Masterpieces in Minor Keys

Es gibt eine Reihe von Stereotypen rund um die Figur von Wolfgang Amadeus Mozart, und viele davon sind in die Populärkultur eingedrungen. Zu den schwierigsten zu widerlegenden Stereotypen gehören die Vorstellungen von Mozart als das ewige Kind, Mozart als Narr (dieses Stereotyp wurde leider durch die Karikatur von Mozart im preisgekrönten Film Amadeus verstärkt), Mozart als Komponist, der mühelos schrieb. Wie bei allen Mythen steckt ein Körnchen Wahrheit in diesen Bildern; aber es sind sehr unvollständige, begrenzte Perspektiven auf ein vielseitiges Genie, dessen Persönlichkeit komplex war, dessen Charakter manchmal widersprüchlich war, dessen Seele das Erhabene und das Grobe, das Mystische und die Hanswurst-ähnliche Komödie, das Freimaurertum und das Katholische umfassen konnte. Mozarts Werk umfasst zweifellos Werke wie Ein Musikalischer Spass oder das Duett der beiden Papageno, aber es steckt viel mehr darin. Wenn viele Menschen die Leichtigkeit von Eine kleine Nachtmusik oder die komische Energie von Non più andrai kennen, und andere das Requiem nur wegen der düsteren Legende darum kennen (die Salieris arme posthume Reputation untergräbt), dann steckt noch viel mehr darin. Das Requiem, ebenso wie die dunkelsten Episoden von Don Giovanni, spricht einen Teil von Mozarts Geist, Seele, Sensibilität und Erfahrung an; und es wäre völlig unangemessen, es zu vergessen oder als zufälligen Ausbruch zu betrachten. Mozart wusste, dass die menschliche Seele viele dunkle Ecken kennt; dass es geheimnis­volle Gebiete gibt, die das Tor zu den Höhen der Erhabenheit und Mystik sein können, aber auch unbekannte und gefährliche Länder enthüllen können. Mozart war ein Kind der Aufklärung, aber war ein wahrer Künstler und ein wahrer Mensch, der nur zu gut wusste, dass die Rationalität allein nicht alles über den Menschen erklären kann. Er liebte sicherlich gut proportionierte Werke, gut ausgewogene Phrasen, fröhliche oder humorvolle Stimmungen; aber einige seiner Meisterwerke sind kühne Erkundungen von Trauer, Melancholie und Tragödie. Dieses Da Vinci Classics-Album nimmt Hörer auf solche Wege mit und lädt sie ein, in die Tiefen von Dunkelheit und Erhabenheit zu schauen. Der Künstler, Carmelo Giudice, hat sorgfältig die Originalversionen der Stücke untersucht, insbesondere durch gründliche Analyse der Autographen (soweit vorhanden); die folgenden Anmerkungen verweben seine eigenen Hinweise mit Kommentaren des Autors dieser Booklet-Noten. Die Sonate in a-Moll wurde in Paris im Sommer 1778 komponiert, direkt nach dem Tod von Mozarts Mutter. Das Manuskript durchlief eine Reihe unsicherer Umstände, bevor es von der Pierpont Morgan Library in New York erworben wurde. Es wurde später von Schott/Universal Edition im Faksimile veröffentlicht. Die Reise nach Paris war eines von Mozarts ersten „Abenteuer" als junger Mann – es war das allererste Mal, dass er ohne seinen Vater reiste. Es ist viel zu einfach, in der Moll-Tonart dieser Sonate ein Echo seiner Trauer um seine geliebte Mutter zu sehen. Es ist auch sehr üblich, das spitze Eröffnungsrhythmus als einen Militärmarsch zu interpretieren. Stattdessen wird es klarer verstanden als eine opera seria-Szene. Das Anfangsrhythmus ähnelt einem Kriegsruf, liegt aber viel näher bei einer Rezitativ-Gesang; es ist die musikalische Umrahmung einer Settenario-Linie, eines der Lieblings­messer der italienischen Poesia per musica, der Libretti wie von Metastasio und anderen komponiert. Ebenso sind die langen Reihen von Sechzehnteln nicht „einfach" virtuose oder brillante Passagen, sondern Äußerungen eines allgemeinen Glaubens aus jener Zeit. Es verband Virtuosität mit Tugend: Die großen Charaktere der italienischen opera seria – wie Götter, Göttinnen, Helden und dergleichen – äußerten ihre erhabenen Gefühle durch perlmutterne Ketten von Vokalen, deren undurchdringliche Schwierigkeit ihrem überirdischen, übermenschlichen Status entsprach. Der zweite Teil hat einen noch offeneren Operncharakter, mit seinen feierlichen – und gleichzeitig zarten – Gesten; er wechselt majestätische Eröffnungen mit scheuen Nuancen ab, und auch hier ist es immer möglich, die Melodielinien mit italienischen Versen zu unterstreichen, mit ihren regelmäßigen Mustern und ihrer süßen Betonung. In Sonatensatzform geschrieben (was an sich ein ungewöhnliches Merkmal für einen langsamen Satz ist), hat es noch einen weiteren einzigartigen Aspekt: Es umfasst einen Teil mit einer völlig anderen Stimmung und Stil, sehr Sturm und Drang, und möglicherweise eine Widerspiegelung von Mozarts Schock über den Verlust seiner Mutter. Das abschließende Presto hat wiederum eine thematische Struktur, die eng nach den Strukturen von Opernlibretti modelliert ist – in diesem Fall Ottonario-Verse: genauso wie in Dove sono i bei momenti, eine der schönsten Arien der Gräfin in den späteren Nozze di Figaro (aber auch L'ho perduta, me meschina, die schluchzende Arie des Kindes Barbarina). Oper ist auch in der Fantasie in d-Moll, KV 385g (397) eingebettet. Sein Manuskript ist verloren gegangen. Die wichtigsten Quellen sind eine erste posthum gedruckte Ausgabe aus 1804, die das Werk in unvollständetem Zustand präsentiert (unterbrochen bei Takt 97), und eine spätere Ausgabe, die 1806 von Breitkopf herausgegeben wurde, die dasselbe Stück mit zehn zusätzlichen Takten enthält, wahrscheinlich von August Eberhard Müller vollendet. Das Stück öffnet mit einer düsteren Evokation tiefer Arpeggios in d-Moll – wie das Requiem und Don Giovanni, aber auch wie eines der beiden Klavierkonzerte in Moll, nämlich das wunderbare und erhabene KV 466. Daraus und darauf entsteht das Hauptthema. Es ist eine seufzende Melodie, diesmal in Novenarier-Versen. Echte Seufzer („sospiri") akzentuieren die Melodie, die weiter durch virtuose Passagen fragmentiert wird (deren Bedeutung erneut die Verbindung zwischen Virtuosität und Tugend erforscht) und durch drohende Wiederholungen von Noten. Es ist nicht weit hergeholt, sich eine Vorahnung der angsteinflößenden Erscheinung des Commendatore vorzustellen; es ist fast eine Mozartsche Version des Schicksals-, Bestimmungs- oder Untergangsmotivs, das in vielen Werken Beethovens vorkommt. Die Wiederholung des Hauptthemas führt zu seinem „Tod" – ein Tod, dem einige ergreifende, ergreifende letzte Atemzüge vorangehen. Die „Auferstehung" des Werkes ist das abschließende Allegretto (obwohl wir nicht sicher sind, ob Mozart diesen Satz als das letzte des unvollendeten Werkes gemeint hat). Hier – wie Paul Badura Skoda gerne seinen Schülern sagte – bekommen wir einen Blick auf den Himmel, auf das Paradies; ein Paradies, das in Mozarts Augen voller kindlicher Freude ist (und hier taucht das Stereotyp von Mozart als das ewige Kind auf, aber vielleicht nicht ganz unangemessen). Die andere Sonate in Moll folgt, nämlich KV 457 in c-Moll. Diese Sonate, 1784 im Oktober in Wien komponiert, wurde 1785 im Dezember von Artaria herausgegeben, zusammen mit der Fantasie KV 475. Das Manuskript reiste über verschiedene Hände auf der ganzen Welt, bis es schließlich von der Internationalen Stiftung Mozarteum erworben wurde, wo es sich nun zur Einsicht befindet und im Faksimile verfügbar ist. Sowohl der erste als auch der letzte Satz haben ihre Hauptthemen basierend auf dem Dreiklang in c-Moll. Der erste Satz nimmt diesen in aufsteigender Form auf, gefolgt von fragenden halben Phrasen; das zweite Thema ist viel leichter und fast spielerisch. Der zweite Satz ist wiederum im Stil einer Oper-Arie. Hier bekommen wir, neben anderen Elementen, eine Lektion in der Kunst der Ornamentik, da es Versionen gibt, in denen Mozart die vielen melodischen Profile erläutert, die das Thema annehmen kann, wenn es mit einer Vielzahl von verzierten Stilen gekleidet ist. Eine Lektion in der Kunst des Rubato findet sich im letzten Satz. Leopold Mozart, Wolfgangs Vater, hatte eine Abhandlung geschrieben, die im selben Jahr wie die Geburt seines Sohnes (1756) veröffentlicht wurde, in der er unter vielen anderen Aspekten die Praxis des Rubato besprach. Während ein guter Begleiter heutzutage jemand ist, der das Tempo des Solisten vorhersagen und folgen kann, war ein guter Begleiter in Mozarts Zeit jemand, der das Tempo halten konnte, während der Solist es antizipierte oder folgte. In diesem dritten Satz schreibt Mozart einen Rubato-Effekt auf, der eine ängstliche, atemraubende Erfahrung hervorruft. Diese Sonate wird oft in Kombination mit Fantasie KV 475 gespielt, komponiert in Wien im Mai 1785 und im Dezember 1785 von Artaria zusammen mit der Sonate herausgegeben. Lange Zeit wurde angenommen, dass das Manuskript verloren gegangen war, bis es wiederentdeckt und von der Internationalen Stiftung Mozarteum erworben wurde, wo es sich nun zur Einsicht und im Faksimile befindet. Obwohl Artaria es in einem Band zusammen mit der Sonate KV 457 herausgab, steht dieses Werk völlig für sich und hat keine direkte Beziehung zu der zuvor genannten Sonate. Das Hauptthema – das das Werk öffnet und schließt – ist besonders verschlungen und komplex, mit intensiver Chromatik und tiefen Seufzern. Es wird neben vielen anderen Teilen platziert; einige sind zart, andere fröhlich; in wiederum anderen werden alle Topoi der Tragödie in der opera seria gezeigt (Tremolo, Ostinati, absteigende Basslinien...). Das Werk wechselt mit virtuosen Passagen (die wiederum Größe symbolisieren) und plötzlichen Unterbrechungen. Es folgen noch zwei wunderbare Stücke, die aus derselben Wiener Zeit stammen wie die Werke in c-Moll. Es war die Zeit, in der Mozart als Freelance-Komponist in Wien aktiv war und nach Opern hungerte. Das Rondo in a-Moll, KV 511, wurde am 11. März 1787 in Wien komponiert und im April desselben Jahres von Hoffmeister in Wien herausgegeben. Das Manuskript ist in Privatbesitz und befindet sich in der Schweiz. Eine Faksimile-Ausgabe des Manuskripts, herausgegeben von Hans Gál, ist bei Schott/Universal Edition erhältlich. Das Hauptthema ist ein Meisterwerk an sich, mit seinen zarten Gesten, seinen zögernden chromatischen Anstiegen und seinen gebrochenen Phrasen. Das Eröffnungs-Gruppetto (Drehung) wird ein Motiv an sich und findet sich auch in den antwortenden, nebeneinander gestellten Teilen in Dur wieder. Eine Besonderheit des verblüffend schönen und reinen Autographen dieses Rondo ist das Vorhandensein einer Fülle von Aufführungsanweisungen – die Mozarts üblichen Standard weit übersteigt – die dieses Stück nicht nur außergewöhnlich machen, sondern auch ein Paradigma für die Interpretation anderer Klavierwerke des Komponisten bilden. Eine noch rätselhaftere Atmosphäre ist die des Adagio in h-Moll, KV 540. Komponiert in Wien am 19. März 1788 und herausgegeben von Hoffmeister in Wien. Das Manuskript wird in der Stiftelsen Musikkulturens Främjande-Bibliothek in Stockholm aufbewahrt. Es ist ein fast romantisches Stück, in dem die „klassischen" Stilwerte bereits durch eine sentimentalere, manchmal sogar irrationale Sensibilität umgestürzt werden. Das Album wird durch einige Bonustracks abgerundet. Die Marche funèbre del Signor Maestro Contrapunto, KV 453a, wurde im Frühjahr 1784 in Wien für Mozarts Schülerin Barbara Ployer komponiert. Das Stück wurde lange Zeit fälschlicherweise aus dem Köchel-Katalog ausgeschlossen, wird aber jetzt als eine authentische Komposition von Mozart anerkannt. Hier verflechten sich das Erhabene und das Komische; ohne Titel ist es ein völlig ernstes Stück, aber der ironische italienische Titel macht es zu einer Parodie. Der Sonatensatz in g-Moll, KV 312, wahrscheinlich 1790 in Wien komponiert, ist ein Allegro in Sonatensatzform, authentisch aber unvollständig. Im Manuskript wurden die Takte 111-145 von einer unbekannten Hand hinzugefügt, aber auf eine Weise, die vollständig konsistent mit dem stilistischen Rahmen ist, den Mozart in den ursprünglichen Teilen (Takte 1-110 und 146-178) festgelegt hat.