Le concert de The Knights et Martynas Levickis le 14 avril à la Konzerthaus de Berlin compte parmi les expériences musicales les plus exceptionnelles que j'ai eu l'occasion de vivre : une soirée qui du début à la fin était totalement « réussie » – cohérente, respirante et évidente dans sa grandeur.
Ce qui ressemblait sur le papier à un programme éclectique s'est déployé dans la salle comme un mouvement continu où tout s'est développé organiquement. Sous la direction d'Eric Jacobsen, les styles, les couleurs et les tempi ont fusionné dans un flux naturel.
Dès les premiers mesures, on a remarqué la cohésion exceptionnelle de l'ensemble et l'aisance avec laquelle il s'est déplacé à travers des mondes musicaux divergents. Le plaisir de jouer était un sous-courant constant qui donnait de l'énergie à la soirée.
Ouverture raffinée et un monde en mouvement
L'ouverture avec Entr'acte de Caroline Shaw (°1982) a immédiatement créé un univers sonore dans lequel le mouvement et l'immobilité se fondaient continuellement l'un dans l'autre. Frappant était la délicatesse avec laquelle le détail et la ligne se rejoignaient : l'orchestre à cordes s'est développé avec une respiration naturelle, où les textures riches, le pizzicato et les lignes lyriques se sont liés en un tout organique qui s'est développé continuellement sans perdre sa direction.
Le moment final, où la violoncelliste s'est détournée de l'ensemble et a dirigé les dernières notes directement vers le public, a donné à l'immobilité une intensité particulière. Le court discours du chef d'orchestre qui a suivi, dans lequel il a parlé de montrer « une autre Amérique », a pris à cet égard une portée presque symbolique, comme une réflexion sur un programme dans lequel les différents mondes musicaux ne se plaçaient pas les uns face aux autres, mais se rapportaient les uns aux autres dans un dialogue naturel.
Énergie, liberté et une nouvelle pensée sonore
Avec Rhapsody in Blue de George Gershwin (1898-1937) dans l'arrangement de Levickis, la perspective s'est déplacée vers un univers sonore d'énergie, de rythme et d'expression directe, presque physique, dans lequel l'œuvre s'est déployée sous une nouvelle lumière sans perdre rien de son caractère iconique.
Ce que Levickis a fait entendre ici l'a confirmé incontestablement comme un talent exceptionnel et de premier ordre : un musicien qui ne maîtrise pas seulement son instrument, mais qui le réimagine complètement en tant que medium expressif. L'accordéon n'était pas ici une alternative au piano, mais un porteur évident et même révélateur de l'œuvre – plus riche en couleur, plus direct en impact et remarquablement polyvalent en caractère, ce qui faisait ressortir les différentes humeurs de la partition avec une clarté rare.
The Knights a répondu à tout cela avec la même intensité d'écoute et de réaction, créant une forme rare de collaboration dans laquelle l'orchestre et le soliste se manifestaient comme un seul corps, un seul souffle et une seule intention musicale partagée.
Le premier rappel, introduit par Levickis, a présenté un arrangement raffiné et ludique du troisième mouvement du deuxième concerto pour piano « Tirol » de Philip Glass (°1937), dans lequel cette musicalité naturelle et cette cohésion organique se sont à nouveau exprimées.
La transparence comme espace poétique
Appalachian Spring d'Aaron Copland (1900-1990) est devenu un moment d'émotion et de calme purs. La musique s'est développée en un vaste paysage de longues lignes de cordes respirantes et de bois finement teintés, qui s'est progressivement déployé en un espace de lumière, de mouvement et de clarté intérieure. Les yeux fermés, l'impression d'écouter un orchestre symphonique à part entière s'est créée sans effort : la sonorité était si riche, la texture si stratifiée et la portée de chaque voix individuelle au sein de l'ensemble si convaincante.
The Knights a atteint ici une rare forme d'unité collective dans laquelle la transparence et la plénitude ne coexistaient pas, mais convergeaient en un univers sonore respirant de beauté naturelle et de logique intérieure – une interprétation qui s'installe tout naturellement dans la mémoire, et dont on peut facilement imaginer que Copland lui-même aurait participé d'un large sourire.
Narration intime et résonance de la tradition
La propre œuvre de Martynas Levickis (°1990) basée sur des chansons populaires lituaniennes a constitué le point culminant de la soirée, un flot musical qui s'est déployé avec une richesse mélodique apparemment inépuisable qui n'a cessé de pousser l'auditeur vers l'avant : chaque phrase coulait de la précédente, créant une courbe de tension qui ne s'est jamais relâchée et vous tenait littéralement au bord de votre siège.
La tonalité mélancolique, apparentée à l'idiome répétitif de Philip Glass, a pris sa propre forme grâce à l'entrelacement organique des influences folkloriques lituaniennes, créant un riche et complexe univers sonore.
Les moments où les cuivres ne faisaient que laisser l'air circuler à travers leur instrument ont donné à la musique une dimension presque immatérielle, tandis que l'accordéon s'est déployé du murmure à la pleine résonance. The Knights a suivi cela avec une unité d'intention exceptionnelle, faisant converger l'orchestre et le soliste en un seul corps et une seule âme.
Deux autres rappels ont suivi. Levickis s'est d'abord avancé seul et a laissé le temps s'arrêter un instant dans une évocation de tango, un moment d'intensité contenue. Ensuite, The Knights a proposé un arrangement chaleureux et sincère de la chanson folklorique I'll Fly Away, dans lequel les couleurs vocales au sein de l'ensemble – subtiles et sans affectation – ont ajouté une couche supplémentaire d'expression et ont permis à la soirée de se terminer naturellement.
Une soirée qui était complètement « aboutie »
Ce qui rendait cette soirée avec The Knights et Martynas Levickis si exceptionnelle, c'était l'évidence avec laquelle tout convergeait en une expérience musicale continue, une totalité vivante dans laquelle chaque détail trouvait sa place. Sous la direction d'Eric Jacobsen, se déployait un souffle musical dans lequel tout confluait en une expérience d'une intensité rare.
Denn es muss von Herzen gehen,
Was auf Herzen wirken soll.
(Johann Wolfgang von Goethe, Faust II)
Ici résonnait une musique qui s'élevait du cœur et trouvait directement son chemin vers le cœur de l'auditeur – une expérience qui se grave comme quelque chose d'exceptionnel : complète, évidente et en chaque fibre de l'expérience indéniablement aboutie.