Compositeur et chef d'orchestre Dirk Brossé

Pendant cette semaine de la musique belge (31/01 – 06/02), les compositeurs des rangs nationaux sont mis à l'honneur.

Nous nous entretenons avec le Maestro Dirk Brossé, qui occupe une place importante dans le milieu artistique et appartient à un cénacle intellectuel unique. Récemment, il a fêté ses 60 ans et a aussi célébré sa carrière musicale de 40 ans qui a connu un grand succès. À travers les temps changeants, il reste extrêmement actif. Sa vie se déploie dans l'équilibre entre la composition et la direction d'orchestre. La musique est universelle. Il a transcendé la chrysalide belge et partage son temps entre son adresse personnelle et son lieu de travail à Destelbergen et Philadelphie, où il est depuis 2009 directeur musical de The Chamber Orchestra of Philadelphia, un orchestre de premier plan. Il est également directeur musical du Ghent Film Festival et professeur de direction d'orchestre et composition à la School of Arts de Gent. Entre ces responsabilités, il se produit comme chef invité auprès des plus prestigieux orchestres du moment. Un citoyen du monde. Partout dans le monde, il est un invité très apprécié car il part du respect et de l'éthique, qu'il transforme avec ses immenses compétences techniques en de magnifiques et mémorables concerts.

Dans ses compositions, Brossé démontre une polyvalence énorme. En combinant des éléments de musique classique, de musique folklorique, de jazz, de pop et de comédie musicale, il a construit une œuvre multidisciplinaire. Sa musique passionnée, érotique et dramatique témoigne d'une capacité compositionnelle sans précédent. Il a écrit énormément et la créativité continue de couler sans entrave. Absorbé par la musique, il dispose d'instants de repos extrêmement rares. Pour Klassiek Centraal, il fait malgré tout du temps. Nous nous informons sur sa personnalité et essayons de saisir quatre décennies de musique à travers des questions et réponses dans un voyage dans les souvenirs, le présent et un regard sur l'avenir.

-Vous avez grandi dans une famille de petits commerçants où l'art et la culture n'avaient guère de place. Comment l'étincelle pour la musique s'est-elle manifestée ?

Dès mon enfance, j'étais fasciné par les instruments, par leur son particulier. J'ai grandi dans un village avec peu de contacts. Nous devions nous occuper nous-mêmes. À la Saint-Nicolas, je demandais toujours un instrument de musique : j'avais un accordéon, un mélodica... Vers mes huit ans, nous regardions à la télévision un programme néerlandais Jonge mensen op weg naar het concertpodium. Il y avait un petit garçon de mon âge qui jouait « Il Silenzio » à la trompette. Il y a eu immédiatement une réaction : je veux faire la même chose aussi.

-Vous avez commencé comme instrumentiste. Était-ce immédiatement clair que vous vouliez évoluer vers la composition ?

Quand j'avais huit/neuf ans, je suis allé à l'école de musique. Très rapidement, j'ai été accepté dans l'harmonie locale. Notre chef d'orchestre était un musicien professionnel qui jouait de la flûte traversière. C'est là que j'ai eu la première pensée consciente que j'avais en moi la créativité pour composer moi-même des choses. Mes premières compositions datent de l'époque où j'avais douze/treize ans. Bien entendu, c'étaient des choses très simples. L'ambition de diriger un jour mon propre orchestre était aussi déjà présente en arrière-plan.

Il y a effectivement des parallèles. Il a inspiré plusieurs générations : les mélomanes, les jeunes gens comme moi. Cet homme avait un tel charisme, de telles qualités, était si doué dans tous les aspects de la musique ! Un génie tout simplement. J'avais en fait plusieurs illustres modèles. Le tout premier était François Glorieux. Un peu en marge aussi si vous faites la somme de sa carrière. En humanités, nous sommes allés à un concert Jeugd en Muziek. C'était alors « The François Glorieux Panoramic Trio Plays Glorieux ». Il avait composé un programme spécial pour les jeunes et parlait de ses lointains voyages. Tout ce dont un jeune garçon de treize/quatorze ans a besoin pour transformer une petite flamme en un énorme feu. Le premier compositeur aussi que j'ai rencontré en personne ! John Williams m'a aussi influencé, mais Bernstein a certainement eu le plus grand impact en termes de contenu sur moi.

-Vous êtes actif dans de nombreux domaines. Est-ce dû à une forte dose d'indépendance d'esprit ou d'esprit d'entreprise ?

La somme des deux, je pense. Mes parents étaient de petits travailleurs indépendants. De la maison, j'ai appris à courir plusieurs chevaux à la fois. Si quelque chose disparaît, tu peux te replier sur le reste. Mais je pratique les différents éléments de mon travail avec autant d'amour et de passion. Diriger et composer dans différents genres. Je suis attaché à l'art et la musique ethniques. La littérature m'attire aussi. Ce n'est pas que j'écrive moi-même, mais je fais usage de la littérature.

-Comme source d'inspiration ?

Exactement. Cela varie d'une personne à l'autre ce qui vous attire ou vous parle.

-Une mentalité. L'art, en tant qu'expression, est en grande partie une dynamique de développement. L'art fait réfléchir. L'art montre ce qui n'est pas autrement vu ou perçu.

Une mentalité en effet. Nous marchons sur cette terre et voulons profiter de tout. L'expérience est quelque chose d'extrêmement personnel. Laissez cinq personnes regarder une peinture ou une sculpture, ou demandez des explications à des témoins d'un accident. Vous obtenez cinq histoires différentes !

-Quels ont été les moments clés de votre carrière ?

Il y a eu différents moments clés, tant intérieurs qu'extérieurs. Les gens qui croisent votre chemin de vie sont souvent déterminants pour votre développement. Ce ne sont pas des jalons, mais cela vous marque quand même. J'ai autrefois été auditeur aux cours que Bernstein a donnés. Quand cet homme entrait quelque part, je vous l'assure, cela produisait des étincelles! Ce sont des moments qui vous restent. Maintenant que je vieillis, je réalise aussi que cela a beaucoup à voir avec la perception. Les carrières sont bien sûr basées sur la force intérieure, sur le talent, mais aussi sur les médias. La façon dont on parle ou non d'une certaine personne. C'est une addition. La rencontre avec mon idole de jeunesse, le compositeur de musiques de film John Williams, en est un autre exemple. Quand vous rencontrez quelqu'un comme ça et que vous lui parlez face à face. Ce sont des moments que vous chérissez. Plus tard, nous sommes devenus très bons amis. Vous vous habituez naturellement à de telles rencontres, parce que ce sont aussi juste des gens. D'autres moments importants sont quand vous composez une œuvre et que vous l'exécutez pour la première fois. Vous la lâchez pour la première fois, c'est un moment de sentiment quasi indescriptible.

-Après une création, quel sentiment remonte à la surface : la satisfaction ou le chemin parcouru est-il plus important ?

Ce dernier, tout le chemin parcouru. La première pensée, de la première à la dernière note que vous mettez sur papier. Le plus important, c'est tout ce processus de création et le processus de réflexion qui l'a précédé. L'exécution est une autre phase. Après tout ce que j'ai déjà fait : diriger des milliers de concerts, composer des centaines d'œuvres, faire le tour du monde deux fois par an,… la plus grande satisfaction, je la tire de la direction de mon propre travail. Cela me donne un super coup de boost.

- La « pensée compositionnelle », comment pouvez-vous l'expliquer un tant soit peu pour un profane ?

Composer, c'est concevoir des structures sonores dans des structures temporelles. C'est un processus de réflexion logique, souvent ingénieux, que vous pouvez comparer à la construction d'une fusée avec laquelle vous volez vers la lune… à la différence que la musique n'est pas une science exacte. C'est une combinaison de savoir, de connaissances, mais aussi beaucoup de spontanéité, d'intuition et de sentiment. Une inspiration que vous recevez et que vous conservez alors. Pour un poète, cela peut être un mot, une pensée éclair, un regard... Pour un compositeur, c'est en fait la même chose.

C'est exact, sa théorie des harmoniques. Pythagore a été le premier à démontrer que chaque note fondamentale, qu'elle provienne d'une corde vibrante ou d'une gamme sonore chantante, possède une série d'harmoniques naturels. Quand vous jouez une note fondamentale, tous ces harmoniques sont présents dans l'espace, même si vous ne les entendez pas toujours. Les petits enfants y sont plus réceptifs, l'ouïe des adultes n'est plus aussi parfaite. C'est la base de l'harmonie classique sur laquelle la musique occidentale est basée. Pour être clair, toutes les cultures musicales n'ont pas basé leurs théories sur Pythagore.

-La polygamie stylistique est devenue votre marque de fabrique. Vous composez de la musique du monde, des symphonies, des oratorios, des lieder, de la musique de chambre, de la musique de film et de la musique pour des comédies musicales.

Au fond, je fais toujours la même chose, ce sont simplement les genres qui diffèrent. La musique est la transmission d'une émotion. La musique n'est jamais abstraite. Il y a des compositeurs qui peuvent écrire de façon abstraite. Bach en est un très bel exemple. Chez moi, il y a toujours une histoire qui intervient. Une ligne rouge qui traverse la composition. Qu'il s'agisse d'une comédie musicale, d'un oratorio ou d'une symphonie instrumentale. Cela n'a en fait aucune importance. La structure varie bien sûr d'une œuvre à l'autre. Je me laisse inspirer par quelque chose et la force de travail et le talent font le reste.

-Je vous ai entendu dire une fois dans un reportage que composer de la musique de film est l'une des choses les plus difficiles.

C'est si difficile parce que vous devez tenir compte de tant d'aspects qui sont extérieurs à la musique. D'abord, la musique de film est un art appliqué en ce sens que vous êtes soumis au matériel visuel. Parfois vous avez beaucoup de liberté, d'autres fois peu. Mais vous devez toujours vous adapter sur le plan technique. Le film est le médium où l'image est centrale. Parfois, la musique doit aussi tenir compte du dialogue. Vous êtes en fait une petite partie d'un ensemble plus grand. C'est parfois difficile de s'effacer et de s'immerger dans chaque nouvelle histoire. La musique de film est en fait de date très récente. Il y a cent ans, cette langue n'existait pas encore. Il y avait bien de la musique narrative qui a été largement utilisée dans les films par la suite. Pensez au film Mort à Venise avec la musique de Mahler. Mahler n'aurait jamais pu soupçonner de loin que sa musique serait utilisée pour créer une ambiance dans une œuvre d'art audiovisuelle ! La musique de film est un nouveau langage qui s'est développé au cours des douze/treize dernières décennies. Entretemps, la culture entre l'image et le son a incroyablement changé. Il y a beaucoup plus d'espace pour l'interprétation personnelle du spectateur. Il y a des nuages sonores qui vous mettent dans un état d'esprit et vous donnent l'espace pour remplir ce que vous voulez ou non ressentir. Cela signifie que le compositeur d'aujourd'hui doit aussi avoir une très grande compréhension dramaturgique/psychologique. Sa fonction n'est pas seulement de composer de la musique, mais il doit aussi être un gardien silencieux de la ligne dramaturgique qui traverse le film.

Bon. Composer de la musique sur commande a l'avantage que vous êtes payé pour cela. Au-delà de l'aspect financier, vous êtes également assuré que votre musique sera exécutée. Une fois qu'elle est exécutée, la musique peut également être enregistrée et transmise aux générations futures. Si vous concevez vous-même une pièce musicale, il y a du papier sur votre bureau et ensuite vous devez vous battre un peu pour faire jouer votre musique. C'est pourquoi je préfère recevoir des commandes.

-Au début de votre carrière de compositeur, vous avez composé une symphonie avec beaucoup d'instruments inédits, un paysage auditif hypnotisant. Vous ne l'avez jamais refait après.

J'ai effectivement fait cela avec la symphonie « Artesia » et une deuxième symphonie « The Birth of Music ». Après, je ne l'ai plus jamais fait pour la simple raison que la manière dont les orchestres programmaient avait changé. La plus grande difficulté était, et reste toujours, de trouver les musiciens qui peuvent jouer de tous ces instruments ethniques ! Mais je suis maintenant en train de travailler sur un « Opus Magnum » où je reviens à ce que j'ai fait dans les années quatre-vingt-dix. Nous avons beaucoup avancé maintenant. Technologiquement, il y a eu beaucoup d'évolutions. Il n'est plus absolument nécessaire que vous ayez tous ces musiciens sur scène pour jouer ces instruments. Il y a d'autres façons de porter les sources sonores au public. Je ne peux pas encore en dire beaucoup plus, mais c'est un work in progress.

-La musique belge a-t-elle une identité forte ?

Qu'est-ce que la musique belge ? Je trouve que c'est une bonne question et en même temps difficile. Je pense que de tous les genres, c'est peut-être la musique pop qui a la plus grande identité. Nous avons toujours été bons pour innover dans la musique pop, je pense à des gens comme Ozark Henry alias Piet Godard, dEUS qui ont produit de nouveaux sons, Hooverphonic, Joost Zweger, Stromae. Je pense aussi à Jasper Steverlinck, Vaya Con Dios il y a quelques décennies. Le genre qui a eu le plus d'impact sur nos pays voisins et peut-être le monde entier est quand même la musique pop belge. Nous avons bien sûr aussi des compositeurs fantastiques dans le genre classique, Frederik Devreese en est un. Mais pas des figures comme un Philip Glass qui a vraiment changé les traces de la musique classique contemporaine. À ma connaissance, non. Peut-être que nous les avons, mais leur musique n'a pas réussi à être un briseur de tendances.

-Vous composez des œuvres dans différents styles, du baroque précoce aux créations contemporaines, ce qui implique de la polyvalence et de la flexibilité.

La polyvalence, c'est vrai. En étant demandé de composer aujourd'hui une valse viennoise et demain un tango argentin, pour le prochain film quelque chose de polyphonique ou quelque chose dans le style de la Renaissance, vous développez de la flexibilité. Cela a un grand avantage, mais il y a aussi un inconvénient.

-En quel sens ?

Parce que vous vous éloignez constamment de votre propre style. Vous pouvez préparer tous les plats possibles du monde. Aujourd'hui vous préparez une pizza et demain des sushis, mais qui êtes-vous vraiment en tant que cuisinier ? Suis-je celui qui peut tout imiter habilement ou qu'est-ce qui vient de vos propres entrailles ?

-Vous devez préserver votre propre identité et la mettre en avant ?

Exactement, préserver votre propre identité est primordial.

-Quelle est votre composition la plus ambitieuse jusqu'à présent ?

Les compositions les plus ambitieuses sont quand même les symphonies que j'ai écrites dans les années quatre-vingt-dix. « La Soledad de Amérika Latina » écrite en collaboration avec le lauréat du prix Nobel Gabriel Garcia Marquez et « Artesia » une symphonie universelle pour orchestre et instruments ethniques. Elles étaient très novatrices à l'époque. Personne n'avait jamais fait cela auparavant. Même pas internationalement. En tant que langage musical, le concerto pour violon « Sophia » que j'ai écrit en l'an 2000, entre-temps j'ai environ 400 compositions à mon actif, peut faire appel à l'histoire de la musique. Je me suis toujours promis que si je composais une œuvre qui soit tellement bonne qu'elle puisse rivaliser avec les grandes œuvres classiques, alors ma proposition aurait réussi. Je ne peux pas en juger. Le temps en jugera. Si vous me posez quand même la question, je pense que le concerto pour violon « Sophia » est quand même une très forte œuvre.

-Votre épouse Claire Tillekaerts, administratrice déléguée de Flanders Investment and Trade, dirige des missions commerciales à l'échelle mondiale. Un travail où la raison règne. Un monde totalement différent de la scène artistique. Formez-vous un couple complémentaire ?

Nous formons un couple parfaitement complémentaire. En tant qu'adolescente, Claire avait l'ambition de suivre une orientation artistique. Son grand-père était peintre et violoniste. Son père était magistrat. C'était écrit dans les étoiles qu'elle se retrouverait dans l'avocat ou la magistrature. Il n'y avait pas beaucoup de choix ! Elle voulait en fait suivre les traces de son grand-père. Claire a absolument une âme artistique. Il y a une très grande compréhension pour mon travail. Elle-même s'occupe beaucoup d'art. Elle aime aller aux musées, s'occupe beaucoup de littérature. Elle dévore les livres à un rythme fou ! Cela a à voir avec l'esprit de l'avocat qui doit examiner beaucoup de dossiers à très court terme. Il y a beaucoup plus de points communs qu'on ne le penserait à première vue. J'ai aussi un grand instinct commercial en moi. Je me bats pour mon art. En tant que fils aîné d'une famille de cinq enfants et commerçants, je n'ai rien reçu gratuitement. J'ai tout réalisé moi-même. Je n'ai jamais reçu de subventions, je ne me suis jamais appuyé sur ce tuyau d'oxygène, mais j'ai réalisé tout par mes propres forces.

-Quel est votre don le plus fort : votre talent pour la composition ou votre aptitude pour la synthèse, l'engagement et l'originalité?

Je pense que c'est ce dernier. C'est aussi une combinaison de tout. Mon succès réside dans le fait que je sais ce que je peux faire et ce que je ne peux pas faire. Je me suis perfectionné dans ce domaine où j'excelle et où je suis le numéro un, c'est-à-dire en tant que chef d'orchestre et compositeur. La combinaison de ces talents avec mon instinct commercial m'a permis d'arriver où je suis. Maintenant, après quarante ans de carrière, je peux dire : « Merci à tous les gens au pays et à l'étranger qui m'ont constamment mis des bâtons dans les roues. Qui ont fermé les portes. » Ils m'ont façonné pour devenir qui je suis aujourd'hui, intérieurement et formellement.

-Puis-je terminer par une citation de l'écrivain britannique Aldous Huxley : « Après le silence, la musique est ce qui convient le mieux pour dire l'indicible. » C'est à cela que j'essaie de contribuer en tant qu'artiste. En tant que chef d'orchestre, émouvoir le public avec l'héritage musical et la richesse de mes prédécesseurs, et en tant que compositeur avec mon propre travail.