Un album de débuts comme autobiographie : c'est ainsi que le violoniste Miclen LaiPang présente son premier enregistrement solo pour Delos. Deep River n'est pas une sélection gratuite de possibilités techniques, mais un autoportrait musical soigneusement construit. Une rivière – à la fois symbole spirituel et métaphore de vie – sert d'image directrice, qui jaillit de la tradition spirituelle américaine pour se frayer un chemin via la Russie, l'Allemagne, Vienne et Paris, avant de déboucher finalement à nouveau dans un son typiquement américain. Ce concept est ambitieux et potentiellement dangereux : de tels programmes narratifs risquent rapidement de sombrer dans la sentimentalité ou l'excès programmatique. LaiPang et le pianiste Nigel Yandell évitent ces écueils non pas tant par une démonstration explicite de maîtrise, mais parce que le programme entier semble jaillir naturellement d'une même confiance musicale, où le raffinement et la perspicacité stylistique s'interpénètrent sans emphase.
LaiPang appartient désormais à la génération de jeunes violonistes qui se meuvent sans effort entre continents et traditions. Il a joué à Carnegie Hall, à la Wiener Musikverein et à la Berliner Philharmonie, tandis que son arrangement de la Kreutzer de Beethoven pour violon et cordes a reçu un large écho international. Sur Deep River, il se montre cependant avant tout comme le musicien derrière le virtuose : un interprète qui n'utilise pas le répertoire comme matériel de démonstration, mais comme vecteur de mémoire et d'identité.
Une rivière de souvenirs
L'ouverture avec l'arrangement de Deep River de Jascha Heifetz (1901-1987) donne le ton immédiatement. LaiPang ne choisit pas les grands gestes romantiques, mais une simplicité largement respirée qui n'en est que plus puissante. Le Stradivarius « Charles Castleman » de 1707 – généreusement mis à disposition par la Muziekkapel Koningin Elisabeth – sonne riche et substantiel, surtout dans le registre médian, sans jamais devenir lourd. La phrasé a quelque chose de contemplatif : comme si la musique n'était pas jouée mais remémorée.
Dans Adoration de Felix Borowski (1872-1956) et Nobody Knows the Trouble I've Seen de Clarence Cameron White (1880-1960), domine la même concentration retenue. White en particulier – encore trop peu présent aux programmes de récital – reçoit ici une lecture qui évite toute tendance à l'exotisme sentimental. LaiPang joue cette musique avec une directitude respectueuse, tandis que Nigel Yandell laisse l'espace harmonique ouvert avec une fluidité presque vocale.
Fractures et détours
Avec l'aria de Lenski de Eugène Onéguine de Piotr Tchaïkovski (1840-1893), la température du récital change. Dans l'arrangement pour violon de Leopold Auer (1845-1930), la musique acquiert facilement quelque chose de mélancolie exagérée, mais LaiPang maintient la ligne ferme et évite la recherche d'effet. C'est justement pour cela que le jeu frappe d'autant plus fort : sous la lyrique sommeille continuellement un sentiment d'agitation et d'inévitabilité. Yandell se révèle ici clairement comme bien plus qu'un accompagnateur ; son jeu donne à la musique du souffle et de la profondeur psychologique.
Les étapes européennes suivantes montrent comme les deux musiciens changent avec souplesse de style. Widmung de Robert Schumann (1810-1856), dans un arrangement de LaiPang et Yandell eux-mêmes, conserve le cœur intime de la chanson originale sans tomber dans la rhétorique romantique exagérée. La ligne de violon chante librement, mais reste toujours intégrée dans les champs de tension harmonique de Schumann.
Liebesleid de Fritz Kreisler (1875-1962) semble sur le papier la partie la plus conventionnelle du programme, mais LaiPang ne la traite pas comme une pièce de salon nostalgique. Son rubato sonne organique et décontracté, tout est beau et élégamment dosé, mais derrière tout le charme viennois reste perceptible une teinte de mélancolie. C'est précisément cet équilibre entre légèreté et gravité qui élève cette interprétation au-dessus de la routine.
Un point culminant absolu est constitué par l'arrangement de Vása Příhoda (1900-1960) des valses de Der Rosenkavalier de Richard Strauss (1864-1949). Réduire l'exubérance orchestrale de Strauss au violon et piano exige non seulement une maîtrise technique, mais aussi un sens délicat de la couleur harmonique et de l'ambiguïté qui caractérisent cette œuvre. LaiPang et Yandell y réussissent remarquablement bien. Les passages aigus restent clairs sans dureté, les doubles cordes conservent leur qualité vocale, et Yandell laisse les harmonies briller sans rendre la texture dense. Derrière l'élégance viennoise reste continuellement quelque chose d'amer et d'éphémère – et c'est précisément ce que Strauss voulait dire.
Paris comme centre de gravité
La Romance, Op. 23 d'Amy Beach (1867-1944) – une œuvre trop rarement entendue en concert – mérite plus que la fonction de transition. La capacité de Beach à unir un idiome incontestablement américain au langage harmonique du romantisme européen tardif sonne ici comme un reflet subtil de l'hybridité artistique propre à LaiPang : enraciné dans une tradition, mais non emprisonné par elle. Yandell donne à la partie de piano précisément l'espace dont elle a besoin. C'est justement ici que le récital atteint l'un de ses moments les plus poignants et où se révèle peut-être la véritable révélation de l'album.
Dans la Sonate pour violon n° 2 de Maurice Ravel (1874-1937), LaiPang et Yandell atteignent leur apogée interprétative. Cette sonate ne tolère aucun excès : chaque phrase doit rester légère, aussi complexe que soit la structure sous-jacente. Les deux musiciens le comprennent parfaitement. Le premier mouvement respire une élégance naturelle, la partie Blues a juste assez de désinvolture sans devenir caricaturale, et le final se déploie avec une impressionnante combinaison de précision et de spontanéité apparente. C'est surtout l'alerte rythmique du duo qui frappe : la musique avance continuellement, sans que rien ne sonne forcé.
Virtuosité sans ostentation creuse
Le récital s'achève avec la Concert Fantasy on Themes from George Gershwin's Porgy and Bess d'Igor Frolov (1937-2013), une œuvre qui peut facilement dégénérer en pur feu d'artifice virtuose. LaiPang évite ce piège en maintenant toujours l'éclat théâtral sous la direction musicale. Bien sûr, le spectaculaire ne manque pas – les passages ultrarapides et les doubles cordes acrobatiques sont joués avec un contrôle stupéfiant – mais ce qui importe surtout, c'est que la musique conserve sa vitalité dansante.
Coda
Deep River est un débuts savamment construit, convaincant dans l'intention comme dans l'exécution. Le projet cherche du sens plutôt que de l'effet, et cela produit un profil artistique cohérent. Parfois, le concept autobiographique est souligné un peu trop fortement, mais la qualité musicale et l'engagement sincère des deux interprètes portent l'ensemble sans effort.
Miclen LaiPang se présente ici non seulement comme un violoniste exceptionnellement doué, mais comme un musicien possédant une vision artistique claire. Nigel Yandell s'y révèle un partenaire idéal : alerte, sensible au style et essentiel pour la cohérence dramatique du programme.
Le fait que ce label – Delos, enraciné dans la tradition américaine de l'enregistrement solo engagé – offre un foyer à ce projet ne semble pas du hasard, mais plutôt comme une affinité naturelle entre le concept et la pratique d'exécution.
Deep River est devenu un débuts intrigant qui ne cherche pas l'effet, mais le sens.