C'est une chaude soirée d'été à Berlin quand l'Orchestre National des Jeunes du Luxembourg se produit pour la première fois le dimanche 2 août lors du Young Euro Classic. C'est dommage que la salle du Konzerthaus à la Gendarmenmarkt ne soit pas complètement remplie, car ce jeune orchestre a clairement quelque chose à dire. Heureusement, il y a un nombre remarquablement élevé de jeunes gens et d'enfants parmi les spectateurs.
L'ensemble, à peine vieux de cinq ans, réunit par projet cinquante à soixante-dix jeunes musiciens âgés de treize à trente ans et reflète la diversité internationale colorée du Luxembourg, avec des talents de plus de vingt-cinq nationalités. Sous la direction de Pit Brosius, une atmosphère de confiance et de plaisir musical s'instaure immédiatement.
La soirée commence par l'hymne du festival d'Iván Fischer (°1951), une ouverture ludique et quelque peu à la Kurt Weill, après laquelle deux membres de l'orchestre saluent d'abord le public en luxembourgeois, puis en allemand. Le trait d'esprit concernant l'éléphant qui fera littéralement et figurativement son apparition plus tard dans la soirée crée immédiatement une atmosphère détendue – professionnelle, mais sans perdre la spontanéité des jeunes musiciens.
La musique comme espace intérieur
Ensuite retentit If the bell rings, why should we run? du jeune compositeur luxembourgeois Hy-Khang Dang (°1996), qui a étudié la composition à Bruxelles, Paris et à la Guildhall School of Music and Drama. L'œuvre connaît sa première allemande à Berlin.
Le titre est une citation de Walden de Henry David Thoreau, dans laquelle l'écrivain se retire dans une cabane en rondins pour réfléchir à ce qui est vraiment essentiel. Le programme du festival lie la soirée autour de l'idée du refuge musical, de la cabane de Thoreau à la villa Senar de Rachmaninov. Dang décrit sa composition comme un espace intérieur dans lequel les pensées, les voix et les aphorismes du texte de Thoreau se mêlent – une idée qui devient particulièrement convaincante dans la musique.
Dang construit sa composition à partir de nuages sonores dont émergent lentement des voix individuelles. Le résultat est une musique intrigante, présentée par les jeunes musiciens luxembourgeois avec un impact immense et un dévouement total. Particulièrement surprenants sont les moments où les musiciens de l'orchestre déclamatent des passages de Walden, parfois seuls, parfois en chœur – une alternance qui surprend et fonctionne. L'élément littéraire ne semble nulle part comme un ajout tardif, mais devient une partie organique de l'événement musical. If the bell rings, why should we run? Pourquoi nous laisserions-nous presser ? C'est une question qui entre aussi dans la salle de concert.
Le point fort de cette interprétation est que l'œuvre ne reçoit pas d'applaudissements de courtoisie. C'est une composition qui éveille la curiosité et que tu veux entendre à nouveau, précisément parce qu'à une première écoute, il semble encore y avoir tellement de choses à découvrir.
Quand Rachmaninov commence à respirer
Après le monde contemplatif de Thoreau suit Sergei Rachmaninov (1873-1943), et avec lui un langage musical totalement différent. Sa Rhapsodie sur un thème de Paganini constitue une synthèse magistrale de virtuosité, de lyrisme et de tension dramatique. Cette œuvre se prête facilement à un étalage de bravoure pianistique, mais le pianiste Joseph Moog joue chaque variation avec dévouement plutôt que de simples démonstrations. Sa technique semble aller de soi, mais c'est surtout son capacité à maintenir une grande courbe de tension à travers les vingt-quatre variations qui impressionne. Rachmaninov y incorpore également le Dies irae médiéval, qui fonctionne comme un courant souterrain obscur à partir de la septième variation.
L'orchestre construit d'abord soigneusement le monde sonore riche, mais à partir du Dies irae, l'interprétation acquiert de plus en plus de chaleur et de puissance dramatique. Moog reste complètement engagé dans l'histoire musicale. La célèbre dix-huitième variation prend un caractère exceptionnellement lyrique et s'épanouit lentement jusqu'à un véritable moment de chair de poule. Quand les feux d'artifice finaux éclatent, l'exubérance semble presque comme une libération après la pensée obscure du Dies irae. L'orchestre montre ici toute sa puissance : pointu, énergique, avec un sentiment remarquable pour la grande ligne. L'interaction entre Moog et l'orchestre est l'un des grands atouts de l'interprétation : non pas un soliste flottant au-dessus d'un orchestre d'accompagnement, mais un véritable jeu ensemble.
En bis suit 'S Wonderful de Gershwin – Moog a visiblement apprécié de travailler avec ces jeunes musiciens, à l'enthousiasme du public. Il termine la première partie avec un Canon mélancolique et idyllique, op. 65, d'Alkan.
Un éléphant dans un magasin de porcelaine
Après l'intermède, la réserve est terminée. La Cirkus Polka d'Igor Stravinsky (1882-1971), écrite à l'origine pour un numéro d'éléphant du cirque Barnum & Bailey, sonne splendidement et avec précision, pleine d'humour, de dissonances tranchantes et de surprises rythmiques. Les jeunes musiciens prennent visiblement plaisir aux accents inattendus, tandis que Brosius, avec son style de direction léger et flexible, donne tout l'espace au caractère ludique.
L'Oiseau de feu s'envole
Avec la suite de L'Oiseau de feu, le concert atteint son apogée artistique. Stravinsky n'avait que 29 ans quand il a percé à Paris avec ce ballet. Le début sombre dans les contrebasses est remarquable et immédiatement pertinent ; de ce monde sonore sombre se déploie lentement un conte musical dans lequel chaque groupe orchestral reçoit sa propre couleur. Le fait que chaque passage en solo soit convaincant n'est en aucun cas une sinécure pour un orchestre de jeunes – et pourtant, chaque soliste saisit son moment avec précision.
Les passages orchestraux sont intenses, avec une acuité bien dosée, mais la force n'est jamais confondue avec le volume. Brosius construit la tension sans forcer la musique, ce qui fait que la Danse infernale finit par exploser comme une orgie sonore : précision, énergie, audace et immense engagement. Le sommet vers la fin est également phénoménal. L'orchestre sonne ici comme une communauté musicale unie qui sait se trouver les yeux fermés. Les jeunes musiciens ne jouent pas seulement les notes ; ils racontent ensemble une histoire.
Quand les derniers sons s'estompent, les applaudissements éclatent au Konzerthaus – une reconnaissance sincère d'une soirée exceptionnelle.
Un orchestre qui existe
Un grand mérite revient à Pit Brosius, qui a fondé l'orchestre en 2021 et a rapidement constitué un ensemble qui joue avec confiance. Son style de direction est précis et clair, mais jamais autoritaire : il sait exactement ce qu'il veut, sans limiter les musiciens.
Les débuts berlinois de l'Orchestre National des Jeunes du Luxembourg ont été bien plus qu'une rencontre prometteuse : c'est un ensemble qui revendique sa place. Joseph Moog a confirmé sa réputation de pianiste de classe internationale, tandis que les jeunes musiciens eux-mêmes ont fourni la plus forte preuve de ce qui est possible. Un ensemble que tu aimerais entendre chez nous après une telle soirée.
La jeunesse luxembourgeoise rayonne, et il serait dommage que nous voyions trop peu cette lumière.