Un orchestre est par définition un lieu de rencontre : des dizaines de musiciens y apportent leur instrument, leur formation et leur personnalité musicale pour créer quelque chose que personne ne peut réaliser seul. Mais que se passe-t-il lorsque ce ne sont pas des musiciens individuels, mais deux orchestres de jeunes qui se rencontrent ? Le Orchestra of the Americas et le Penderecki Youth Orchestra en donnent une réponse convaincante lors du Young Euro Classic le lundi 10 août : sur la scène du Konzerthaus Berlin, après une seule semaine de répétitions, ils s'avèrent capables de former un orchestre remarquablement uni.
Cette rencontre ne commence pas sur scène. Une partie des jeunes musiciens du Orchestra of the Americas ne se connaissaient initialement que via Zoom et n'ont pu se réunir physiquement pour la première fois qu'en Pologne. Par écran, on peut apprendre à se connaître, mais ce n'est que lorsqu'on s'assoit côte à côte qu'on entend comment quelqu'un respire et à quelle vitesse un autre musicien réagit.
Ce processus correspond au caractère de l'orchestre : les musiciens, âgés entre dix-huit et trente ans, sont sélectionnés chaque année parmi environ six mille candidats pour quatre-vingts places, et depuis sa fondation en 2002, l'ensemble a donné plus de quatre cents concerts dans plus de 35 pays. Le Penderecki Youth Orchestra, fondé en 2013 à partir du Krzysztof Penderecki European Centre for Music à Lusławice, y apporte une composante clairement polonaise et européenne. Sur la scène du Konzerthaus, les expériences musicales de différentes parties de l'Amérique et de l'Europe convergent ainsi.
Penderecki comme figure unificatrice
Le concert s'ouvre avec l'hymne du festival d'Iván Fischer (°1951), joué par les cuivres – un peu rude, mais ce brève et joyeux salut peut le supporter. Puis le silence s'installe et le monde sonore change complètement avec la Ciaccona in memoria Giovanni Paolo II de Krzysztof Penderecki (1933-2020), une œuvre à la mémoire du pape Jean-Paul II et intégrée plus tard au Polnisches Requiem. Penderecki construit l'œuvre autour de l'ancienne forme de la chaconne, dans laquelle un modèle de basse récurrent porte la musique tandis que la tension s'épaissit continuellement.
Avant même que cette structure se laisse analyser, on remarque la sonorité chaude et homogène des cordes. Il y a une profonde émotion dans cette Ciaccona qui ne semble pas être un exercice de technique compositionnelle, mais un véritable adieu ressenti. Pour les jeunes musiciens polonais, qui ne portent le nom du compositeur non seulement sur leur cahier d'orchestre mais aussi dans leur institution, l'œuvre prend ainsi une charge particulière, presque symbolique.
Une interprétation surprenante
Et puis Johannes Brahms (1833-1897). Parfois, on entend une œuvre tellement souvent qu'on pense la connaître après des dizaines d'années – et puis on s'assoit une soirée dans la salle et le premier mouvement semble soudainement une œuvre complètement différente. C'est ce qui m'est arrivé lors de cette exécution de la Troisième symphonie de Brahms. Le premier mouvement a été pris exceptionnellement largement : pas de hâte dramatique, pas d'accent sur l'héroïque, mais une lueur chaude de soirée d'été qui laissait la musique respirer très intensément. Cela demandait de s'adapter, mais plus le mouvement durait, plus ce choix s'avérait être une richesse mélodique qui m'avait jusqu'alors échappé.
Il était stupéfiant de voir à quelle vitesse ces deux orchestres avaient développé une sonorité si homogène et chaude : les cordes plus graves donnaient une lueur intense, et les groupes d'instruments ne se tenaient nulle part côte à côte comme des blocs séparés. Même dans les passages paisibles que Prieto introduisait, la musique restait parfaitement audible, tout comme les pizzicatos. Les bois avaient toute l'espace pour de beaux solos caractéristiques. Cette même tendance s'est poursuivie dans l'Andante et le Poco allegretto – un pur plaisir, sans qu'il faille toujours que quelque chose se passe pour avoir quelque chose à dire.
Dans la finale, le feu familier revint : plus dramatique, plus vif et idéal de cette manière pour encore conclure classiquement. Une trouvaille particulièrement forte a été le placement des cuivres ensemble, au lieu de disperser les cors face au reste des cuivres dans différents coins. Ainsi, les cuivres pouvaient parler comme un seul bloc au lieu de lutter contre eux-mêmes, et c'est extraordinairement bien fonctionné ici.
Cela a cliqué entre Carlos Miguel Prieto et les deux orchestres, ce qui était déjà perceptible lors des conversations de cet après-midi. Prieto avait alors dit que le processus était pour lui l'essentiel ; le concert lui-même était le couronnement, la conclusion festive du dur travail qui l'avait précédé. Après ce Brahms, vous compreniez ce qu'il voulait dire. Pour moi, la symphonie a connu cette soirée-là une véritable renaissance – non pas parce que l'œuvre sonnait radicalement différemment, mais parce qu'il y avait du temps, de la chaleur, du silence et du souffle dans la musique.
L'impétuosité domine
Après l'entracte, l'atmosphère change complètement. Prieto explique brièvement La noche de los Mayas de Silvestre Revueltas (1899-1940) et dit que cette génération lui donne de l'espoir pour l'avenir – une remarque simple qui prend une signification supplémentaire après tout ce qui s'était passé. Il fait se présenter les percussionnistes un par un, eux-mêmes et leur instrument, et quand chacun s'assoit à nouveau, vous savez : quelque chose nous attend.
Ce qui suit est une pure fête musicale. L'œuvre a été créée en 1939 comme musique de film et n'a été transformée qu'en 1960 par José Yves Limantour en la célèbre suite pour orchestre en quatre parties. La percussion reçoit ici une place exceptionnellement grande, avec notamment des bongos, des congas, un güiro, des hochets, des tom-toms, des teponaxtles, une huehuetl, un caracol, un tam-tam et un xylophone. Le caracol – la coquille qui sert d'instrument à vent – saute particulièrement aux yeux et aux oreilles, ainsi que les teponaxtles en bois et le grand tambour huehuetl.
Ce qui a surtout frappé, c'est la manière physique dont les musiciens réagissaient à la musique. Ils ne restaient pas assis immobiles derrière leurs pupitres, mais se bougeaient sur leurs chaises, comme si la rythmique de Revueltas ne se trouvait pas seulement dans leurs mains, mais dans tout leur corps. Et cela ne s'appliquait pas seulement aux musiciens du Orchestra of the Americas : les jeunes joueurs polonais aussi avaient clairement approprié ce langage rythmique mexicain. Nulle part, il ne semblait que c'était un groupe qui jouait la musique de l'autre. Deux orchestres qui quelques semaines auparavant se connaissaient à peine faisaient de la musique ensemble avec le même élan et la même alerte.
Important dans ce contexte : avec autant de percussionnistes, il aurait été facile d'en faire une démonstration de puissance orchestrale, mais ce n'est pas ce qui s'est produit. Les sections réagissent vivement les unes aux autres et l'exubérance rythmique n'obtient nulle part quelque chose de léger. Le deuxième mouvement se termine par une petite pirouette que le public reçoit immédiatement avec un rire ; la tirelière aussi est un plaisir à regarder, tandis que l'équilibre entre les sections est bien gardé. Beaux aussi sont quelques solos de flûte qui s'élèvent comme des lignes légères, presque ludiques, au-dessus de la base rythmique.
Dans la quatrième partie, cela devient encore plus impressionnant : il est fascinant de voir naître toutes ces variations dans l'appareil de percussion et en même temps d'entendre comment elles sont intégrées musicalement. Les cordes ne sont pas toujours bien audibles, mais cela fait à peine défaut à l'ensemble – la force réside dans la manière dont les couches forment ensemble un paysage rythmique continuellement changeant.
C'est un monde orchestral très différent de Brahms, mais la qualité sous-jacente reste la même : il s'agit d'écouter, sauf que la langue a changé du souffle et de la phrase au rythme et à la couleur – chez Revueltas, il y a un souffle qui est plus rythmique, plus corporel et plus exubérant.
Une ville qui danse incessamment
Antrópolis de Gabriela Ortiz (°1964) est aussi brièvement expliqué par Prieto. Le titre est un néologisme dans lequel antro, la désignation espagnole des bars et des boîtes de nuit, résonne et fait référence au son de Mexico et à l'énergie d'un monde urbain nocturne – un voyage musical à travers les salles de danse et les boîtes de nuit où différents styles convergent.
Ce qui frappe immédiatement, c'est la manière dont Ortiz transforme presque l'orchestre ici en un groupe de danse. La section de percussion dispose d'un arsenal impressionnant – en plus des timbales, notamment des bongos, une marimba, un vibraphone, une batterie, des claves, une cowbell, des maracas, un güiro et un vibraslap – tandis que les cordes posent une base rythmique et les bois et les cuivres y placent de brefs cris énergiques et des fragments mélodiques. Les timbales reçoivent au début un rôle solistique remarquable et fonctionnent ensuite comme un lien entre les parties. La musique change continuellement de forme mais ne perd son cohésion nulle part.
Après la lueur orchestrale de Brahms et la rythmique explosive de Revueltas, Antrópolis n'est pas une simple suite, mais une accélération supplémentaire : un langage contemporain dans lequel la danse, la vie nocturne et le rythme urbain se fondent les uns dans les autres. La première allemande acquiert ainsi quelque chose d'irrésistible – encore une fois avec beaucoup d'énergie rythmique, mais toujours soutenue par la précision plutôt que par le pur spectacle.
Le jeune talent sans frontières
Young Euro Classic a présenté ici non pas simplement deux orchestres de jeunes qui partagent le même podium par hasard, mais une situation où les jeunes musiciens se sont vraiment besoin mutuellement. Il est aussi révélateur que le programme ne se termine pas par Brahms, mais par Ortiz : la tradition européenne est le point de départ, pas le point d'arrivée. Penderecki et Brahms ouvrent la soirée, Revueltas amène le Mexique, et Ortiz montre comment une compositrice contemporaine poursuit cette histoire.
Pour moi, cette pensée a pris sa forme la plus contenue chez Penderecki, la plus surprenante chez Brahms, la plus festive chez Revueltas et la plus dansante chez Ortiz – quatre mondes musicaux très différents, portés par deux orchestres de jeunes dont les musiciens s'étaient véritablement connu que peu de temps auparavant. C'était précisément là le sens de cette soirée : deux orchestres qui n'ont pas simplement été fusionnés, mais qui ont trouvé une voix commune.
Avant ce concert, quatre jeunes musiciens des deux orchestres ont déjà parlé de leur collaboration et du programme – cette interview, vous la lisez ici : https://klassiek-centraal.be/musici-uit-heel-amerika-en-europa-een-klank-orchestra-of-the-americas-en-penderecki-youth-orchestra-vinden-elkaar-bij-young-euro-classic/
Un entretien avec le chef d'orchestre Carlos Miguel Prieto se trouve ici : https://klassiek-centraal.be/muziek-is-een-absolute-barometer-van-het-leven-in-gesprek-met-dirigent-carlos-miguel-prieto/