quelle manière ? C'est une décision, une décision créative. Et ce qu'un compositeur doit faire alors c'est transformer. Il y a donc un processus de transformation des choses que les gens connaissent. Je dirais que l'ancienne façon de faire de l'art était de voir ou d'entendre quelque chose de grand et d'inconnu que tu n'avais jamais expérimenté auparavant. De nos jours, nous voyons l'art plutôt comme quelque chose de transformé à partir du monde réel, comme Duchamp qui met (le - WV) urinoir qu'il s'est approprié au musée. Et alors ce n'est plus un urinoir. Mais cela soulève beaucoup de questions et les gens sont très surpris de voir pourquoi cela se trouve au musée. Et c'est ce que j'essaie de faire avec la musique : filtrer, transformer et puis, si je fais un bon travail en tant que compositeur, surprendre les gens avec de nouvelles connotations pour des choses qu'ils connaissent déjà ».
Quel type de compositions sont typiques pour Michael Beil ?
« Ma spécialité est l'utilisation de la vidéo en direct, et bien la vidéo en direct dans cette configuration compliquée. Je suis le seul qui puisse le faire en ce moment. Parce que j'ai beaucoup d'expérience avec cela, j'utilise cette forme de vidéo en direct. Je le fais pour jouer avec la forme musicale, c'est toujours lié à la musique. C'est toujours pour montrer quelque chose avec la musique ou les musiciens, et avec la vidéo j'essaie de mettre les gens sur la piste pour qu'ils puissent se demander ce qui se passe. Donc donner aux gens quelque chose au début d'une pièce jusqu'à ce qu'on arrive à un certain point où ils pensent, OK, je comprends, c'est ennuyeux. Et puis quelque chose d'vraiment surprenant se produit. Donc si les gens, après avoir écouté et vu ma pièce, restent surpris, alors j'ai réussi. Ma musique est une musique qui remet les choses en question. »
Allez-vous un jour écrire un opéra ?
« Non. Toutes mes pièces sont en quelque sorte déjà des opéras. Et si je devais faire un opéra, je ferais un non-opéra ironique sans chanteurs. Oui, parce qu'honnêtement, je n'aime pas le classique. J'aime beaucoup la Pop. En ce moment, j'écoute beaucoup l'Hyperpop, par exemple de la productrice/chanteuse/dj britannique Sophie.
D'ailleurs, il n'est pas possible de trouver de nouvelles façons de jouer du violon aujourd'hui. Quoi que tu fasses avec, ça reste du violon. Et il y a actuellement aussi une stagnation dans le développement des instruments électroniques. Les contrôleurs ne trouvent rien de nouveau. La plupart des jeunes compositeurs se concentrent maintenant principalement sur les synthétiseurs et les modules. C'est une situation étrange. Je les laisse faire. Je ne suis pas intéressé par cela. Je suis très intéressé par ce qui viendra après. »
Qu'est-ce qui vient alors après le violon et les instruments électroniques ?
« Nous pourrions par exemple utiliser des implants, par exemple mettre quelque chose dans notre gorge pour pouvoir chanter comme Hatsune Miku. Blague : je mets un implant dans mon bras et alors je peux jouer du piano parfaitement. Quand même, je pense que c'est l'avenir. L'avenir c'est les lunettes virtuelles et les implants, mais les instruments classiques seront toujours là et nous avons besoin d'orchestres, peut-être un peu comme nous avons besoin de vieilles peintures au musée. C'est agréable. Nous voulons tous ça. Nous allons au Louvre et nous voyons l'art ancien et nous allons au concertgebouw et nous écoutons Beethoven. »
Tous vos travaux sont disponibles gratuitement en open source. Pourquoi êtes-vous si généreux ?
« C'est un signe pour montrer que mon travail n'est pas un miracle qui vient d'un artiste divin. Je suis juste une personne normale qui a décidé de se spécialiser en musique. Sur mon site Web, tu peux télécharger chaque partition, tous les enregistrements. D'autres compositeurs peuvent utiliser mes enregistrements et les sampler et les utiliser dans leurs propres pièces. Et ils l'ont déjà fait. C'est comme ça qu'on travaille. Tu vois quelque chose, on aime ça et alors on l'utilise. Et ensemble avec d'autres choses nous le transformons aussi et nous sommes une communauté. Pourquoi ferais-je différemment ? »
QUOI : Hide to show de Michael Beil
QUI : Nadar Ensemble
OÙ : STUK, Leuven
DATE : 20 octobre 2023
TICKETS : festival2021.be