Am Mittwoch, den 3. Dezember 2025, füllten das Orchestre des Champs-Élysées und das Collegium Vocale Gent die Henry Le Boeuf-Saal im Bozar in Brüssel. Philippe Herreweghe führte sein Ensemble zunächst durch Beethovens Sinfonie Nr. 3, die Eroica, jenen unvermeidlichen Wendepunkt, an dem die klassische Welt die Romantik anklopfen spürte.
Nach der Pause gesellte sich der Chor hinzu für Cherubinis Requiem in c-Moll, ein Werk, das selten auf den Notenpulten steht, aber das mit seiner verhaltenen Tragik und spirituellen Tiefe umso stärker wirkt. Die Kombination beider Werke erwies sich als fesselnd: der heroische Atem der Eroica neben der stille Intensität von Cherubini. Das Publikum, das Bozar bis oben hin füllte, spürte dieses Versprechen ebenfalls. Es war eine einzigartige Gelegenheit, einen Meilenstein aus dem symphonischen Repertoire neben einem verkannten Meisterwerk zu hören – und beide in den Händen von Herreweghe zu erleben, wo Geschichte, Klang und Emotion sich üblicherweise fehlerfrei finden.
Heroische Klänge und revolutionäre Ambition
Der Abend eröffnete sich mit der Eroica, einem Werk, das wie kein anderes die Grandeur und die rastlose Vorstellung des jungen Ludwig van Beethoven (1770–1827) in sich trägt. Vom ersten Akkord des Allegro con brio spürte man, wie Herreweghe seine Truppen antrieb, um Beethoven nicht als Monument, sondern als lebende Kraft zu präsentieren. Alles floss, alles strömte; das Orchester atmete wie ein einzelner Organismus. Die historischen Instrumente gaben dem Ganzen eine Transparenz, die man nicht jeden Tag hört: scharfe Rhythmen, schlanke Linien, Klangfarben, die ohne Umschweife ins Ohr fielen. Die dynamischen Kontraste waren ausgeprägt, aber niemals aufdringlich, als würde Herreweghe die Heroik nicht zur Schau stellen, sondern einfach entstehen lassen.
Bemerkenswert war, wie frisch und jugendlich Herreweghes Beethoven bleibt. Ich habe ihn schon mehrmals die Eroica dirigieren sehen in Antwerpen, auch mit größeren Besetzungen, aber während andere Dirigenten mit den Jahren steifer oder langsamer werden, wird sein Ansatz straffer, lebendiger, und das ohne seine Natürlichkeit zu verlieren. Zu Hause bevorzuge ich immer noch einen Furtwängler, aber im Konzertsaal funktioniert dieser juvenile, beinahe revolutionäre Ansatz wunderbar: Beethoven an der Tür der Romantik, aber noch nicht begraben unter dem Sentimentalismus.
Diese kleinere Besetzung mit authentischen Instrumenten sorgte zudem für eine Fülle von Details, die in einem massiveren Klang leicht verloren gehen. Im ersten Satz zum Beispiel wurden die sechs Paukenschläge zu einem kleinen Ereignis für sich: keine heruntergeratterte Markierungen, sondern Farben, Nuancen, Ideen. Der Paukist blieb übrigens durchgehend in der ganzen Sinfonie überraschend erfindungsreich – immer wieder anders, immer zielgenau.
Die Marcia funebre klang feierlich, aber niemals weinerlich. Im Gegenteil: in den langen Linien der Streicher und den flüsternden Akzenten der Bläser hörte man jemanden, der am Leben hing, nicht jemanden, der sich bereits davon abgewandt hatte. Herreweghe hielt die Spannung straff, wodurch der Trauermars eine seltsame Art von Vitalität behielt, als würde die Traurigkeit kontinuierlich daran erinnern, was das Leben hätte sein können. Das Scherzo brach auf mit Begeisterung und Enthusiasmus. Man sah die ersten Geigen sich gegenseitig zunicken in musikalischer Freude. Die Bläser – Blechbläser und Holzbläser – fielen durch lupenreine Intonation auf. Die drei Hörner im Trio glänzten, und bekamen mit Recht warmen Applaus danach; ihr Beitrag hob das Ganze hörbar an.
Im Finale, dem Allegro molto, wählte Herreweghe bewusst eine gewisse Rauwheit. Nicht schlampig, aber unpoliert auf die beste Weise: Beethoven hautnah, der Mann, der noch mitten im Leben stand, eigensinnig, energisch, visionär. Die rhythmische Motorik bekam freien Lauf, die Variationsstruktur baute sich auf zu einem kompakten, heroischen Bogen, in dem Tragödie und Triumph Hand in Hand gingen. Es war eine Sinfonie, die dem Leben zulachte und es besang in all seinen Feinheiten – mit seinem Schwung, seinen Stockungen, seinem Mut. Eine Eroica, die nicht in Bronze gegossen wurde, sondern in Feuer. Und damit legte Herreweghe eine ideale dramaturgische Grundlage für das, was danach folgen sollte.
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Philippe Herreweghe[/caption]
Feierlichkeit, Introspektive und romantische Expressivität
Luigi Cherubini (1760–1842) wird noch zu oft von Mozart, Haydn und Beethoven überschattet, aber wer seine Musik wirklich anhört, entdeckt einen Komponisten mit einer außergewöhnlichen Kombination aus Strenge, dramatischer Kraft und emotionaler Tiefgang. Sein Werk ist auf einer beinahe klassisch-architektonischen Klarheit erbaut, aber innerhalb dieser formalen Präzision glüht eine Intensität, die bemerkenswert der Romantik vorausgeht. Cherubini bildet so ein einzigartiges Bindeglied zwischen zwei Stilperioden: die Logik und Disziplin der Klassik einerseits und die entfaltende emotionale Expression der frühen neunzehnten Jahrhundert andererseits.
Das Requiem in c-Moll, 1816 nach einem Auftrag der französischen Behörden zur Erinnerung an die Hinrichtung von Louis XVI vollendet, ist vielleicht das eindrucksvollste Beispiel dafür. Cherubini wollte bewusst alle Assoziationen zur Oper vermeiden. Keine Solisten, keine theatralen Arien, nichts, das den Hörer von der Ernsthaftigkeit und spirituellen Aufladung des Textes ablenken würde. Diese asketische Wahl führte zu einer Partitur, die damals als gewagt und dramatisch empfunden wurde. Besonders das Dies irae, mit seiner Unisono-Blecbläser-Einleitung, die abrupt durch den Schlag der Trommel unterbrochen wird, muss beim ursprünglichen Publikum wie ein Hammerschlag gewirkt haben.
Dennoch erzielte das Werk bereits bei der Uraufführung großen Erfolg. Nicht nur das Publikum, sondern auch Fachkollegen erkannten die außergewöhnliche Qualität. Beethoven, Schumann und später auch Brahms sahen in Cherubini einen Meister, der kontrapunktische Beherrschung und emotionale Aussagekraft zu verbinden verstand. Beethoven soll sogar bemerkt haben, dass dieses Requiem sein Vorbild sein würde, sollte er je selbst ein Requiem beginnen – ein Projekt, das nie zustande kam, wobei es allerdings um so symbolischer ist, dass das Werk tatsächlich bei seiner eigenen Beerdigung aufgeführt wurde. In diesem Requiem atmet jede kontrapunktische Linie Bedeutung; die Struktur bleibt stets klar und klassisch, aber die dramatische Ladung hebt das Ganze in eine neue ausdrucksvolle Welt. Die Musik ist gleichzeitig intellektuell verfeinert und unmittelbar emotional, ein Spannungsfeld, das Cherubinis einzigartige Stellung in der Musikgeschichte erklärt und das ihn zu Recht zu einer der großen Inspirationsquellen der Romantik macht.
Das Introitus setzte sofort den Ton: eine feierliche, beinahe strenge Eröffnung, aber durchdrungen von subtilen harmonischen Verschiebungen, die ein Gefühl von Hoffnung und Transzendenz hervorriefen. Collegium Vocale Gent trug das Werk mit perfekter Diktion vor und das Orchester reagierte atmend auf jede Phrasierung, wodurch die Textur sowohl transparent als auch lebendig klang. Herreweghe ließ die historischen Instrumente vollständig sprechen: der Anfang, getragen von den tiefen Streichern, skizzierte eine ideale Atmosphäre demütiger Bitte, als würde sie aus den Tiefen der Seele aufsteigen. Das Kyrie baute kontrapunktisch auf diese Feierlichkeit auf, wobei Chor und Orchester sich ergänzten und manchmal kontrolliert kontrastierten. Hier klang ein musikalisches Gespräch zwischen menschlicher Zerbrechlichkeit und göttlicher Majestät, immer auf der Schneide der interpretativen Schärfe, mit einer Intonation und Balance, die jeder Phrase Bedeutung verlieh.
Das Dies irae bildete das dramatische Herz der Aufführung. Cherubinis Fähigkeit, Kraft, Bedrohung und emotionale Dringlichkeit zu verbinden, kam hier unübersehbar zum Ausdruck. Der Chor sang mit unnachgiebiger Intensität; das Orchester unterstützte mit rhythmischer Präzision, Staccato-Akzenten und subtilen Perkussionen. Der Gongsignal zu Beginn hätte vielleicht noch etwas radikaler sein können, aber die Bedrohung war dennoch spürbar; Zurückhaltung, wo nötig, ungezügelte Wut, wenn die Musik es forderte. Diese Aufführung bewies erneut, dass Cherubini in diesem Werk keine theatrale Kraft anstrebt, sondern eine musikalische Verkörperung von Angst, Gericht und Vergänglichkeit.
In den introspektiveren Sektionen – besonders im Lacrimosa und Pie Jesu – offenbarte Cherubini seine romantische Ader: persönliche Emotion, Flehen, Mitleid. Chor und Orchester fanden immer den richtigen Ton zum Text, und Herreweghe betonte die Atemführung und Phrasierung jeder Linie. Die Musik wirkte organisch, lebendig, als wäre das Requiem nicht ein historisches Artefakt, sondern eine aktuelle Meditation über Leben, Tod und Erlösung. Bei Quam olim Abrahae trieb Herreweghe das Tempo subtil an, ohne dass die Ensemblebalance beeinträchtigt wurde – wahre Klasse!
Das Agnus Dei und die abschließende Communio entfalteten sich in einem serenen, meditativen Zusammenspiel, ein Gebet in Klang. Aber der Moment, der die Seele wirklich berührte, kam beim Lux aeterna: ein langsam aufsteigendes Glühen aus Chor und Orchester, ein Klang, der wie ein sanfter, aber unaufhaltsamer Strom über den Saal zog. Die Intensität war so rein, so ergreifend, dass es über den Rücken lief, ein intensives musikalisches Gänsehautmoment, das jeden Zuhörer buchstäblich erstarren ließ. Als die letzten Töne verklangen, hing eine geladene Stille im Raum, atemraubend. Der Applaus, der darauf losbrach, war groß, aufrichtig und vollständig verdient.
Historisch gesehen markiert Cherubinis Requiem den Übergang von der klassischen Eleganz Haydns und Mozarts zur ausdrucksstarken Kraft der frühen Romantik. Unter der Leitung von Herreweghe brachten das Orchestre des Champs-Élysées und das Collegium Vocale Gent dieses Gleichgewicht zwischen formaler Strenge und emotionaler Intensität auf beeindruckende Weise zum Leben. Das Ensemble hörte aufmerksam aufeinander, die historischen Instrumente verliehen jeder Phrasierung Glanz, und Chor und Orchester verschmolzen zu einer klanglich atemberaubenden Erfahrung, die sowohl scharfsinnig als auch leidenschaftlich war. Diese Aufführung bewies, dass Cherubinis Requiem kein Kuriosum der Musikgeschichte ist, sondern ein Meisterwerk zeitloser Kraft: ein Werk, das Heroismus und Hingabe, Kraft und Zerbrechlichkeit, klassische Struktur und romantischen Ausdruck in einem Klangfeld vereint.
Wenn Heroismus und Hingabe die Seele der Musik offenbaren
Es war ein Abend, an dem Beethoven den Zuhörer zu Idealen und Kraft aufrief, während Cherubini die Tür zur Introspektive und Demut öffnete. Unter der Leitung von Herreweghe wurde klassische Musik greifbar und spürbar: eine lebendige, atmende Kunstform, in der jede Note und jede Phrasierung eine Geschichte erzählte. So verschmolzen Geschichte, musikalische Philosophie, historischer Klang und poetische Aussagekraft zu einer unvergesslichen Erfahrung.