Pour les quatre Vikings du Danish String Quartet, 2018 s'est terminé sur une note particulièrement positive. Car la semaine précédente, le quatuor a appris que Prism I, son premier enregistrement dans une série en cinq parties pour ECM New Series construit autour de quelques fugues de Bach et des derniers quatuors de Beethoven, avait effectivement été nominé pour un Grammy dans la catégorie Best Chamber Music/Small Ensemble Performance. Le 6 décembre, le quatuor s'est également rendu à Anvers pour la première fois : un beau cadeau de la Saint-Nicolas de deSingel. C'est à l'occasion de ces débuts qu'Klassiek Centraal s'est entretenu avec l'altiste Asbjørn Nørgaard sur l'importance d'un message cohérent, l'interaction dans un groupe entre la confiance et la liberté, et le caractère populaire scandinave. « Nous ne recherchons pas le conflit. Donc si nous nous critiquons mutuellement, nous le ferons toujours d'une manière douce. »
Que le Danish String Quartet puisse effectivement concrétiser sa nomination, nous ne le saurons que le 10 février. Ce qui est certain, c'est que les quatuors à cordes de Beethoven occupent une place particulière dans le cœur et le répertoire de ces quatre sympathiques trentenaires. Sous le nom du The Copenhagen Cycle, le quatuor s'est lancé fin octobre pour la première fois dans une exécution intégrale de cette œuvre magistrale. Et à Anvers également, le compositeur a orné le programme de son premier des quatuors Razumovsky. L'intention du concert à deSingel était de montrer qu'en tant que quatuor à cordes, on peut faire des choses très variées : non seulement faire fonctionner la grande machinerie romantique de Beethoven, mais aussi (re)découvrir les créations novatrices de Haydn et… chanter des chansons populaires. « Quand vous montez sur scène et que vous demandez au public de vous écouter en silence pendant un certain temps, vous devez bien savoir pourquoi vous voulez cette attention et ce que vous en ferez. »
Le Danish String Quartet fait ses débuts à deSingel : quel type d'ensemble le quatuor souhaite-t-il être ; comment vous distinguez-vous des autres quatuors à cordes ?
Asbjørn Nørgaard: Nous avons déjà été en Belgique, tant à Flagey que dans plusieurs autres endroits, mais c'est effectivement la première fois que nous jouons à Anvers. Nous ne considérons pas le Danish String Quartet comme un projet. Nous n'avons pas de grand plan de bataille qui détermine comment nous voulons que les gens pensent de nous. Nous sommes qui nous sommes. Nous n'avons pas créé le quatuor pour faire carrière, tourner et donner des concerts. Nous donnions déjà des concerts ensemble avant même de savoir que nous envisagions une carrière musicale. En fait, nous sommes simplement de très vieux amis qui ont toujours joué ensemble et qui jouons la musique que nous aimons. Heureusement pour nous, le public semble aussi en jouir. Et s'il est disposé à le faire avec nous, c'est simplement merveilleux.
Y a-t-il une personne ou un événement qui a eu une influence décisive sur la carrière du quatuor jusqu'à présent ?
Nørgaard: Dans chaque vie et chaque carrière, il y a bien sûr des événements et des personnes qui ont compté pour beaucoup. Pour nous, c'était un certain professeur à Copenhague, Tim Frederiksen, qui est également encore aujourd'hui professeur de musique de chambre à The Royal Danish Academy of Music. Il m'a rencontré, moi et mes collègues musiciens, très tôt dans notre vie. Et depuis notre adolescence, nous avons suivi beaucoup de cours avec lui. Il nous a immergés dans l'art du jeu du quatuor. Jeunes quatuoristes, nous manquions souvent de sérieux, mais il nous a enseigné à traiter notre profession de manière sérieuse. Jusqu'à aujourd'hui, nous appliquons encore beaucoup de ses leçons en pratique. Dans le développement de notre carrière, un certain nombre de concours et de concerts individuels ont également eu un impact important. Par exemple, à l'été 2004, nous étions à New York pour suivre quelques cours. À cette occasion, nous avons également donné un concert gratuit à la Scandinavia House, qui dispose d'une petite salle de concert. Je pense qu'il y avait environ quinze personnes dans le public. Nous avons donné le concert, et ensuite nous sommes allés prendre une bière. C'était comme si rien de spécial ne s'était passé. Mais le jour suivant, il y avait un long compte-rendu dans The New York Times. Ce sont des moments comme celui-ci où tout semble s'arranger, et tout le bien vous arrive. Cela ne signifiait pas pour autant notre percée. Il nous a fallu plus longtemps avant que nous jouions plus régulièrement aux États-Unis. Mais tout ce qui nous est arrivé là-bas depuis lors est d'une manière ou d'une autre lié à ce moment spécifique.
Qu'est-ce qui rend le jeu dans un quatuor à cordes si enrichissant et donc en valeur la peine ?
Nørgaard: C'est un peu un cliché, mais c'est une bonne combinaison de jouer dans un groupe et en même temps de conserver une grande indépendance. Sur scène, nous ne sommes pas seuls. Nous travaillons et voyageons ensemble. Et nous avons aussi des collègues et d'autres personnes avec qui nous pouvons partager toutes nos expériences. Mais en même temps, nous avons aussi une énorme influence. Chacun d'entre nous peut faire une différence à tout moment. À mon avis, jouer dans un quatuor à cordes est un bon mélange entre la vie de soliste et faire partie d'un orchestre. Nous disposons un peu du meilleur des deux mondes. De plus, nous sommes bénis d'avoir tellement de bonne musique, et il y a encore beaucoup de répertoire nouveau et de haut niveau à découvrir. Si nous ne devions pas avoir tous ces morceaux merveilleux, pourquoi nous occuperions-nous alors du jeu du quatuor ?
Quelles sont les qualités les plus importantes qu'un bon quatuor à cordes doit posséder, et y a-t-il peut-être une qualité qui se démarque ?
Nørgaard: Ce n'est pas seulement applicable au quatuor à cordes, mais d'une manière ou d'une autre, tu dois apporter un message cohérent. L'histoire que tu racontes en tant que groupe doit être cohérente. Quand tu montes sur le podium et que tu demandes au public de t'écouter en silence pendant un certain temps, tu dois bien savoir pourquoi tu veux cette attention et ce que tu veux en faire. Pour un musicien individuel, c'est peut-être plus simple. Tu ne peux pas être en désaccord avec toi-même. Mais dans un groupe, chacun doit raconter la même histoire. Finalement, c'est ce qui est le plus important.
Dans un quatuor à cordes, tu essaies de sonner comme un, mais en même temps tu dois aussi préserver ton indépendance et défier tes partenaires. Comment fonctionne cette position délicate en pratique?
Nørgaard: Je pense que tu obtiendras une réponse différente de chaque groupe à qui tu poseras cette question. Pour nous, c'est surtout une question de confiance. Tu dois pouvoir compter sur le fait que chacun veut le meilleur pour le groupe. Tu ne peux pas performer et en même temps t'inquiéter que quelqu'un fasse quelque chose qui ferait briller sa partie, tandis que le son du groupe en souffrirait. Mais en même temps, tu perds aussi beaucoup de qualité si tu forces les gens à faire quelque chose avec laquelle ils ne se sentent pas vraiment bien. Et donc nous nous laissons une grande liberté: quelque chose que nous pouvons faire précisément parce que nous nous faisons confiance à ce point. Moins de confiance signifie, en quelque sorte, moins de liberté. Nous jouons tellement de concerts ensemble que nous savons que nous pouvons nous faire confiance à 100%. C'est pourquoi je ne crains jamais que l'un de mes partenaires ne fasse un trip personnel en ne pensant qu'à sa propre partie. Mais si quelqu'un fait quelque chose dans le moment, je suppose que c'est probablement une bonne idée, parce que j'ai confiance en mes collègues. Mais chaque groupe a sa propre façon de gérer ces choses.
Dans une interview avec le quatuor, j'ai lu que pendant les répétitions "nous laissons la plupart des décisions artistiques plutôt ouvertes et ne parlons pas tellement. Normalement, les choses s'arrangent d'elles-mêmes sans que nous devions nous exprimer sur chaque chose que nous faisons." Cela semble un peu contre-intuitif: n'est-il pas nécessaire d'avoir une idée sur la musique avant de monter sur scène?
Nørgaard: Tu as bien sûr besoin d'idées. Et tu peux aussi en avoir un bon nombre. Mais quand tu es sur le podium, tu peux toujours choisir de te laisser guider par ce qui se passe dans le moment. Parce que nous ne voulons pas nous limiter, nous essayons de répéter de différentes manières, afin que nous ayons peut-être dix possibilités à tout moment pour créer la bonne atmosphère. Pour nous, la répétition consiste précisément à explorer ces possibilités. Pendant un concert, nous réalisons alors l'option qui nous semble la plus naturelle. Cette approche fait en sorte que les limitations ne se produisent que sur le podium, tandis qu'à l'avance dans la salle de répétition, nous n'avons pas besoin de nous retenir. Je reconnais que ce n'est pas sans danger. Nous courons parfois le risque que cela ne se passe bien. Mais d'un autre côté, nous avons la chance de jouer de nombreux concerts. Ce n'est pas la dernière fois que nous présentons une œuvre. C'est partie d'un processus d'apprentissage continu. Et bien sûr, nous voulons présenter le plus haut niveau d'ensemble pendant les concerts. Mais nous pensons aussi qu'il est dans l'intérêt du public que nous interrogions la musique tandis que nous la jouons. C'est un luxe de laisser certains aspects ouverts, sans perdre trop de qualité. Je suis convaincu que cette approche apporte beaucoup à la performance. J'aime entendre des concerts où les musiciens communiquent les uns avec les autres dans le moment, afin que je puisse être le premier témoin de ce qui se passe exactement.
Faisant suite à ma question précédente: à quel point êtes-vous quatre critique les uns envers les autres, en particulier pendant les répétitions?
Nørgaard: Au fil des années, nous avons appris à nous parler, afin d'optimiser certains aspects de notre jeu. Et nous continuons à apprendre et nous inspirer mutuellement chaque jour. Mais les Scandinaves sont plutôt polis dans nos relations. Nous ne recherchons pas le conflit. Donc si nous nous critiquons mutuellement, nous le ferons toujours de manière douce. Les critiques dures n'arrangent que très rarement les choses. Jouer d'un instrument de musique est tellement difficile qu'il est important d'être confiant et détendu. La critique mine cela. De plus, nous nous connaissons très bien et comptons sur l'intégrité de chacun. Si l'un de nous sonne moins bien que d'habitude, je sais qu'il le sait aussi. C'est extraordinairement rare que l'un de nous joue quelque chose et ne réalise pas que ça n'a pas bien sonné. D'une manière ou d'une autre, la plupart des problèmes se résolvent donc d'eux-mêmes.
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Y a-t-il un fil conducteur dans le programme que vous jouerez le 6 décembre?
Nørgaard: Ce que nous voulons faire, c'est présenter le quatuor à cordes comme un ensemble flexible. C'est peut-être bien le fil rouge le plus important de notre programme. Pour dire les choses simplement, Haydn était celui qui a inventé le quatuor à cordes, tandis que Beethoven a porté l'écriture pour quatuor à cordes à un niveau qui était bien plus que de la simple musique de fond. Il a insisté sur le fait qu'on pouvait écrire des quatuors à cordes qui se tenaient au même niveau que les plus grandes œuvres d'art de l'histoire occidentale. Il est évident que les deux compositeurs font partie de notre ADN, mais il en va de même pour la musique folklorique que nous allons interpréter. Nous voulons montrer qu'on peut utiliser nos quatre instruments pour faire des choses très variées : découvrir les créations de Haydn, étudier la grande machinerie romantique de Beethoven, mais aussi chanter des chansons folkloriques. On peut faire sonner le quatuor à cordes comme n'importe quoi. De plus, ce n'est pas une exception que la musique folklorique et la musique classique coexistent fraternellement l'une à côté de l'autre. Haydn l'a fait régulièrement, et Beethoven aussi fait bon usage de petites mélodies russes folkloriques dans ses quatuors Razumovsky.
Cibrán Sierra, deuxième violon du Cuarteto Quiroga, compare les quatuors opus 20 de Haydn à la Magna Carta en raison de leur impact sur le développement du genre. Quelle est ta vision de l'importance de ce cycle ?
Nørgaard: Je trouve la comparaison avec la Magna Carta très appropriée. Pour Haydn, son opus 20 a été le moment où il a vraiment réalisé quelles possibilités ces quatre instruments lui offraient véritablement. Cela a marqué le début d'un flot d'inspiration. D'un côté, cette série était tellement révolutionnaire. Par la façon dont elle est écrite, et la manière dont le compositeur traite la matière, il regarde cinquante ans en avant. De l'autre côté, dans le deuxième mouvement du deuxième quatuor par exemple, il regarde aussi en arrière. Cette partie lente ressemble à de la musique baroque. La finale, une fugue avec quatre thèmes, est particulièrement difficile parce qu'elle est difficile tout le temps dans les quatre parties. C'est un mouvement où nous avons du mal à faire notre propre jeu en raison des difficultés techniques. Mais pour une fois, c'est agréable de jouer un quatuor de Haydn où ce n'est pas seulement le premier violon qui fait des choses magnifiques, tandis que les trois autres jouent leur partie en quelque sorte à vue. Cela ne donne jamais une satisfaction complète, parce que tu as toujours le sentiment que tu aurais pu le faire un petit peu mieux. C'est précisément pour cela que c'est un mouvement agréable et stimulant pour continuer à travailler.
Le Danish String Quartet n'interprète que de la musique qu'il aime vraiment… Qu'est-ce qu'il y a de si agréable dans le premier des quatuors Razumovsky de Beethoven ?
Nørgaard: Mis à part la valeur musicologique de ce quatuor, c'est une œuvre remarquable pleine d'émotion. C'est une épopée romantique qui a de tout. Elle a une structure grandiose – un gigantesque édifice construit à partir de notes – qui te traîne pendant quarante minutes. Mais elle a aussi des moments tendres et intimes où rien ne semble bouger. Pour un quatuor à cordes, ce sont les œuvres qui sont très particulières à interpréter. C'est dans des moments comme celui-ci que la musique de quatuor à cordes peut faire quelque chose qu'aucune sorte de musique pop ne peut réaliser. Tu as besoin de la musique classique pour arriver à ce point.
Un quatuor à cordes comme celui-ci est particulièrement exigeant en raison des nombreux caractères différents que tu dois évoquer, et cela à la fois au sein et entre les quatre mouvements. Comment réussissez-vous en tant que quatuor à passer de la gaieté exubérante à l'intimité extrême ?
Nørgaard: C'est certainement un défi. Pour un musicien, ces changements de caractère sont toujours les plus difficiles. Mais en même temps, ils rendent aussi la musique la plus valable pour le public. Il est très difficile de former ce genre de transitions en dehors de la pression d'un environnement de concert. Bien sûr, nous essayons de répéter comme s'il y avait des spectateurs présents, mais il est particulièrement difficile de se leurrer soi-même à cet égard. En quelque sorte, tu as besoin du public pour repousser tes limites, en particulier dans une œuvre comme celle de Beethoven.
Quelle est ta vision du perfectionnisme ? À quel point est-ce un objectif pour le quatuor ? Est-il nécessaire de s'efforcer d'atteindre l'excellence musicale ?
Nørgaard: Non, et nous ne le faisons jamais (rit). Mais il est nécessaire de continuer à essayer. Cela dépend aussi de ta personnalité. Certains musiciens ne peuvent pas apprécier une performance s'il y a ne serait-ce qu'un son qui sonne un peu faux, tandis que d'autres sont plus indulgents. À certains égards, cela doit être assez parfait pour ne déranger personne. Nous y consacrons beaucoup de temps pour jouer mieux, pour travailler sur l'intonation et d'autres aspects du jeu de quatuor, parce que c'est si important. D'un autre côté, il est physiquement impossible d'être complètement parfait, en particulier parce que nous sommes quatre. En tant que quatuor à cordes, tu luttes constamment pour atteindre une belle harmonie. Mais quand cela réussit, l'ensemble obtient cette dimension supplémentaire que seule la voix humaine et les instruments à cordes peuvent avoir.
Dernière question : jouer dans un quatuor à cordes, c'est du travail acharné. Mais cela apporte aussi beaucoup de satisfaction. Peux-tu évoquer l'un de ces moments inoubliables que l'ensemble a vécu ensemble ces dernières années ?
Nørgaard: La semaine dernière (l'interview a été réalisée le 31 octobre, ndlr.) nous avons joué notre tout premier cycle Beethoven à Copenhague. Pendant six jours consécutifs, nous avons interprété tous ses quatuors à cordes (22-27 octobre). L'avant-dernier jour, nous avons joué l'opus 130 et 132 : des œuvres colossales qui ont toujours beaucoup signifié pour nous. J'ai eu le sentiment que ce concert était très spécial car il se déroulait dans notre ville natale, dans une salle de concert que nous trouvons très particulière, et parce que nous étions entourés de nos parents, nos épouses et d'autres amis et personnes que nous aimons. Ce soir-là, il y a eu une véritable alchimie. Tout s'est mis en place. De temps en temps, tu expérimentes un concert où tout devient très facile. À ces soirées spéciales, tu peux vivre sur tes acquis toute une vie.
- QUOI : Interview avec Asbjørn Nørgaard, altiste du Danish String Quartet, à l'occasion de ses débuts en concert au deSingel, Anvers, le jeudi 6 décembre 2018. Au programme figuraient, outre Haydn (opus 20 n° 2) et Beethoven (opus 59 n° 1), une sélection de chansons populaires des albums Wood Works et Last Leaf.
- QUI : Danish String Quartet [Rune Tonsgaard Sørensen et Frederik Øland (violon), Asbjørn Nørgaard (alto), Fredrik Schøyen Sjölin (violoncelle)]
- SITE WEB : https://danishquartet.com/
- PHOTOS : Page Facebook Danish String Quartet | © Caroline Bittencourt