My Treasure Box
Ayano Kamei
- Catalogusnummer
- 322
Japanners weten dit goed, maar misschien zijn niet alle internationale lezers bekend met, of bekend met, deze prachtige Japanse gewoonte. Een heel bijzondere plek in een traditioneel Japans huis is de "hoek van de mooie dingen", tokonoma in de lokale taal. Het is het middelpunt van het huis en de kamer, en er wordt een kleine selectie artistieke en/of natuurlijke meesterwerken tentoongesteld (overigens is het onderscheid tussen natuurlijk en artistiek veel westerser dan Japans). En, wederom anders dan de westerse cultuur, is de plek van de gast normaal gesproken niet degene die tegenover de tokonoma staat (d.w.z. in een positie waarin hij of zij ten volle kan genieten van de daar verzamelde mooie dingen), maar eerder een plek waar de gast zelf deel uitmaakt van de "mooie dingen". Het is een zeer verfijnde vorm van eerbetoon aan de "schoonheid" – fysiek, moreel of beide – van de gast, die wordt beschouwd als een "meesterwerk".
Dit album van Da Vinci Classics lijkt, in mijn ogen, precies op een auditieve tokonoma. Het bestaat uit meesterwerken, waarvan sommige over de natuur spreken, andere over de mens, en weer andere over beide; het wordt geselecteerd door de "gastvrouw" die ons uitnodigt in haar muzikale thuis; en het betrekt de luisteraar, die niet wordt beschouwd als een passieve muziekgebruiker, maar eerder als een "meesterwerk". Net zoals de persoonlijkheid van de pianiste de ware rode draad is die de hier opgenomen werken verbindt, zo wordt ook de persoonlijkheid van de luisteraar opgeroepen om met de muziek te interacteren en er deel van uit te maken. De jeugdherinneringen die ten grondslag liggen aan de keuze van de stukken door de artieste, worden door de luisteraar opgeroepen om soortgelijke jeugd- (of volwassenheids-!) herinneringen op te roepen, wiens eigen leven wordt uitgenodigd om deel te nemen aan deze gedeelde artistieke daad.
Zoals een ikebana-artieste bloemen, bladeren en andere elementen plukt en selecteert om een prachtige compositie voor haar tokonoma te maken, zo putte de pianiste uit haar repertoire de belangrijkste voorbeelden van muziekwerken die voor haar betekenisvol zijn. Ook hier is er een verschil met de westerse opvattingen: waar voor veel Europeanen of Amerikanen een mooie bos bloemen er een is met heel veel bloemen, heeft een mooie ikebana voor de Japanners misschien maar een paar bloemen, maar elk ervan is enorm waardevol. Dat geldt ook voor de werken die de artiest kiest.
Het Italiaanse Concerto, dat de eerste helft vormt van het tweede deel van de Clavier-Übung (een van de weinige werken die hij tijdens zijn leven publiceerde), is een "nep"-transcriptie van een onbestaand Italiaans Concerto; het tweeklavecimbel wordt door Bach gebruikt om de volheid van een barok Concerto grosso te herscheppen. Na een breed, genereus en levendig eerste deel is het tweede deel een meesterwerk van lyriek, waarvan de betoverende melodielijn over de leestekens van de linkerhand stroomt en een herhaalde bas en twee hogere parallelle lijnen van onuitsprekelijke schoonheid presenteert. In het briljante derde deel helpt een citaat uit het Koraal In Dir ist Freude ("In U is Vreugde") de luisteraar de stralende vreugde van dit Concerto te begrijpen als een uiting van Gods Genade.
Schumanns Kinderszenen is een reeks korte maar ontroerende en fantasierijke werken. Er zijn verhalende stukken tussen deze miniaturen, zoals het openingsstuk, dat verhaalt over fabelachtige, exotische oorden, of het vrolijke Kuriose Geschichte, of het pompeuze Wichtige Begebenheit, of het meditatieve, sombere Fast zu Ernst. Er zijn echte "scènes", zoals spelletjes (Hasche-Mann, Ritter vom Steckenpferd, Fürchtenmachen), maar ook meditaties over het mysterie van de kindertijd: smekende of biddende kinderen (Bittendes Kind), dromen (Träumerei), beschouwingen van een tijd van onwetende poëzie (Der Dichter spricht), samen met andere verrukkelijke stukken die slapende kinderen portretteren (Kind im Einschlummern) of jonge ogen gefascineerd door de open haard (Am Kamin).
Verdergaand in onze reis, die een ware ontdekkingstocht is naar de hoek van de schoonheid die de kunstenaar voor ons heeft voorbereid, ontmoeten we de Dansen van de Argentijnse componiste Ginastera. Het meest opvallende element hier is de krachtige ritmische drive en de moedige, gedurfde dissonanten, die echter prachtig verweven zijn met de energieke vitaliteit van de partituur. Het vormt een van de meest opvallende elementen van die vruchtbare dialoog tussen Latijns-Amerikaanse tradities en de Europese (vooral Franse) taal, die kenmerkend is voor de late negentiende en de twintigste eeuw.
In het kader van de Franse cultuur zijn er nog twee andere werken in dit muzikale tokonoma opgenomen. Trois beaux oiseaux du paradis (Drie prachtige paradijsvogels) is een zelden gehoord werk en daarom een fascinerende ontdekking. Het was oorspronkelijk een werk voor a-capellakoor en vormde het middenstuk van een drieluik van koorwerken, gecomponeerd door Ravel op eigen teksten. De context van hun compositie was die van de eerste periode van de Eerste Wereldoorlog, een tragisch moment waarvan Ravel het belang niet kon onderschatten. Hij schreef aan een vriend: "Sinds eergisteren dit alarm, deze wenende vrouwen, en bovenal dit vreselijke enthousiasme van de jongeren en van al die vrienden die moesten gaan en van wie ik geen nieuws heb. Ik kan het niet langer verdragen. De nachtmerrie is te verschrikkelijk. Ik denk dat ik elk moment gek word of mijn verstand verlies. Ik heb nog nooit zo hard gewerkt, met zulke waanzinnige, heldhaftige woede... Denk eens aan... de verschrikking van dit conflict. Het houdt geen moment op. Wat voor goeds zal het allemaal opleveren?" De drie delen werden elk opgedragen aan een invloedrijk persoon die hem, volgens Ravel, kon helpen bij zijn poging om gerekruteerd te worden voor het leger. Deze drie stukken doen sterk denken aan de polyfonie uit de Renaissance en vormen drie meesterlijke prestaties, helaas de enige in Ravels oeuvre voor onbegeleid vocaal ensemble. Trois beaux oiseaux du paradis is het enige van de drie stukken dat openlijk over oorlog spreekt, hoewel alle drie over verlies gaan. De hoofdpersoon is een dame die voorvoelt dat haar geliefde zal sterven, nadat ze drie paradijsvogels heeft gekregen. De kleuren van deze vogels zijn die van de Franse vlag (rood, wit en blauw).
In tegenstelling tot andere werken die eerder gebonden zijn aan folklore of aan de meer recente invloeden van jazzmuziek, drukt dit werk de ziel uit van een meer intieme muzikale benadering, die wordt aangevuld door de duizelingwekkende wervelwind van La Valse.
Deze compositie ontstond oorspronkelijk als een creatief idee waarmee Ravel aanvankelijk een eerbetoon wilde brengen aan Wenen (in feite zou het Wien of Vienne heten). Later vroeg de legendarische choreograaf Diaghilev hem een balletpartituur te schrijven die de luxe en fascinatie van het fin-de-siècle Wenen zou oproepen. Het resultaat voldeed echter niet aan Diaghilevs verwachtingen. Niet voor niets omschreef hij Ravels compositie als een "portret van een ballet" in plaats van een echt ballet. Maar dit maakte Ravel woedend en maakte een einde aan hun vriendschap. Desondanks is La Valse vele malen op dansmuziek gezet en heeft het in concertvorm buitengewone faam verworven in de versies voor pianosolo, voor pianoduet en voor orkest.
Het album wordt bekroond door een briljante etude van Kapustin. De acht etudes die Kapustin in 1984 schreef, hebben al snel een prominente plaats verworven in het repertoire van piano-etudes. Ze weten een uitgesproken moderne benadering te combineren met traditionele pianotechniek en een bijzonder innemende en vriendelijke stijl, die de luisteraar gemakkelijk verovert. Verwijzingen naar Latijns-Amerikaanse muziek, of naar de Noord-Amerikaanse jazz- en pre-jazztraditie zijn er in overvloed, en het resultaat is zowel boeiend als adembenemend.
De luisteraar wordt daarom uitgenodigd om de schoonheid van deze auditieve tokonoma te proeven en er uiteraard deel van uit te maken, in overeenstemming met de traditie en gebruiken van de Japanse etiquette en vriendelijkheid.
Chiara Bertoglio © 2025
